Frage:
Was genau sollte ich lernen müssen, um zu verstehen, warum bestimmte Akkordkombinationen harmonisch sind, wenn sie in einer Sequenz gespielt werden?
André Pena
2011-04-05 06:32:02 UTC
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Ich bin ein intuitiver Musikkomponist, der versucht, zu einem technischen Musikkomponisten zu wechseln. Als Dummy sehe ich Musik als Komposition von 'Stücken' (mein Wort). Jedes Stück besteht aus einer Reihe von Noten, die melodisch sind, wenn sie in einer bestimmten Sequenz und in bestimmten Intervallen gespielt werden. Da die Musik sehr langweilig wäre, wenn sie aus einem Stück bestehen würde, das sich immer wieder wiederholt, müssen Sie mehrere Stücke komponieren und zusammenkleben, um ein angenehmes Lied zu erzeugen.

Als intuitiver Komponist schaffe ich es, mehrere melodische Stücke zu arrangieren, aber es fehlt mir die Fähigkeit, andere Stücke zu komponieren, die mit dem ersten melodisch / harmonisch sind, so dass das Ganze ein Lied bildet.

Ich bin mir ziemlich sicher, dass es eine Menge Theorie gibt, Kombinationen zu finden, die melodisch / harmonisch sind. Es muss eine Möglichkeit geben zu sagen, dass 3 verschiedene Akkorde wahrscheinlich Musik bilden. Bei 2 Akkorden muss der dritte X sein und so weiter.

Die Frage ist: Was muss ich lernen?

Ich bin mir ziemlich sicher, dass es etwas damit zu tun hat Harmonie, aber ich würde mich wirklich freuen zu wissen, was genau in Harmonie meine Fragen beantworten würde.

Danke

Acht antworten:
#1
+45
Alex Basson
2011-04-05 08:48:47 UTC
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Sie stellen eine enorm tiefe Frage, die ganze Materialbücher umfassen könnte (und tut). Ich werde versuchen, das Nötigste für den Moment zusammenzufassen, und ich werde es später erweitern.

"Es gibt nur zwei Arten von Akkorden: Ichs und Vs"

Mein Lehrer sagte mir, dass Joe Pass dies gesagt hat, obwohl ich sicher bin, dass es wahrscheinlich ein falsches Zitat ist.

Das Gefühl stimmt jedoch. Es gibt im Wesentlichen zwei Arten von Akkorden, zwei Arten von Harmonien: diejenigen, die Spannung erzeugen, und diejenigen, die sie lösen . V-Akkorde und alle Akkorde, die funktionell V-Akkorden entsprechen, erzeugen Spannung. Ich Akkorde (und ihre Entsprechungen) geben es frei. Das ist die größte und umfassendste Idee, die Sie über Harmonie und die Interaktion von Melodie mit ihr verstehen sollten.

Bei weitem ist die häufigste Akkordfolge in der westlichen Musik das I-V-I. Es ist so häufig, dass es die meiste Zeit kitschig oder hokey klingt; Es ist ein Klischee. Aber es ist auch das grundlegendste. Der I-Akkord bildet eine Tonart, der V-Akkord erzeugt Spannung, der I-Akkord gibt sie frei. Alle anderen Akkordtypen sind auf die eine oder andere Weise diesen beiden funktional äquivalent. IV-Akkorde sind beispielsweise funktional äquivalent zu V-Akkorden und können als Einführung in einen V-Akkord verwendet werden, wie dies bei der äußerst häufigen I-IV-V-Progression der Fall ist. Das Gleiche gilt für II-Akkorde, wie in der Standard-II-V-I-Progression im Jazz.

I? V? ii? Was ist mit den römischen Zahlen?

Ich sollte die Zahlen erklären. Wir verwenden römische Zahlen, um die verschiedenen Akkorde in einer bestimmten Tonart zu bezeichnen. Wir verwenden Zahlen anstelle der Notennamen für die Akkorde, da die Zahlen relativ zur Tonart sind und nicht auf einem bestimmten Grundton basieren und daher unabhängig von Ihrer Tonart denselben funktionalen Zweck erfüllen Mit anderen Worten, in der Tonart C dient der V-Akkord (der G7 ist) demselben funktionalen Zweck wie der V-Akkord in der Tonart E (in E ist der V-Akkord B7).

Okay, wie kommen die Zahlen zustande? Schreiben Sie zunächst eine große Skala auf. Zur Veranschaulichung verwende ich die C-Dur-Skala. Seine Notizen sind:

CDEFGABC

Zuweisen von Zahlen zu jeder Note, beginnend mit 1, und Sie erhalten, dass C 1 ist, D 2 ist, E 3 ist usw. P. >

Bauen Sie nun für jede Note einen Akkord, indem Sie Drittel stapeln. Um beispielsweise einen Akkord auf C zu bauen, bauen Sie ein C, ein E und ein G (und im Jazz eine vierte Note: B). Diese Noten - C, E, G, B - bilden den so genannten I-Akkord, weil sein Grundton die erste Note der C-Dur-Tonleiter ist.

Für die zweite Note D ist der Akkord D. , F, A, C und diese Noten bilden daher den II-Akkord. Wiederholen Sie diesen Vorgang für jede Note in der Tonleiter, und Sie erhalten die folgenden Akkorde:

  • I-Akkord: C, E, G, B
  • ii-Akkord: D, F, A, C III-Akkord: E, G, B, D IV-Akkord: F, A, C, E V-Akkord: G, B, D, F Vi-Akkord: A, C, E, G Vii-Akkord: B, D, F, A

Sie werden feststellen, dass einige Akkorde römische Großbuchstaben und andere Kleinbuchstaben verwenden. Die Akkorde in Großbuchstaben enthalten Dur-Triaden (z. B. C, E, G), und die Akkorde in Kleinbuchstaben basieren auf Moll-Triaden (z. B. A, C, E).

Das Tolle an der Das Zahlensystem ist, dass die Akkorde vom gleichen Typ sind, egal in welcher Tonart Sie sich befinden . Dies ist kein magischer oder bequemer Zufall - es funktioniert auf diese Weise, da die Akkorde aus Noten der Dur-Tonleiter der Tonart bestehen, in der Sie sich befinden, und jede Dur-Tonleiter (per Definition) aus denselben Intervallen relativ zu besteht seine Wurzel. Betrachten Sie zum Beispiel die Tonart E. Die Skala lautet:

EF♯ G♯ ABC♯ D♯ E

Wenn Sie den I-Akkord darauf aufbauen, erhalten Sie E, G♯, B, D♯. Das ist ein Dur-7-Akkord, genau wie der I-Akkord in der Tonart C (C-E-G-B) ist. In der Tat, ohne darüber nachdenken zu müssen, weiß ich, dass der I-Akkord in jeder Tonart immer ein Dur-7-Akkord sein wird.

Welche Arten von Akkorden gibt es in diesem Sinne für jede Nummer? ?

  • I-Akkord: Dur 7.
  • II-Akkord: Moll 7.
  • III-Akkord: Moll 7.
  • IV-Akkord: Dur 7.
  • V-Akkord: Dominant 7.
  • vi-Akkord: Moll 7.
  • vii-Akkord: Moll 7. / Flat 5, auch bekannt als halb vermindert

Das ist enorm. Ich kann jetzt Akkordfolgen für jede Tonart schreiben und weiß, dass sie funktionieren und wie sie klingen werden. Ich kann ein Lied in der Tonart C lernen, zu einer Jam-Session auftauchen, in der der Bandleader sagt "Lass uns das in F spielen" und sofort weiß, wie man die Akkorde richtig transponiert. Während ich mit anderen Musikern jamme, kann ich jemanden einen dominanten Akkord spielen hören und weiß nicht nur, dass er Spannung erzeugt, sondern auch, wie er sie lösen will, und ich kann entsprechend reagieren.

Das reicht für jetzt

Okay, wow. Ich habe viel mehr geschrieben, als ich zunächst erwartet hatte. Dies sollte Sie jedoch dazu bringen, richtig über Harmonie nachzudenken. Ich habe die größten Ideen skizziert, aber Sie sollten sich mit Ihrer Gitarre oder Ihrem Keyboard hinsetzen und sie tatsächlich durcharbeiten. Wählen Sie eine Tonart und finden Sie die sieben Akkorde, die zu dieser Tonart gehören. Wählen Sie dann einen anderen Schlüssel und wiederholen Sie den Vorgang. Achten Sie darauf, wo die Noten in jedem Akkord in die Skala passen. Spielen Sie verschiedene Akkordfolgen und achten Sie dabei auf die funktionale Rolle jedes Akkords: Welche Zahl es ist, ob es Spannung erzeugt oder löst usw.

Wie ich zu Beginn sagte, gibt es eine Menge Ideen und Material, das hier zu erkunden ist, und dies ist nur der kleinste Anfang. Aber die Mühe lohnt sich auf jeden Fall: Je mehr Sie sich mit dem Verständnis von Harmonie befassen, desto mehr werden Sie in Musik aller Art hören und verstehen.

Geniale Erklärung Alex! Prost.
Nicht alles folgt diesen Regeln, aber genug oder zumindest Reime, damit Sie für vieles, was Sie tun möchten, abgedeckt sind. Gut gemacht, Alex.
Alex Basson rockt buchstäblich!
Vielen Dank an alle für die freundlichen Worte; Ich hoffe meine Antwort ist hilfreich. Zu diesem Zweck können Sie gerne Vorschläge für Verbesserungen, Klarstellungen, Ausarbeitungen usw. unterbreiten. Ich denke, dies ist eine wichtige Frage, und ich möchte die Antwort so polieren, dass sie so vollständig und kohärent wie möglich ist, ohne überwältigend zu wirken.
Nur ein Vorschlag ... vielleicht möchten Sie speziell Dur- und Moll-Akkorde erwähnen (d. H. Nicht 7ths).
Das ist fantastisch.
Dies ist eine wirklich epische Antwort. Gut geschrieben!
Hervorragende Antwort! Es könnte vereinfacht werden, indem nur Triaden verwendet werden. Meistens der Cmaj. Der Akkord wird als CEG verwendet und nicht mit B darüber gewürzt, da dies tatsächlich zu Cmaj7 führt. Bei vielen Songs werden die Triaden als Grundlage verwendet. Wenn ein zusätzlicher Geschmack als notwendig erachtet wird, wird der 7., entweder Maj, Min oder dominant, wird hinzugefügt. Dies führt dann zu 9, 11, 13 usw., ist aber wahrscheinlich zu komplex für diese Frage.
Ehrfürchtiger Standpunkt-Typ
#2
+10
user1217
2011-10-03 10:32:58 UTC
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Was muss ich lernen, um Akkorde nacheinander zu verstehen?

Funktionale Harmonie. Siehe unten. Und das können Sie auch googeln.

Warum sind bestimmte Akkordkombinationen in der Reihenfolge harmonisch?

Ich schließe daraus, dass Ihre mittlere Funktion durch "harmonisch" ist. Es gibt in der Tat Möglichkeiten, Akkorde so zu sequenzieren, dass der Hörer nicht vorhergesagt werden kann, wie der nächste Akkord aussehen wird. Wenn Sie dies nicht tun, müssen Sie regelmäßig Musik schreiben, um die Vorhersage der Hörer zu erleichtern, z. B. "Wenn dieser Akkord ... dann ist der nächste Akkord ..." oder "Wenn diese Akkorde sind" ... dann sind die nächsten Akkorde ... 'usw. Im akademischen Jargon nennen manche diese Regelmäßigkeitsakkordfunktionen.

Unabhängig davon, ob Sie explizit Regeln oder Intuition verwenden oder was auch immer Sie komponieren möchten, muss eine solche Regelmäßigkeit (d. h. "Strukturen" oder "Muster") in Ihrem Lied enthalten sein, sonst kann Ihr Hörer dies nicht vorhersagen. Ohne Vorhersehbarkeit kann es nicht zu sogenannter "Spannung und Entspannung" kommen, da "Befriedigung einer Vorhersage" "FREIGABE" ist. Eine Vorhersage nicht zu befriedigen, ist eine ÜBERRASCHUNG (oder genauer gesagt, die Strukturierung Ihres Songs, damit die Hörer sie vorhersagen können, aber auch die Strukturierung, damit sich die Vorhersage als falsch herausstellt, führt zu einer Überraschung im Kopf des Hörers Die Vorhersage, die sich als richtig herausstellt, führt zu dem Gefühl der Schließung oder einem Gefühl der Erleichterung beim sogenannten Hörerlebnis „Spannung und Entspannung“.

Ich bin nicht einverstanden mit Ihrer Annahme, dass Musik "langweilig sein muss, wenn es sich um ein einzelnes Stück handelt, das sich immer wieder wiederholt". Es ist möglich, ein einzelnes Stück mit VARIATIONEN zu wiederholen. Was Sie als Ihre Anforderung beschrieben haben, "mehrere Teile zu einem Ganzen zusammenzukleben", ist nur eine Möglichkeit, ein Ziel zu erreichen, nämlich KONTRAST; Beachten Sie jedoch, dass andere Möglichkeiten möglich sind. Variation wiederholt sich UND kontrastiert gleichzeitig. Ich respektiere jedoch Ihre Annahmen, denn das macht Ihren Stil möglich. Sie möchten "ein angenehmes Lied produzieren" und Ihre Annahmen darüber, was angenehm ist, sind im Grunde das, worum es bei Ihrer Frage geht.

Um zu beantworten, warum eine bestimmte Kombination nacheinander für Sie angenehm klingt, ist die vielleicht schockierend einfache Antwort ist 'weil du es schon mal gehört hast'. Da ich nicht Sie bin, kann ich nicht wissen, was Sie gehört haben, aber ich werde Ihren Geschmack so annehmen, dass die Beantwortung Ihrer Frage (für mich) möglich ist: Ich gehe davon aus, dass "funktionale" Akkordsequenzen angenehm klingen Sie.

Um Ihre Frage richtig zu beantworten (warum funktionale Akkorde für Sie angenehm klingen), müssen Sie Ihren Geschmack in sozialer und historischer Hinsicht kontextualisieren. Aus diesem Grund halten andere Antworten Ihre Frage hier für "enorm tief". . Mit "sozialen und historischen Begriffen" meine ich im Grunde die Argumentation "Sie haben es vorher gehört". Um diese Art von Argumentation in Aktion zu sehen, lesen Sie meine Erklärung *, wie 'strukturelle Aspekte von Kompositionen' und 'Musiker, die in einer Tradition zuhören' interagieren.

Die Art der Akkordsequenzierung Das unten beschriebene basiert auf der Tatsache, dass Sie "Teile zusammenkleben möchten, um ein Lied zu produzieren". Dieser spezielle Weg ist eine (von vielen) Möglichkeiten zur Lösung des Problems, Vorhersage, Kontrast, Variationen, Freisetzung, Überraschung usw. zuzulassen.

Effekte wie Release oder Überraschung in den Köpfen der Hörer werden in dieser Theorie der Akkordsequenzierung durch FUNKTIONEN von Akkorden ausgelöst. Ich werde diese Funktionen (die bald benannt werden) so beschreiben, als ob sie bestimmten Gefühlen entsprechen: sich zu Hause fühlen, das Bedürfnis haben, woanders hinzugehen, sich wie mitten auf einer Reise zu fühlen, sich von zu Hause weg zu Hause zu fühlen, Ich gehe davon aus, dass diese Gefühle von jedem gefühlt werden müssen, und in dieser Theorie sage ich, dass die Sequenzierung von Akkorden ein METAPHOR für diese Art von Gefühlen in Folge ist.

Was macht Diese metaphorische Art der Kommunikationsarbeit basiert auf zwei Dingen: 1) dem gemeinsamen Verständnis von Hörern und Komponisten, wie wir uns fühlen, wenn wir Kontrast, Variationen, Befreiung (dh Schließung), Überraschung, Spannung usw. erleben, wenn wir vorhersagen, was vor sich geht zu geschehen wird geleugnet oder befriedigt oder irgendwo dazwischen, und 2) ein 'Vokabular' von Akkorden, das sowohl von Zuhörern als auch von Komponisten erkennbar ist. BEIDE SIND NOTWENDIG. Angenommen, der Hörer kann verstehen, dass er "zum selben Akkord zurückkehrt", um metaphorisch "nach Hause zurückkehren" zu bedeuten. Wenn der Hörer jedoch nicht einmal erkennen kann, dass derselbe Akkord endlich wieder erscheint, wie kann er dann ein solches metaphorisches Verständnis verwenden, um aus den Reizen des Hörens das Gefühl zu Hause zu erzeugen, was tatsächlich derselbe Akkord ist, der wieder zurückkommt? (Nein, der Hörer kann nicht).

Sie können Ihre Akkorde so komplex gestalten, dass Ihr Hörer sie nicht einmal erkennen kann. Wenn ja, selbst wenn Sie sich immer wieder darauf beziehen, kann es sein, dass der Hörer das Gefühl hat, zu Hause zu sein (oder sich zu schließen oder loszulassen). Sie können nicht wirklich sicher sein, ob das, was Sie für einfach halten, langweilig ist und ob das, was Sie für komplex halten, aufregend ist, weil die Zuhörer (nicht Sie) selbst entscheiden, was einfach (also vorhersehbarer) und was komplex (also weniger) ist. Zur Beantwortung Ihrer Frage gehe ich davon aus, dass Sie Ihre Akkorde konstruieren, indem Sie Drittel, eins über ein anderes stapeln.

Die musikalischen Intervalle zwischen dem, was bei dieser Art der Akkordkonstruktion als Grundton bezeichnet wird, und anderen Musiktönen im selben Akkord bestimmen die QUALITÄT des Akkords (ein Dur-7.-Akkord und ein Moll-7.-Akkord desselben Grundtons können eine ähnliche Funktion haben; Was sie sehr unterscheidet, ist hauptsächlich ihre Qualität. In einigen unten beschriebenen Stilen ist die Assoziation zwischen der Qualität des Akkords und der FUNKTION des Akkords tatsächlich ziemlich flexibel;

Die Zuordnung von Akkordfunktionen und sequentiellen Akkordwurzelbewegungen (dh Zuweisen von Bedeutungen zu Intervallen in der Bewegung Ihrer BASS LINE - nicht unbedingt alle Intervalle dort, sondern nur das musikalische Intervall zwischen dem Grundton dieses Akkords und dem Grundton des nächsten Akkords - für alle Akkorde in der folgenden Sequenz) soll sehr konsistent sein, damit Ihre Akkordsequenz so vorhersehbar ist, dass sie Metaphern für Gefühle im Zusammenhang mit Heim / Reise sein kann (welche) sind nicht unbedingt glücklich / traurig verwandte Gefühle). Dies bedeutet, dass Sie in diesen Stilen die Akkordfunktion mit jeder Akkordqualität verknüpfen können, dies jedoch mit einer gewissen Konsistenz tun müssen (abhängig von den von Ihnen verwendeten Musikskalen), da Sie sonst das Risiko eingehen, Ihre Hörer zu verlieren.

Wenn Qualität und Funktionen von Akkorden zusammenhängen (aber nicht dasselbe sind), was meine ich hier mit Funktion? Ich werde 3 Arten von Funktionen nennen. Diese Namen (d. H. Jargon) werden mit verschiedenen häuslichen / reisebezogenen Gefühlen in Verbindung gebracht, die auch als "Hörerfahrung als Metapher der Lebenserfahrung" bezeichnet werden. Ihre Definitionen sind nicht präzise, ​​weil Gefühle nicht präzise sind. Sie sind reich an metaphorischer Kraft, gerade weil sie nicht präzise sind, und doch unterscheiden sie sich genug voneinander, so dass sie bedeutungsvoll sein können (anstatt dass alle gleich sind, was nicht so bedeutungsvoll ist).

Die Funktionen sind: 1) Tonic, 2) Will-Return-to-Tonic (dh "dominant" im üblichen musiktheoretischen Jargon) und 3) Will-Go-to-Dominant-oder-Back-to-Tonic. Nach W Benjamins Kapitel über Mozart in M ​​Tenzers Buch über Weltmusik nenne ich diese Funktionen T, D und S. Ich werfe hier ein Stück schwerer Referenz ein, um zu überzeugen Sie, dass JEMAND, nicht ich, sagte, dass es 3 Arten von Akkorden gibt, genau wie einige andere, die sich auf Joe Pass bezogen, indem sie sagten, dass es 2 Arten von Akkorden gibt.

T ist einfacher zu definieren und Sie können an anderer Stelle auf meine Definition von Tonic * verweisen. T fühlt sich stabil oder heimelig an, aber abhängig von anderen Aspekten Ihres Songs wie Rhythmus oder Melodie usw. kann sich T auch etwas langweilig anfühlen, wenn Sie zu lange zu Hause geblieben sind, weil Sie krank waren und woanders hingehen möchten frische Luft atmen. D oder S ist das Gefühl von frischer Luft, indem es einen Kontrast zu T bietet. Der Unterschied zwischen D und S ist folgender: D kehrt fast immer zu T zurück, so oft, dass die Hörer dies erwarten, so dass dies nicht der Fall ist Es ist eine Überraschung für sie. S geht manchmal mit ähnlicher Wahrscheinlichkeit zu T und manchmal zu D, so dass es keine große Überraschung gibt, wenn es zu beidem geht. Wenn S zu T geht, fühlt es sich an, als würde man nach Hause kommen. Wenn S zu D geht, fühlt es sich wie der Drang an, nach Hause zu gehen. Wenn S zu einem anderen S geht, ist es, als ob Sie sich mitten auf einer Reise befinden. Sie stecken nicht zu Hause fest, aber es ist auch nicht so, dass es einen Ort gibt, an den Sie gehen müssen. D hingegen hat das Gefühl, bald nach Hause gehen zu müssen. Denken Sie daran, dass diese Gefühle je nach Reihenfolge Ihrer Akkorde unterschiedlich stark sein können. Verwenden Sie Ihre Lebenserfahrung über Ihr Zuhause und Ihre Reise als Metapher, um herauszufinden, welche Sequenzierung der musikalischen Erfahrung theoretisch dazu führen kann, wie stark von welchem ​​Gefühl ist.

Nun zuerst einige 'übliche' Verwendungen. Für die D-Funktion neigen Leute wie Mozart dazu, Akkorde zu verwenden, deren Grundton sich im 5. oder 7. Schritt der derzeit verwendeten Skala befindet (d. H. "Dominant" und "subtonisch") ("derzeit", weil sie zwischen verschiedenen Skalen wechseln können). Sie neigen dazu, als Wurzel von S den 2. oder 4. Schritt zu verwenden (d. H. "Supertonisch" und "Subdominante" der verwendeten Skala). T befindet sich natürlich im ersten Schritt der Skala. Diese Beschreibung der T-, D- und S-Akkordfunktionen gilt für Werke, die mit Akkorden aus Dur- und / oder Moll-Tonleitern von Personen wie J. S. Bach kurz vor oder seit ihm geschrieben wurden. Um zu verstehen, wie sie im 3. oder 6. Schritt Akkorde mit Grundton verwenden (dh 'Median' und 'Submedian' der verwendeten Skala), muss zuerst etwas anderes erklärt werden.

Dinge werden interessant, wenn Akkorde funktionieren wie D von D, D von S, S von S usw. (D von T ist einfach D, S von T ist einfach S). Wie Sie sehen können, bildet diese Art von Funktion die Grundlage einer Grammatik oder Syntax für die Sequenzierung von Akkorden, wie Sie Sätze aus Wörtern zusammensetzen, aber die Syntax ist nicht so starr wie die von beispielsweise Englisch. Wie in Englisch, wo Sie Dinge wie Nebensätze haben, die Sätze bilden, können Sie mit der Grammatik von T, D und S größere Akkordfolgen aus kleineren Akkordfolgen erstellen. Um so etwas wie ein D von D zu finden, sagen Sie sich, dieser Akkord muss zum nächsten Akkord gehen, der so funktioniert, als ob der nächste Akkord T ist, aber wenn der Hörer dort ankommt, werden sie herausfinden, dass es wirklich ein D ist Mit dieser Grammatik können Sie beispielsweise auch D von D von D oder sogar D von D von D von D erstellen.

Menschen wie Bach und Mozart verwenden in der Regel die relative Dur-Tonleiter einer derzeit verwendeten Moll-Tonleiter (z. B. Eb-Dur-Tonleiter der natürlichen C-Moll-Tonleiter) oder die relative Moll-Tonleiter einer derzeit verwendeten Dur-Tonleiter (z. B. A-Moll-Tonleiter) Skala der C-Dur-Tonleiter), nicht als "Gebiet", in das man gehen und dort eine Weile bleiben kann, sondern als "Gebiet", in das man kurz und schnell zurückkehren kann (sie scheinen eine neue Skala zu bevorzugen, die mit dem 5. Grad beginnt aktuelle Skala als "Bereich", um "länger zu bleiben" oder "zu modulieren" - mit vielen Ausnahmen natürlich). Für Leute wie Mozart neigen Median- und Submedian-Akkorde dazu, eine Kadenz (eine formelhafte Verwendung eines TD- oder DT- oder ST- oder SD- oder SDT-Musters) zu beenden, die das relative Dur oder relative Moll kurz tonisiert. oder sie neigen dazu, ein D von S zu sein (in einem anderen Muster wie SD, während das T dieses Musters nicht das Gesamt-T ist). Für Leute wie Bach wird Submedian auch häufig für die S-Funktion verwendet.

Mozarts und Bachs Weg ist jedoch nicht der einzige Weg, die Wurzeln der Akkorde mit Funktionen zu verknüpfen. Zum Beispiel fungiert in 12-Takt-Blues der 4. Grad der Skala als Wurzel von D (geht die ganze Zeit nach T) und der 5. Grad der Skala fungiert als Wurzel von S. Mit anderen Worten, unter Verwendung des oben eingeführten Jargons, 12 Der Balken-Blues kann so beschrieben werden, dass T-, D- und S-Funktionen mit 3 Akkorden auf verschiedenen Wurzeln verknüpft werden, jedoch alle in derselben Akkordqualität, wobei T-Wurzel auf dem Tonic-Grad der Skala, D-Wurzel auf dem Subdominanten-Grad und mit der Wurzel von S auf dem dominanten Grad der Skala. Ganz am Ende finden Sie ein Glossar, in dem diese Fachsprache zusammengefasst ist.

Hier zeigt meine Theorie ihre Inkonsistenz: Dieses S im Blues geht nicht manchmal zu T und manchmal zu D, sondern immer zu D, also sollte es ein D von D genannt werden, aber wenn ich es so nenne, die Wurzelbewegung von DofD-D und DT ist nicht dasselbe, anders als im Fall II-VI, weshalb meine Beschreibung von S aus der Analyse von Bach und Mozart nicht mit meiner Beschreibung des Blues übereinstimmt, indem einige seiner Akkorde als S bezeichnet werden Alle Blues machen ihre Akkordfunktionen akzeptabel, mit einer Funktion, die nicht wirklich zu meiner Beschreibung von S passt, die ich aber trotzdem S nennen werde. Warum mache ich das? Um die Anzahl der 'Arten von Akkorden' auf 3 zu beschränken.

Dieses Beispiel zeigt, warum manche Leute sagen, dass es zwei Arten von Akkorden gibt und manche Leute sagen drei - weil man sagen kann, dass es auch mehr Arten gibt falls Sie es wollen. Es zeigt auch, warum Ihre Annahme, dass es eine Möglichkeit geben muss zu sagen, dass 3 verschiedene Akkorde wahrscheinlich Musik bilden, so dass bei 2 Akkorden der dritte X und so weiter sein muss, FALSCH ist, weil das „Muss“, das Sie sind Das Suchen ergibt sich tatsächlich aus der Konsistenz der Songs in einem Stil oder einem Repertoire. Sobald Sie die Annahme aufheben, dass die fraglichen Songs denselben Stil oder dasselbe Repertoire haben, gilt der „wahrscheinliche“ Teil Ihrer Aussage nicht mehr.

Das Versagen meiner Theorie zeigt, dass Sie sogar Ihren eigenen Weg definieren können Wenn Sie einen anderen Skalengrad als Grundton von D oder Grundton von S verwenden möchten, müssen Sie in Ihren Songs konsequent sein und den Akkordwurzelbewegungen funktionale Bedeutungen zuordnen. Dies ist schwieriger als Sie viele denken, daher würde ich vorschlagen, dass Sie sich an die „üblichen“ Assoziationen zwischen Akkordfunktion und Skalengrad der Akkordwurzel halten (versuchen Sie zuerst die Grundfunktionsassoziationen von Bach / Mozart).

Die QUALITÄT von Akkorden kann durch konsequente Verwendung auch eine funktionale Bedeutung haben. Die Akkordqualität, die mit Moll 3., perfekter 5. und Dur 7. über dem Grundton gebildet wird, wird in (vielen Stilrichtungen) Jazz konsequent als T verwendet, und die Akkordqualität, die mit Moll 3., vermindertem 5. und Moll 7. über dem Grundton gebildet wird, wird verwendet dort konsistent als S von S (dh als ii ° in einem ii ° -V, das noch ein weiteres S tonisiert). Eine solche Beschreibung ist nur möglich, weil nicht nur ein Lied, sondern auch viele Lieder eine ausreichende Konsistenz aufweisen und einen sogenannten Stil oder ein sogenanntes Repertoire bilden. Sie werden wahrscheinlich Ausnahmen von solchen Beschreibungen in Stücken "außerhalb des Stils" finden. Zum Beispiel verwendet Debussy die Akkordqualität m7b5 (dh die Akkordqualität, die gerade im vorherigen Beispiel erwähnt wurde), um nicht unbedingt so zu funktionieren wie im Jazz.

Für Ihren Zweck, um zu lernen, wie man komponiert mehrere Stücke und kleben sie zusammen, um einen Song zu produzieren. Hören Sie zu und analysieren Sie, wie Songs, die Sie mögen, Akkordfunktionen in verschiedenen Abschnitten desselben Songs unterschiedlich erzeugen. Auf diese Weise lernen Sie zu verstehen, wie diese "mehreren Stücke" (um "zusammengeklebt" zu werden) ihren Akkord unterschiedlich sequenzieren müssen. [Ich habe den Prozess der Durchführung einer solchen Analyse * an anderer Stelle erklärt]. Sie werden feststellen, dass sich die zusammengeklebten ABSCHNITTE unterschiedlich anfühlen, da die Komplexität der Akkordfunktionen und die Musterung der Akkordfunktionen bei verschiedenen Werken innerhalb eines bestimmten Stils auf konsistente Weise unterschiedlich sind.

Hier ist eine sehr vage Beschreibung eines möglichen Ergebnisses (Ihrer eigenen Analyse). Sie müssen Ihre eigene Analyse durchführen, um zu einer nützlicheren Beschreibung zu gelangen, da ich Ihren Geschmack nicht in allen Einzelheiten kennen kann. Die folgende Beschreibung gilt für den sogenannten Folk / Pop-Stil; Für andere Stile müssen Sie die Analogie innerhalb des Stils finden, den Sie möchten, um den Kontrast zwischen der Musterung von Akkordfunktionen in verschiedenen Abschnitten zu verwalten.

  • Erstellen Sie im Vers eines Songs einen Sinn der Eröffnung (im Nachhinein) von Einschränkung der Verwendung von zusammengesetzten Funktionen, so dass, wenn Dinge wie D ofS oder S-SDTofD-T oder D of D of D usw. später eingeführt werden, das Gefühl entsteht, sich zu öffnen oder woanders hinzugehen. Eine Lösung besteht darin, nur T im gesamten Vers oder nur T und D oder nur T und S für fast den gesamten Vers zu verwenden und nur ein D irgendwo zu platzieren, in der Nähe oder ganz am Ende. Sicherlich können Sie weitere Lösungen finden.
  • Erstellen Sie auf der Brücke eines Songs ein Gefühl des Übergangs, indem Sie eine Akkordfolge ohne T verwenden. Damit dies funktioniert, müssen Ihre Akkorde ständig in Bewegung sein. d.h. viele verschiedene Akkorde verwenden. Wenn Sie sich einen Akkord nur als nicht T vorstellen, ihn dann aber immer wieder verwenden, wird sich Ihr Hörer selbst entscheiden und ihn als Teven betrachten, wenn Sie sagen, dass dies nicht der Fall ist. Wenn die Skala, die in die Brücke und die Skala danach geht, von unterschiedlicher Qualität ist und / oder wenn sie unterschiedliche Tonika aufweisen, ist das Gefühl des Übergangs oder der Reise zu einem anderen Ort während der Brücke noch stärker.
  • Im Chor von Stellen Sie bei einem Song sicher, dass ein Akkord (ein T oder ein D) mit wirklich regelmäßiger Regelmäßigkeit zwischen anderen Akkorden erscheint, so etwas wie ein Tevery 4-Akkord oder ein D pro Phrase oder so ähnlich. Diese Unregelmäßigkeit schafft die Art von "Touristenziel", ein Gefühl von "Zuhause fern von Zuhause", das häufig in (bestimmten Stilen innerhalb der breiteren) Stilen zu finden ist, die manchmal als Pop oder Folk bezeichnet werden.

Diese 3 Vorschläge basieren auf Viele Annahmen, Ihr Geschmack, Ihre Melodie in Dur oder Moll, Ihre Verwendung von Akkorden, die durch gestapelte Terzen gebildet werden usw. Wenn Sie eine dieser Annahmen wegnehmen, sind die Vorschläge nicht mehr so ​​gültig. Die grundlegendere Theorie, warum die simultane Tonkombination in eine Metapher für Gefühle im Zusammenhang mit Heim / Reise (d. h. die Theorie der funktionalen Harmonie) sequenziert werden kann, kann jedoch weiterhin anwendbar sein. Verwenden Sie die grundlegendere Theorie als Grundlage, um Ihre eigenen nicht so grundlegenden Theorien zu konstruieren!


[Glossar: Tonic, Supertonic, Median, Subdominant, Dominant, Submedian, Subtonic =

 VI, vii, ♯i, II, III, ♯iv, ♯v ° für paralleles Maj des relativen Moll von majorvi, vii °, I, ii, iii, IV, V für relative Moll von major I, ii, iii, IV, V, vi, vii ° für major i, ii °, ♭ III, iv, v, ♭ VI , ♭ VII für Moll ♭ III, iv, v, ♭ VI, ♭ VII, i, ii ° für relativen Major von Moll ♭ iii, iv °, ♭ V, ♭ vi, ♭ vii, ♭ I, ♭ II für paralleles Moll des relativen Dur von Moll 

dh Tonische Akkorde von Dur und Moll werden als I bzw. I symbolisiert; Der Tonika-Akkord der relativen Dur-Tonleiter (relativ zum Tonika-Moll) wird als ♭ III symbolisiert, und der Tonika-Akkord der relativen Moll-Tonleiter (relativ zum Tonika-Dur) wird als vi symbolisiert: Ja, sobald Sie Dinge wie eine Tonleiter sagen, die relativ zu ist oder parallel zu einer anderen Skala denken Sie in zwei Skalen gleichzeitig. In mehreren Skalen gleichzeitig zu denken ist, wie man Akkorde mit zusammengesetzter Funktion theoretisiert (z. B. diesen oder jenen Akkord als D von S oder als D von D usw. bezeichnet). Es gibt viele andere Skalen mit unterschiedlichen Intervallstrukturen und unterschiedlichen relativen Skalengraden, die zu unterschiedlichen Beziehungen zwischen Stammqualität führen: Suchen Sie nach Online-Referenzen über Links in meiner anderen Antwort bei der erneuten Harmonisierung oder einfach bei Google Wikipedia für mehr über sie.]

Ich habe dich nicht vergessen, ich hatte einfach nicht genug Freizeit, um deine Antwort vollständig zu lesen! Mein erster Eindruck ist, dass es ... gelinde gesagt voluminös ist.
Ihre Sprache wird ein wenig dichter, aber als jemand, der sich selbst beibringt, wie man Klavier und Theorie spielt, ist dies die beste Antwort. Es kommt der Erklärung dieses „x“ sehr nahe, das die Theorie mit dem Musikgenuss verbindet.
#3
+6
M. Werner
2011-04-05 07:13:20 UTC
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Mein eigenes theoretisches Wissen ist begrenzt; Ich bin in erster Linie ein "Roots" -Typ. Allerdings ... Die westliche Musik basiert im Wesentlichen auf der Idee von Tonzentren (der "Tonart") und von Akkorden, die aus den Noten der in dieser Tonart verwendeten Tonleiter aufgebaut sind. Sagen Sie, Sie haben ein Stück in der Tonart "C". . Wenn Sie die Standard-C-Dur-Tonleiter nehmen und für jede Note in der Tonleiter einen Akkord konstruieren und nur die Noten dieser Tonleiter verwenden, erhalten Sie eine "harmonisierte Tonleiter". Was wir als Akkordfolgen betrachten, wird übernommen solche harmonisierten Skalen.
Wenn wir also von einer "1-4-5" - oder I-IV-V "-Akkordfolge sprechen (sehr häufig), wäre dies C-Dur, F-Dur und G-Dur in der Tonart Normalerweise machen wir das "G" zu einem 7. Akkord, um ihm eine gewisse Spannung zu verleihen, damit es wieder zu "C" aufgelöst werden kann.

Auf einer fortgeschritteneren Ebene können wir weitere Noten hinzufügen Diese 3-Noten-Akkord- "Triaden" bilden fortgeschrittenere Akkorde und verwenden auch fortgeschrittenere Akkordfolgen.

Im Jazz bauen Akkordfolgen häufig auf der Idee des "Kreises der Quinten" auf, harmonisierten Akkorden Das ist ein fünftes Intervall voneinander entfernt. Hilfreich? Vielleicht nicht ... Aber es gibt Ihnen Material, nach dem Sie suchen müssen ...

#4
+6
mad_nassos
2011-04-06 05:35:13 UTC
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Alex hat die Theorie großartig analysiert. Sie können verstehen, welche Akkorde Sie meistens in einer Tonart verwenden können.


Aber ich denke, Sie müssen bestimmte Akkorde kennen, die zusammen gut klingen. Unter Verwendung der römischen Zahlen sind dies einige häufige Progressionen:

  • V - I (normalerweise zum Ausruhen)
  • II - V (erhöht die Spannung - Pop, Rock, Jazz)
  • II - V - I (Jazz)
  • I - IV - V (Blues Progression) -> I - IV - I - I - IV - IV - I - I - V. - IV - I - V (12-Takt-Blues)
  • I - VI - II - V (normalerweise bei Oldies)
#5
+5
Haris
2011-04-06 07:27:14 UTC
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Die oben genannten Ansätze funktionieren - aber sie kommen nicht an die Wurzel, wie man auswählt, welche Arten von Akkorden zusammenpassen . Meiner Meinung nach sollten Sie, wenn Sie ein technischer Komponist sein möchten, tatsächlich Musiktheorie lernen. In meiner Antwort werde ich mein Bestes geben, um Ihnen genau die Theorie zu liefern, die Sie benötigen, um zu wissen, welche Akkorde zusammenpassen . Nicht mehr und nicht weniger.

1) Beherrschen Sie die Dur-Tonleiter und die Moll-Tonleiter in C-Dur.

2) Spielen Sie diese 2 Tonleitern bequem in jeder Schlüssel. Eine Skala besteht aus einer Reihe von Intervallen zwischen Noten, beginnend mit einem Grundton. Wenn Sie also so ziemlich dasselbe spielen, müssen Sie nur die Notenfolge auf dem Griffbrett nach oben und unten schieben.

3) Wenn Sie dies noch nicht getan haben, lernen Sie den Unterschied zwischen Dur- und Moll-Akkorden auf der Gitarre. Wiederum ist ein Dur- oder Moll-Akkord nur eine Reihe von Intervallen zwischen Noten, die natürlich zur gleichen Zeit gespielt werden und wobei eine Note der Grundton ist.

4) Bestimmen Sie Ihre Tonart. Wenn Sie eine Akkordfolge schreiben, hat diese einen Fokusakkord. Dies ist der Akkord, zu dem die Progression normalerweise aufgelöst wird. Selbst Nicht-Musiker haben ein intuitives Gefühl dafür, was dieser Akkord ist. Finden Sie heraus, wie der Name dieses Akkords lautet (z. B. d-Moll).

5) Was auch immer dieser Akkord ist, spielen Sie die entsprechende Tonleiter. Zum Beispiel hat eine Progression in G-Dur eine entsprechende G-Dur-Tonleiter. Eine Progression in d-Moll entspricht einer d-Moll-Tonleiter.

6) Hier wird alles klar - Die Noten in dieser Skala sind die Noten, die in Ihre Akkordfolge aufgenommen werden können . Spielen Sie mit der Skala und sehen Sie, welche Akkorde mit diesen Noten erzeugt werden können. Überlegen Sie sich eine Kombination dieser Noten, die zusammen gut klingt, und Sie haben Fortschritte!

Einige der anderen Antworten können Ihnen wirklich gut sagen, welche Akkordsequenzen gut zusammenpassen. Aber dieser Teil kann oft intuitiv sein :). Ich schlage vor, Sie nehmen sich etwas Zeit, um dies zu verstehen, und Sie werden immer genau wissen, welche Akkorde gut zueinander passen.

#6
+2
user3340
2012-12-10 02:30:54 UTC
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Die Antworten hier enthalten viele großartige Dinge, daher möchte ich nur eine kleine, leicht technische Sache hinzufügen: Musik, die nicht primär auf dem Modell der tonalen / funktionalen Harmonie basiert, sollte noch etwas erwähnt werden.

Hier ist wahrscheinlich das berühmteste Beispiel für ein Meisterwerk, das möglicherweise gegen mindestens eine Erwartung verstößt, was Musik tun soll - und dennoch 100 Jahre nach ihrer Premiere im Jahr 1913 das Publikum bewegen kann. Es ist nicht alles Eigentlich radikal, aber es ist sicherlich das berühmteste Stück, um Dissonanzen verwirrend schön zu nutzen.

#7
+1
luser droog
2012-12-10 16:36:02 UTC
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Zusätzlich zu den anderen großartigen Antworten hier sollten Sie sich mit dem klassischen Kontrapunkt befassen. Anstatt die Akkorde selbst zu betrachten, brechen Sie sie auf und untersuchen Sie die einzelnen Stimmen, aus denen der Akkord besteht. Wenn sich der Akkord ändert, können Sie parallele Quinten oder Oktaven (der große Kontrapunkt "Nein-Nein") am einfachsten vermeiden, indem Sie eine Stimme gleich halten und nur zwei der drei Noten ändern. So werden alle Ihre Akkorde durch die geteilten Noten verbunden.

#8
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Michael Martinez
2012-12-12 04:15:13 UTC
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Lerne Harmonie. Beginnen Sie mit diatonischer Harmonie. Sie müssen ein Buch darüber in die Hand nehmen, Antworten in einem Forum wie diesem geben Ihnen nur ein paar Kleinigkeiten und es wird wahrscheinlich keinen Sinn ergeben, wenn Sie nicht von vorne beginnen und von dort aus fortfahren. Schreiben Sie mir offline, wenn Sie ein oder zwei Buchempfehlungen benötigen.



Diese Fragen und Antworten wurden automatisch aus der englischen Sprache übersetzt.Der ursprüngliche Inhalt ist auf stackexchange verfügbar. Wir danken ihm für die cc by-sa 2.0-Lizenz, unter der er vertrieben wird.
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