Auf praktischer Ebene kann es für einen Komponisten unter bestimmten Umständen nützlich sein, eine Theorie zu kennen.

Erstens, wenn eine Komposition nicht so interessant ist, wie es der Komponist gerne hätte. Er / sie möchte etwas anderes hervorrufen als das, was die Musik in dieser Phase der Komposition inspiriert. Untersuchen Sie die Melodie auf Übereinstimmung mit Standardskalen, untersuchen Sie die Harmonie, um festzustellen, ob sie sich an vorhersehbare Muster und Progressionen gebunden fühlt oder nicht, und überlegen Sie dann, wie Sie sie mit Verschiebungen des Tastengefühls verwechseln und bestimmte Vorzeichen einführen können - all dies kann sein nützlich, und ich kann es aus persönlicher Erfahrung bestätigen.

Zweitens, wenn man eine Passage komponiert hat und die Harmonie nicht offensichtlich ist. Die Analyse der Beziehung zwischen einer melodischen Passage und allen Möglichkeiten, wie sie harmonisiert werden kann (Liegt sie in einer Standard-Triade? Könnte es ein Zufall sein?), Kann durch theoretisches Wissen interessant informiert werden.

Ich mag es Stellen Sie sich Theorie und Komposition vor, die eine ähnliche Beziehung haben wie die Komposition von Poesie einerseits und Reim, Meter oder anderes handwerkliches Wissen andererseits: Es kann eine Einschränkung sein, den Komponisten über einen abgenutzten Kanal zu einem Banalen zu schicken Ziel, oder es kann ein Ansporn für Kreativität sein, der einen aus dem Trott hebt.

Natürlich kann es niemals den Erfindungsreichtum ersetzen, den die Komposition von seinen Praktikern verlangt. Das ist der Grund, warum Komponisten mit enormen Leistungen auf dieses Wissen verzichtet haben und sich dennoch hervorgetan haben.

Es ist eher wie Sprache. Wenn Sie die Regeln als vorschreibend behandeln, können Sie immer allgemein verstanden werden (oder etwas nicht irritierendes verfassen). Sie müssen die Regeln verstehen, um zu wissen, wann es in Ordnung ist, sie zu brechen, obwohl Sie sie versehentlich brechen und dennoch einen verständlichen Satz (oder eine ansprechende Melodie) bilden könnten, ohne zu wissen, warum.

Weil die Regeln sind in der Tat beschreibend und beinhalten oft Naturgesetze (dh die Mathematik hinter der Musik), Musik kann für Menschen ganz natürlich sein. Wie die anderen Antworten sagen, folgen Komponisten, die wenig theoretische Kenntnisse haben, immer noch unwissentlich vielen Regeln. (Oder genauer gesagt, die Regeln beschreiben sie bereits.)

Ob Sie "natürlich" oder aus einem festgelegten Prozess zu Ihrer Komposition gelangen, spielt keine Rolle, ob es Ihnen / anderen gefällt. (Natürlich ist es absolut gültig, auch unangenehme Werke gezielt zu komponieren.) Beide sind effektive Methoden für verschiedene Menschen, aber keine steht für sich. Das Befolgen der Regeln funktioniert nur in Kombination mit einer Melodie oder einem gewünschten Sound, da Sie sonst jedes Mal das Gleiche produzieren würden. Umgekehrt können Sie nicht ohne Regeln komponieren, da viele davon bereits in Ihr Gehirn eingebaut sind und unser Gehirn in erster Linie "Musik" definiert.

Zunächst einmal ist die Vorstellung, dass Sie freier schreiben können, wenn Sie "die Regeln nicht kennen", ein unglücklicher Irrtum. Wenn ich Gitarristen sagen höre, dass sie es vermeiden, Theorie zu lernen oder Noten zu lesen, weil dies "ihre Kreativität erstickt", denke ich, "Jungs, versuchen Sie, einen Marathon mit einem Bootsanker zu laufen, der an Ihrem Knöchel befestigt ist." / p>

Funktionale Harmonie (westliche Musiktheorie) wurde empirisch konstruiert, indem die Muster, zu denen sich alle hingezogen fühlten, erkannt und in einer beschreibenden Semantik erfasst wurden.

Wenn Sie mit musiktheoretischem Hintergrund komponieren, verfügen Sie über die Werkzeuge, um "mit Absicht" zu komponieren. Die Theorie beschreibt im Wesentlichen Muster von Spannung und Entspannung sowie Muster von Konsonanz / Dissonanz. Die Musiktheorie ist nicht dazu da, dass sie "gut klingt", sondern dazu, Ihnen ein Werkzeug zur Verfügung zu stellen, mit dem Sie bestimmte Absichten erreichen können.

Alles in allem ist es offensichtlich, dass es viele Songwriter gibt, die keine formale Ausbildung haben Sprechen Sie darüber, wer sich wundervolle Musik einfallen lässt. Der Grund, warum sie wundervolle Musik machen, kommt aus ihrem wundervollen Verstand, nicht aus ihrer Unwissenheit. Sie verwenden tatsächlich Theorie, aber sie ist aus ihrer eigenen Sensibilität und ihrem Zuhören entstanden.

Die Theorie ist sowohl beschreibend als auch, soweit sie eine genaue Beschreibung liefert, auch ein wenig vorschreibend (aber nur in diesem Umfang). Es könnte richtig sein zu sagen, dass die Theorie nicht so sehr Regeln liefert wie Faustregeln . Die Theorie bietet eine Reihe getesteter Lösungen für häufig auftretende Probleme. Wenn Sie sich in einem in allgemeiner Tonalität geschriebenen Stück bei V / vi befinden, um zu I zurückzukehren, stehen die Chancen gut, dass Ihre Theoriekurse Ihnen einige sehr nützliche Fortschritte beigebracht haben, die Sie dazu verwenden können. Wenn Sie in einem Zwölftonstück einige Stimmen, die in einer Zeilenform geschrieben wurden, mit Stimmen in einer anderen Zeilenform begleiten müssen, ohne dass Unisons oder Oktaven entstehen, suchen Sie nach kombinatorischen Zeilen - die Sache ist ganz einfach. P. >

Das Problem beim Versuch, die Theorie für viel mehr als das zu verwenden, liegt an zwei Stellen:

• Die Theorie deckt die Gemeinsamkeit ab, was in einer bestimmten Situation meistens passiert, was in Ordnung ist, wenn Sie versuchen nicht viel mehr als Gebrauchsmusik oder musique d'ameublement . Wenn Sie sich gerne Herausforderungen stellen, befinden Sie sich häufig an Stellen, an denen die "Regeln" nicht mehr so ​​gut gelten. Tatsächlich entstanden die meisten Regeln, wenn jemand etwas Außergewöhnliches schreiben musste, etwas, das außerhalb der üblichen Praxis lag, um es für das Publikum des Tages verständlich zu machen - mit anderen Worten, um eine solche Abweichung zu machen von den Regeln, die mit dem Geist der bestehenden Musiksprache vereinbar sind, solche Abweichungen normativ zu machen. (Dies ist eine gute Beschreibung von so viel von Haydns Ausgabe.)
• Aus diesem Grund ist die Theorie reduktiv . Aufgrund der Betonung der Gemeinsamkeit ist die Theorie manchmal gezwungen, vieles zu ignorieren, was eine bestimmte gut gemachte Arbeit auszeichnet. Die Sonatenform ist ein typisches Beispiel: Die Sonate war weniger eine Form als vielmehr eine Arbeitsweise in einer Sprache, die einen Umzug in eine dominante Region und eine Auflösung von erwartete diese Bewegung als Teil seiner normalen Syntax. Ja, man findet oft erste und (manchmal "weibliche") zweite Themen, Übergänge, vollständige Rekapitulationen, diskursive "Entwicklungsabschnitte", aber erst als sich die Sprache änderte, verlor die dominante Polarisierung ihre Kraft, in die sich die "Form" verknöcherte was wir jetzt in Lehrbüchern finden. (Siehe Charles Rosen, "The Classical Style", "The Romantic Generation" und "Sonata Forms". Rosens Schreiben zu diesem Thema ist wunderbar.)

Einige Musiker scheinen es zu haben Ein tiefes theoretisches Wissen, und unabhängig davon, was sie sagen würden, ist ihr mentaler Prozess, dies scheint die Art und Weise zu beeinflussen, wie sie komponieren, da sie bestimmte Muster nicht "entlernen" können. Auf der anderen Seite gibt es nicht unterrichtete Musiker, die nichts über Theorie wissen und in gewisser Weise "freier sind, die Regeln zu brechen", ohne zu wissen, was die Regeln sind.

The Ersteres gilt insofern, als diese Musiker die Theorie als Allheilmittel betrachten, als eine Art "Silberkugel", um die Komplexität beim Komponieren von Musik zu beseitigen. Wenn Sie daran interessiert sind, die Implikationen Ihrer musikalischen Ideen herauszuarbeiten und dies in einer Sprache zu tun, die verständlich ist, werden Sie häufig Ihren Weg nach vorne finden, und diese allumfassenden theoretischen Rahmenbedingungen werden bestenfalls zu Anleitung und im schlimmsten Fall Nachteile. Persönlich stelle ich fest, dass meine Vorstellungen zur Theorie umso kontroverser werden, je älter ich werde, je weniger ich sicher weiß.

Nicht unterrichtete Musiker sind häufig insofern erfolgreich, als sie die vorherrschende Musiksprache verinnerlicht haben, da sie nicht in einem musikalischen Vakuum leben. Wenn Sie jedoch einen Autodidakten wie Mussorgsky haben, der eine Synthese klassischer und russischer Volkstraditionen versuchte, ohne auf "Bücherlernen" zu verzichten, kann es vorkommen, dass eine solche Person gelegentlich Probleme hat, ihre Ideen angemessen zu vermitteln (und in Mussorgskys Fall auch) führte dazu, dass viele Menschen zu Recht oder zu Unrecht das starke Bedürfnis verspürten, seine Arbeit zu bearbeiten). Ein theoretisches Wissen ermöglicht es Ihnen manchmal, Lösungen für die spezifischen Probleme zu finden, die unmittelbar zur Hand sind, analog zu bestehenden Lösungen für häufig auftretende Probleme.

In Mathe sollten Sie 1 + 1 = 2 kennen. Sie müssen Mathe nicht formal kennen, um zu wissen, wann Sie zwei Äpfel haben. Wenn die Mathematik technischer wird, ist das Allgemeinwissen weniger gleichwertig, auch wenn es noch relevant ist (Welcher Schub ist erforderlich, um die Oberfläche des Planeten zu verlassen, oder wie hoch ist der Zinseszins Ihres Kontos in den nächsten 6 Jahren?)

Ich weiß, dass Musik keine Mathematik ist, aber es ist ähnlich: Sie müssen die Musiktheorie nicht kennen, um ein einfaches Musikstück zu schreiben, das den Regeln folgt. Sie müssen die Regeln kennen, um ein komplexes musikalisches Werk zu erhalten, das mit der gemeinsamen musikalischen Grammatik verbunden ist. Die gute Nachricht ist, dass einfache Musik oft sehr gut klingt. Das negiert nicht den Reichtum, der in einem tieferen Studium der Musiktheorie zu finden ist.

Einige können auch viele der allgemein verwendeten Musikregeln durch Zuhören verinnerlichen. Dies entspricht der Grammatik. Eine Person kann die Regeln der allgemeinen Grammatik befolgen, ohne jemals einen Englischkurs zu besuchen und ohne bewusst darüber nachzudenken. Dies bedeutet nicht, dass der Besuch eines Englischkurses nutzlos ist. Es bedeutet jedoch, dass einige die Regeln ohne ihn befolgen können.

Wenn Sie die Musiktheorie verstehen, haben Sie die Möglichkeit, die Regeln in einem solchen Forum zu diskutieren, sie weiter zu studieren und zu erforschen und Antworten auf Fragen zu finden. Es gibt Ihnen eine größere, tiefere Welt, aus der Sie schöpfen können, und einen Blick auf bereits festgelegte Standards.

Es ist schwieriger, die Regeln zu brechen, wenn Sie nicht wissen, was sie sind. Als ich jung war, schrieb ich Stücke, die die Regeln brechen sollten, aber da ich die Regeln nicht kannte, wurden tatsächlich keine Regeln gebrochen, die ich brechen wollte.

Ich glaube nicht, dass Sie lernen würden unzerbrechliche Muster, die für immer bei dir bleiben, es sei denn, es stellt sich heraus, dass du diese Muster magst und auf einer bestimmten Ebene damit weitermachen willst. Win: Win.

Wie soll die Theorie die Komposition beeinflussen?

Vollständig.

Andererseits gibt es nicht unterrichtete Musiker, die nichts darüber wissen Theorie, und die in gewissem Sinne "freier sind, die Regeln zu brechen", ohne zu wissen, was die Regeln sind.

Ich behaupte, dass gute Musiker die Regeln brechen. Wenn Sie die Regeln brechen, nur um sie zu brechen, wird dies definitiv nicht zu guter Musik führen. Sogar Impressionisten, die gegen viele Konventionen verstoßen haben, haben dies nicht nur getan, sondern hatten bestimmte stilistische Ideen, denen sie folgen wollten.

Es mag Musiker geben, die keine theoretische Ausbildung haben, aber Wenden Sie die Dinge, die die Theorie lehrt, immer noch auf ihre Musik an (auch wenn sie sich dessen nicht bewusst sind). James Hetfield zum Beispiel würde sofort die richtige Verwendung von Rhythmus in Melodien kennen, wenn er jemals das Bedürfnis hätte, Theorie zu machen. Er ist ein großartiger Rhythmus-Spieler und verwendet die Prinzipien eines guten Rhythmus in seiner Musik, unabhängig davon, ob seine Ausbildung formal ist oder nicht.

Auch wenn Sie an Impressionisten denken und wie sie ihre Musik gemacht haben, gab es keine Ein großartiger Raum, in dem sich diese Art von Musik entwickeln und wachsen kann. Das war der große Mangel des Genres; Es fehlte die Art und Weise, in der sich andere musikalische Epochen / Genres entwickelten, und dies hatte viel mit der Art und Weise zu tun, in der langjährige Konventionen verworfen wurden.

Sie können die Theorie verwenden, um ein Framework zu bilden, das Ihrer Komposition zugrunde liegt. Das Framework bietet eine grundlegende Struktur, die die Komposition steuert, aber die Details der Komposition unterscheiden sie von anderen Kompositionen, auch von solchen, die dasselbe Framework verwenden.

Wie andere vorgeschlagen haben, ist es nicht notwendig, irgendeine Theorie zu kennen, um großartige musikalische Kompositionen zu schaffen. Musik folgt einigen Grundgesetzen der Natur, die nicht nur dem Menschen innewohnen, sondern einige Studien haben sogar gezeigt, dass Pflanzen auf vorhersehbare Weise auf Musik reagieren können. Die Theorie ist lediglich ein Versuch, logisch zu erklären, warum manche Musik gut klingt und manche Noten zusammen gut klingen, während andere dies nicht tun.

Abgesehen davon kann die Theorie tatsächlich effektiv eingesetzt werden, um, wie Sie sagen, die Komposition zu informieren, falls man den Wunsch hat, sie auf diese Weise zu verwenden. Zum Beispiel sagt uns die Theorie, welche Noten gut zusammenpassen, um Musik zu machen, die dem menschlichen Ohr gefällt. Wenn wir also ein Stück in C-Dur komponieren, wissen wir aus der Theorie, welche Noten uns zur Verfügung stehen, wenn wir im sicheren Hafen der bewährten Theorie bleiben wollen, welche Noten in dieser bestimmten Tonart gut zusammenpassen. Wenn wir wissen, welche Noten in unserer Melodie funktionieren, wissen wir auch ohne Versuch und Irrtum, welche Akkorde aus den Noten in unserer gewählten Tonart gebildet werden können.

Wir können auch die Theorie anwenden, um die gewünschte emotionale Reaktion auf unsere Komposition besser hervorzurufen. Durch die Theorie verstehen wir, dass Moll-Tasten ein melancholischeres oder traurigeres Gefühl hervorrufen, während Dur-Tasten ein glücklicheres Gefühl hervorrufen.

Wenn unser Ziel darin besteht, ein Musikstück zu komponieren, das mehrere Instrumente umfasst, die von verschiedenen Musikern gespielt werden, wird es den anderen Musikern leichter gemacht, entweder ihre Parts zu lernen oder, wenn wir uns an die bewährte Theorie halten Folgen Sie dem Muster instinktiv, weil es in den Rahmen der Musiktheorie passt, der in Wirklichkeit lediglich eine Beschreibung dafür ist, warum ein Musiker von Natur aus zu einer bestimmten Note, einem bestimmten Akkord oder Rhythmus tendiert.

Wenn Sie der Theorie erlauben, den Rahmen bereitzustellen, der bestimmte Parameter der Komposition definiert, können Sie sicherstellen, dass die Musiker, die ihren Teil der Komposition spielen müssen, nicht aus der Spur geraten, indem sie ihren natürlichen Instinkten folgen. Es gibt Ihnen auch ein gewisses Maß an Sicherheit, dass es "richtig" klingt und für den Hörer zufriedenstellend ist.

Zusammenfassend , wenn wir behaupten möchten, dass Musiktheorie IS ist, um zu informieren Bei der Komposition werden die Tonart, das Tempo, der Rhythmus, die verfügbaren Noten, die verfügbaren Akkorde und andere Parameter definiert, die dem Hörer das beabsichtigte Gefühl oder die Emotionen auf angenehme Weise vermitteln - und dabei leicht interpretiert und aufgeführt werden können von den Musikern oder Instrumenten, mit denen der Komponist die musikalische Komposition nachbauen möchte.

Sie müssen die Theorie kennen, weil:

• Musikkomposition ein Handwerk ist. Sie können sehr gut etwas intuitiv tun, aber das ändert nichts an der Tatsache, dass Sie das Handwerk lernen müssen. Häufiger haben Menschen eine Intuition für Melodie und Harmonie, aber sie haben selten eine Intuition für Form, und Form ist im Wesentlichen Komposition. Ohne Form ist Ihre Musik bestenfalls Sounddesign und im schlimmsten Fall ein Klumpen inkohärenter Klänge. Lerntheorie kann Ihre Musik kohärenter und hörbarer machen. Möglicherweise nicht, aber es kann.
• Die Musiktheorie gibt Ihnen ein Bewusstsein dafür, was Sie tun, sodass Sie nicht naiv glauben, dass Sie gerade etwas getan haben, was noch niemand zuvor getan hat.

Wenn Sie die Regeln nicht kennen, haben Sie nicht automatisch einen Vorteil, wenn Sie die Theorie nicht kennen. Was Ihnen einen Vorteil verschafft, ist harte Arbeit und etwas Talent.

Ich werde einige ketzerische Gedanken sagen und denke, dass dies das Recht hat, da ich bereits ein funktionierendes radikales neues Musiksystem vorgestellt habe, das von Anfang an ziemlich funktioniert und keine Theorie der zeitgenössischen Musik benötigt. () http://home.arcor.de/yuri.vilenkin/new-music-atoms.html http://www.youngcomposers.com/forum/t33636/the-new-structure-of- muscal-note / http://forum.emusictheory.com/read.php?5,16533).

Natürlich heißt das nicht, dass dies möglich ist Alternativen machen das Wissen über die etablierte Musiktheorie unwichtig, da es zum Erlernen und Verstehen der bereits geschaffenen Musikpraxis notwendig ist.
Dennoch lohnt es sich, sich auf einige der wichtigsten maßgeblichen Werke zu beschränken, wie sie beispielsweise vor nicht einmal neu veröffentlicht wurden zur praktischen Harmonie "von P. Tschaikowsky, der sich nicht mit Erfindungen vager Begriffe wie" Tonalität "und zweifelhaften Spekulationen beschäftigt. Insbesondere schrieb er:

" Es ist wichtig, dass durch gründliche Erklärung s von Rudimenten sollten wir zu Beginn die abergläubische Ehrfurcht zerstreuen, die in Bezug auf die sogenannte "Theorie" oder "Thorough Bass" vorherrscht. "

Nämlich sogenannte" Theorie ". Der große Mangel der etablierten Musiktheorie ist dass es sich als Träger ewiger Wahrheiten darstellt. In Wirklichkeit ist der wichtigste Teil der Harmonietheorie Akkorde und Progressionen, die durch die Verbreitung von Schlüsselinstrumenten entstanden sind und durch weiteren technischen und wissenschaftlichen Fortschritt unnötig werden können.

Nun Computertechnologie und Ergebnisse der menschlichen Musik Durch Physiologie und Psychologie gewonnene Wahrnehmungen ermöglichen den Aufbau eines Musiksystems, das sich direkt an den menschlichen Empfindungen wissenschaftlich verifizierter Musikkomponenten (die sich mit Harmonie befassen) orientiert, d. h. von Melodie, Dissonanzen, Grundfrequenz, Glätte.

Jeder hat eine eigene Musiktheorie, oft eine für jeden Musikstil, und Musiktheorie kann manchmal als generative Sprache angesehen werden.

Idealerweise sollte die Musiktheorie vorhersagen, was beispielsweise nach einer bestimmten Akkordfolge als nächstes kommen kann: Sie können zwischen den 10 Möglichkeiten wählen, die die Musiktheorie zulässt, anstatt nach dem nächsten Akkord zu suchen Eine Unendlichkeit von Möglichkeiten.

Musik hat etwas Magisches, insbesondere die Melodien. Aber dieser magische Teil der Musik (der mit der Vorstellungskraft, dem Konzept der Schönheit, der menschlichen Fähigkeit zu träumen zusammenhängt) macht nur 40% des Ganzen aus, der Rest ist algorithmisch. Dieser algorithmische Teil, der sich auf grammatikalische Regeln bezieht, ist genau das, worum es in der Musiktheorie geht.

Wenn Sie einen dieser beiden Teile der Musik vermissen: Magie + Algorithmus , werden Sie dazu gebracht unfähig, Musik effizient zu komponieren.

Theorie informiert das Handwerk der Komposition. Einschränkungen in der Entwicklung des Handwerks können das Ausdruckspotential des Musikers innerhalb der Kompositionskunst einschränken.

Komposition als Handwerk : Virtuosität, die durch Musiktheorie als Verallgemeinerungen, beschreibende Regeln und Muster von Stil, Technik und Methode entwickelt wurde; Entwicklung von Verständnis und Exzellenz in der Praxis (dh der Praxis von Musik, Recht, Medizin).

Komposition als Kunst : eine Praxis / ein Prozess, der jenseits von Theorie, Messung und Regeln existiert: Vorstellungskraft , Intuition, Kreativität, Erforschung, Neugier, Ästhetik; Bedeutungsbewusstsein

Das Ausdruckspotential in der Kunst der Komposition und Performance wird begrenzt durch:

1. Fachwissen im Handwerk: wie, was;
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Technik, Theorie, praktische Erfahrung historisches Bewusstsein für Stile, Methoden, Techniken / Technologie, Analyse, Nachahmung, Ausführung, Kompetenz, Virtuosität, Technikentwicklung, intellektuelle Entwicklung; didaktisches und erfahrungsorientiertes Lernen; Entwicklung von Ausdrucksmitteln (Toolkit).

2. Künstlerische Entwicklung: warum;
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Lebenserfahrung, emotionales, wahrnehmungsbezogenes und ästhetisches Bewusstsein, Intuition , Vorstellungskraft, Einsicht, Neugier, Innovation; eine Suche nach Bedeutung und ästhetischem Ausdruck jenseits der aktuellen Grenzen.

3. Intrinsische / extrinsische Faktoren: Talent, Intelligenz, Kreativität, Motivation, Beharrlichkeit, Gelegenheit, Unterstützung usw.
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KI (künstliche Intelligenz) kann Musikkompositionen erzeugen, die auf regelbasierten Stilen, Techniken und theoretischen Kompositionsmethoden beruhen (dh aleatorische, stochastische, algorithmische, Serialismen, Fugen). Zunehmend werden die regelgebundenen Aspekte des Kompositionshandwerks (Stile, Formen, Techniken usw.) durch Technologie repliziert und simuliert.

https://ailabs.tw/human-interaction/ai-music-composition/

In gewissem Sinne demonstriert die KI-Technologie die generativen Möglichkeiten der Komposition nur als Handwerk. Das heißt, basierend auf theoretischen Modellen. Und dies beleuchtet in einem weiteren Maße viele der Unterschiede, die zwischen dem Handwerk und der Kunst der Musikkomposition bestehen.