Frage:
Jazzimprovisation: Was geht Ihnen durch den Kopf?
JazzDreamer
2020-05-28 11:23:02 UTC
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Ich versuche seit fast 20 Jahren, auf Bebop-Standards (auf Gitarre) zu improvisieren, und es fühlt sich immer noch völlig unerreichbar an. Warum fällt es mir so schwer?

Nun, ein typischer Standard hat ungefähr 24 Takte mit ungefähr einem anderen Akkord pro Takt. Für jeden dieser Akkorde müssen Sie eine Tonleiter / einen Modus / ein Arpeggio auswählen, sich eine melodische Idee überlegen und diese in der "Form" ausdrücken, die dieser Tonleiter entspricht. Noch schwieriger ist es, für jeden dieser Akkorde Leittöne auszuwählen und sicherzustellen, dass Ihre Phrase diese Zielnote auf reibungslose Weise genau und pünktlich erreicht. Während all dies geschieht, müssen Sie natürlich rhythmische Ideen, Dynamik, Artikulation usw. auswählen.

Ich habe unzählige Stunden damit verbracht, Skalen und Arpeggios auswendig zu lernen, und ich habe das richtige Arpeggio auf und ab gespielt auf jedem Akkord, und ich versuchte, Zieltöne usw. zu erreichen. Aber es ist alles so mühsam , dass ich immer so klinge, als würde ich eine Übung spielen. Im krassen Gegensatz dazu kann ich, wenn ich eine einzelne pentatonische Tonleiter über eine Blues-Progression spiele, nur eine Melodie in meinem Kopf hören und (ungefähr) auf der Gitarre spielen.

Und so bin ich sehr neugierig: was geht dir durch den Kopf, wenn du über eine Bebop-Melodie improvisierst? Haben Sie es geschafft, Dutzende von Akkord-, Skalen-, Modus- und Arpeggio-Formen so tief zu verankern, dass es völlig mühelos ist, den obigen Prozess zu implementieren? Oder nehmen Sie Abkürzungen?

Alle Gedanken / Kommentare wären sehr dankbar.

Eine Übungsstufe (die ich Stufe 3 genannt habe) besteht darin, zu versuchen, einen Lick zu integrieren, ihn zu erweitern, ihn mit anderen Ideen zu verbinden, ihn zu modifizieren usw. MattL & ggcg haben gute Ratschläge zur Unterstützung dieser Stufe gegeben. Das Transkribieren, Anhören vieler Versionen desselben Songs und das Spielen von Bebop-Köpfen bieten Ihnen ein komplexeres Vokabular und reichhaltige Beispiele dafür, wie Sie melodische Geräte auf interessante Weise miteinander verbinden können. Wenn Sie die Licks auf verschiedene Key Center ausweiten, die Akkordfolgen reduzieren und ein Tagebuch führen, werden Ihre Ideen intuitiver und lassen sich nahtloser in den Rest Ihres Spiels integrieren.
Es gibt viele gute Techniken, mit denen Sie dies lernen können, und Sie können diejenigen finden, die Ihnen am besten gefallen. Wenn Sie jedoch über Ihre Übungsroutinen nachdenken und kategorisieren, wie Sie Ihre Übungszeit verbringen, überlegen Sie, welchen Entwicklungsstand Ihre Praxis unterstützt. Wenn unsere Übung ausschließlich darin besteht, Arpeggios über jeden Akkord oder die umgebenden Akkordtöne usw. zu spielen, üben wir nur Stufe 1 (üben unsere Techniken auf stark geplante und nicht integrierte Weise), und wir werden niemals zu Stufe 4 übergehen (vollständige Integration). Verwenden Sie dieses Objektiv, um Ihre Übungsroutinen zu bewerten und ihre Wirksamkeit zu untersuchen.
Zusätzlich zu den Beispielen, die sie geben, gibt es hier eine weitere großartige Möglichkeit, Ihre Licks zu erweitern und dadurch flexibler in der Art und Weise zu werden, wie Sie sie verwenden können: Sobald Sie einen Lick gefunden haben, den Sie mögen (oder Sie können dies mit einem Lick von einem Bebop-Kopf tun) Fügen Sie zusätzliche Annäherungsnotizen oder Arpeggios oder Gehäuse usw. hinzu. Wenn Sie diese in die Mitte des vorhandenen Licks einfügen, verzögern Sie die Auflösungen, hören das Lick an neuen Stellen der Maßnahme usw. Sie können auch andere Aktionen ausführen Ändern Sie die Rhythmen des Licks, ändern Sie den Beat, mit dem es beginnt usw.
Ich war ungefähr zehn Jahre lang Musiker, aber da ich nie klassisch ausgebildet war und kein Wort verstand, das Sie gerade gesagt haben, hatte ich wahrscheinlich kein Problem damit, zu improvisieren. Abgesehen von dem einen Mal, als ich mir einen Trommelstock ins Auge steckte, ging mir normalerweise durch den Kopf, wie sich die Musik anfühlte.
@Mazura "Außer dem einen Mal, als ich mir einen Trommelstock ins Auge steckte" sind neue Techniken immer willkommen :)
Welche Songs hast du zum Beispiel gespielt? Gibt es keinen Mittelweg zwischen Blues und Bebop? Wie wäre es, wenn Sie eine einfachere melodische Pop-Melodie nehmen und versuchen, sie Schritt für Schritt aufzupeppen? Haben Sie das jemals versucht?
Die Jazzmusiker hier haben also einige großartige Antworten gegeben!
Ich wollte mich nur bei allen für die detaillierten und super hilfreichen Antworten bedanken! Vielen, vielen Dank!
Sie sollten irgendwann eine der Antworten als die "akzeptierte" auswählen, die Ihnen irgendwie den endgültigen Durchbruch gebracht hat. :) :)
2 Wörter: "Schlüsselzentren". Ich identifiziere den lokalen Schlüssel, in dem ich gerade spiele, und entwickle Ideen in diesem Schlüssel. Noch besser, wenn ich nur eine einzige Taste für die gesamte Melodie identifizieren muss.
Acht antworten:
#1
+23
ggcg
2020-05-28 18:02:15 UTC
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"Für jeden dieser Akkorde müssen Sie eine Tonleiter / einen Modus / ein Arpeggio auswählen, sich eine melodische Idee überlegen und diese in der" Form "ausdrücken, die dieser Tonleiter entspricht."

Ich hasse es, schlechte Nachrichten zu überbringen, aber dies war bei keiner Art von Improvisation der Fall. Ich denke, Sie haben ein weit verbreitetes Missverständnis, dass Jazz eine analytische Angelegenheit ist. Eine, bei der Sie eine strenge Theorie verwenden, um Ihre Optionen auf nur eine oder zwei zulässige Aktionen zu reduzieren.

"Noch schwieriger ist es, für jeden dieser Akkorde Leittöne auszuwählen und sicherzustellen, dass Ihre Phrase diese Zielnote auf reibungslose Weise und pünktlich erreicht. Natürlich, während all dies passiert, müssen Sie rhythmische Ideen, Dynamik, Artikulation usw. auswählen. "

Was bedeutet das überhaupt? Warum müssen Sie "reibungslos" eine "Zielnote" "pünktlich" erreichen? Jede Note kann als Erweiterung des Akkords dienen, zu dem Sie sich bewegen. Warum also nicht einfach die Note, auf der Sie landen, diese Note sein lassen?

"Ich habe unzählige Stunden damit verbracht, Skalen und Arpeggios auswendig zu lernen, und ich habe bei jedem Akkord das richtige Arpeggio auf und ab gespielt, und ich habe versucht, Zieltöne usw. zu erreichen. Aber es ist alles so mühsam, dass ich Am Ende klingt es immer so, als würde ich eine Übung spielen. "

Nun, es tut mir wirklich leid, dass Sie Ihre Zeit in 20 Jahren so verbracht haben. Ich würde das auf dich umdrehen und dich folgendes fragen.

Haben Sie unzählige Stunden damit verbracht, zuzuhören, um zu bop?

Haben Sie unzählige Stunden damit verbracht, Ihr Lieblings-Bop-Solo zu transkribieren?

Haben Sie unzählige Stunden damit verbracht, Ihre eigenen Licks zu schreiben?

Dies sind die drei Schlüssel dazu jeden Musikstil verstehen, zuhören, transkribieren und schreiben.

Wenn Sie tatsächlich einige der Transkriptionen großartiger Jazz- und Bop-Spieler durchlesen, stellen Sie möglicherweise fest, dass sie diese angeblichen Regeln, die Sie aufgelistet haben, meistens nicht befolgen. Sie beschreiben einen von mehreren Improvisationsansätzen, die sich auf die Notenbewegung innerhalb einer Progression konzentrieren und die klassische homophone Harmonie mit mehreren Stimmen erfordern. Es ist nicht so, dass die von Ihnen beschriebenen Funktionen NICHT nützlich oder wichtig sind, aber sie werden nicht unbedingt als Formel für die Entwicklung von Ideen verwendet. Aus dem gleichen Grund werden Sie auch feststellen, dass Ihre "Regeln" nicht strikt eingehalten werden, wenn Sie sich die Noten für viele Standards ansehen. Wir verwenden die Musiktheorie als Leitfaden und beschreiben oft bestimmte Dinge, die funktionieren, wenn sie funktionieren, aber das bedeutet nicht, dass wir nur diese Dinge tun und sonst nichts. Wir wenden selten eine solche Vorlage an, um musikalische Ideen von Grund auf neu zu erstellen.

Es gibt eine Möglichkeit, einen Fehler in der Logik zu erkennen. Die Tatsache, dass Sie "Akkorden folgen", bedeutet, dass Sie dem Akkord als Grundlage der Musik als primäres Element Vorrang einräumen. Tatsache ist, dass die Akkordfolge aus klassischer Sicht und wahrscheinlich auch aus historischer Sicht ein sekundäres Element der Musik darstellt. Die Elemente der westlichen Musik sind Rhythmus, Melodie und Harmonie. Akkorde repräsentieren den dritten Teil, eine unterstützende Rolle. Man kann bedeutungsvolle Ideen nur mit Rhythmus und nur mit Rhythmus und Melodie haben. Selten, wenn überhaupt, sehen Sie Harmonie ohne die anderen Elemente. Was ist der Sinn? Was ich meinen Schülern beibringe und was mir beigebracht wurde, ist, dass wir nicht "Akkorden folgen", sondern sie führen. Sie folgen uns (um fair zu sein, ist es eher ein gegenseitiges Verständnis, in dem wir uns wie Bagua Zhang umkreisen, aber Sie müssen die natürlichen Zyklen in der Musik verstehen, um es zu schätzen). In Wirklichkeit gibt es nicht viel zu einer Akkordfolge. Die Akkorde schlängeln sich normalerweise nicht zufällig über den ganzen Ort, sondern folgen einem Muster, und dieses Muster findet sich in der Kreisfolge und im Kreis der Viertel.

I -> IV -> vii - -> iii -> vi -> ii -> V -> I

Von hier aus kann jedes Stück einer Bop- oder Jazz-Melodie abgerufen werden, unabhängig davon, ob es sich um die Hauptprogression oder nur um eine Zykluserweiterung handelt. sogar eine Schlüsselmodulation. Neben diesem Kreis gibt es gängige Akkordsubstitutionen und Konzepte aus der funktionalen Harmonie. Innerhalb der Akkordgruppe {I, IV, V} gibt es eine natürliche Bewegung, die in die Kreisfolge eingebettet ist. Durch Anwendung der Substitute kann man dies wie folgt schreiben:

I -> IV -> V -> I -> I -> IV -> V -> I

Viel einfacher. Und einfacher, Ideen umzusetzen. Tatsache ist, dass man selten für JEDEN Akkord in der Folge Tastentöne benötigt oder sogar anvisieren möchte, sondern für jene Akkorde, die am Ende einer Phrase auftreten und 4 oder 8 Takte lang sein können. So könnte Ihre musikalische Idee mit den Akkorden im Verlauf "in Konflikt geraten", aber am Ende in einer Reihe stehen, und dies würde das Gefühl der Auflösung erzeugen, das Sie wollen. In der Tat ist es ein natürlicherer Ansatz. Wir behandeln nicht jeden Akkord isoliert, sondern Gruppen von Akkorden als eine Einheit von "Veränderung". Man wählt also keinen anderen Modus als das II, das V und das I, sondern behandelt das {ii, V, I} und eine einzelne musikalische Idee und baut eine Phrase auf, um darauf zu spielen. Auch diese Phrase muss nicht für jeden Akkord mit Akkordtönen auf starken Noten übereinstimmen, sondern hat zumindest ein Gefühl der Auflösung, wenn wir zum Ende kommen.

Eine andere Möglichkeit, den Denkfehler zu erkennen, ist dass man für eine bestimmte Melodie Dutzende verschiedener Akkordfolgen haben könnte, die sie unterstützen. Was macht das, was Sie auf dem Papier sehen, so besonders? Es könnte Mist sein! In seltenen Fällen stimmen Bleiblätter mit den Originalwerten überein, und die meisten werden mit nicht benötigten Zykluserweiterungen geladen. Eine andere Sache, die ich meinen Schülern beibringe, ist, (1) ihre eigenen Progressionen für eine Melodie zu schreiben und (2) zu lernen, diese im Real Book auf das Nötigste zu reduzieren, indem Zykluserweiterungen entfernt werden (ich nenne es Zykluskontraktion). Was Ihnen übrig bleibt, ist vielleicht nicht so interessant, aber es funktioniert und es ist einfacher zu folgen. Dann kann der Schüler eine Weile auf leichterem harmonischem Terrain spielen und damit beginnen, einem einfachen Fortschritt Komplexität zu verleihen. Dabei hören Sie die Zykluserweiterungen auf natürliche Weise und neigen dazu, sie auch dann einzuschließen, wenn sie nicht vorhanden sind.

Sobald Sie feststellen, dass die meisten dieser Progressionen alle gleich sind und die Formel funktioniert, lautet die interessantere Frage: "Wie kommt jemand jemals auf eine originelle Solo-Idee?" Auch hier würde ich vorschlagen, dass die Melodie an erster Stelle steht. Einige werden dies kritisieren (und haben es in der Vergangenheit getan), indem sie sagen, dass manchmal Leute zuerst ein Riff entwickeln und dann eine Melodiezeile hinzufügen. Ich versuche nicht, den kreativen Prozess in eine Schublade zu stecken, sondern zu erklären, was aufgrund meiner Erfahrung häufiger der Fall ist. Es stellt sich heraus, dass es in der westlichen Musik eine natürliche "Bewegung" melodischer Ideen gibt und die gemeinsamen Akkordfolgen, wie die I-IV-V und der Kreis, dieselbe gemeinsame Bewegung darstellen. Es sollte also möglich sein, dies zu erfassen.

Hier sind einige Hinweise, um die Barriere zu überwinden, auf die Sie anscheinend gestoßen sind.

  1. Üben Sie die Stimme, die über einfache, sehr einfache Vampire mit zwei Akkorden führt. Versuchen Sie einfach, einige Minuten lang über das I -> V7 -> I zu "gehen". Beginnen Sie mit der Aufnahme einer Note pro Akkord, dann mit zwei und dann mit mehr. Versuchen Sie zunächst, einen Akkordton nur im Takt zu erzwingen, um die begrenzte Anzahl von Optionen in Ihrem Innenohr zu erhalten. Lassen Sie sich dann freier aus dem Akkord herausgehen, aber versuchen Sie immer, sich selbst zurückzubringen. Es gibt eine sehr schöne Reihe von Büchern mit dem Titel Complete Rhythm Changes for Guitar von Frank Vignola, die Sie durch eine Reihe schriftlicher Soli führen. Sie beginnen mit den einfachsten Ideen für 1-2 Noten pro Akkord und bewegen sich dann in komplexere Linien. IMO, es ist besser, dies alleine nach Gehör zu tun.

  2. Lerne Köpfe! Dies ist, was die großen Bop-Meister und Schöpfer getan haben. Folgen Sie nicht nur Akkorden, indem Sie Skalen und Arpeggios darüber legen. Lerne die melodischen Ideen großartiger Songs. Improv ist eine Variation eines Themas und es liegt auf der Hand, dass der beste Ort, um Ideen zu bekommen, das eigentliche Lied selbst ist. Speichern Sie die Köpfe und spielen Sie sie in allen Tasten ab. Sei so spielerisch wie möglich, indem du Teile von Songs mischst und kombinierst. Da sie alle ähnliche Progressionen haben, sind sie austauschbar. Sie werden hören, wie Größen andere Köpfe und Soli in ihren Improvisationen "zitieren". Dies ist Teil der Kultur.

  3. Hören Sie zu, hören Sie zu, hören Sie zu. Wenn Sie mehr Patterns üben, als tatsächlich Bop zu hören, stimmt etwas nicht. Hören Sie Parker und Diz, Pat Martino usw. Hören Sie, was sie tun. Nach einer Weile werden Sie feststellen, dass sie viele der gleichen Licks wiederverwenden, genau wie Blues und Rock. Einige sind alte Klischees, die auf Benny Goodman oder Duke Ellington oder noch früher zurückgehen, und andere sind "komponierte" Licks, die Signaturen des Spielers sind. Der Punkt ist, dass diese Jungs nicht "Akkorden folgen", sondern einen einzigartigen melodischen Fluss erzeugen, der in die natürlichen Zyklen der westlichen Musik passt.

  4. Einer der besten Ratschläge für mich stammt aus einem Buch von Jerry Coker mit dem Titel Pattern for Jazz. Er spricht über das Erstellen von Licks und melodischen Linien ohne Bezug auf eine Progression. Führen Sie ein Tagebuch über diese Licks. Er empfiehlt, jeden Tag ein paar für den Rest Ihres Lebens zu erstellen. Holen Sie sich eine Idee, die Sie wirklich mögen oder für cool halten. Nehmen Sie dann das Grundmuster und schreiben Sie es in anderen Modi, Tonarten usw. neu. Wenn es sich um eine Dur-Tonleiter-Idee handelt, schreiben Sie es in Moll oder melodischem Moll um. Sie können dies mit melodischen Ideen von Köpfen berühmter Melodien tun. Nehmen Sie ein paar Licks aus der Ornithologie und spielen Sie sie in e-Moll anstelle von G-Dur. Schau was passiert! Der letzte Schritt besteht dann darin, Ihre eigenen einzigartigen Ideen zu übernehmen und zu versuchen, sie über Akkordwechsel hinweg anzupassen. Sie passen über einige und nicht über andere. Wenn Sie erforschen, werden Sie es in Ihr Ohr- und Muskelgedächtnis bekommen. Sie können IHRE IDEE auch in eine diatonische Sequenz umwandeln, sodass daraus eine lange melodische Phrase wird, die mehrere Akkorde durchläuft.

  5. Nehmen Sie ein Lied, das Sie wirklich mögen, und schreiben Sie es komplett neu. Erfahren Sie anhand eines Beispiels, wie die Strukturen des Songs aussehen, indem Sie es dekonstruieren und neu erstellen. Dies wird Ihnen viel über Musik, das Zusammenspiel von Melodie und Akkorden beibringen und Improvisationsideen hervorbringen. Das Problem IMO mit dem formelhaften Ansatz zur Akkordskalenanpassung ist, dass es zu reduktionistisch ist, ohne dass der Syntheseteil danach kommt. Wenn Sie eines Sommers das Jazzcamp von Jamey Abersold besuchen, bekommen Sie vielleicht beide Teile. Aber ich vermute, dass Sie, wie viele von uns, ein Buch in die Hand genommen oder eine CD mitgespielt oder eine kurze Meisterklasse besucht haben und das große Ganze nicht gesehen haben. Wenn ich falsch liege, lass es mich wissen. Als Beispiel könnte ich All Of Me vorschlagen. Dies hat ein sehr ausgeprägtes 3-Noten-Thema, das zurückgegangen wird, und man kann leicht Akkord-Subs anwenden, um die C Maj-Progression in A min umzuschreiben (ohne die Noten zu transkribieren). Da C maj harmonisch mit A min kompatibel ist, warum sollte man sich überhaupt die Mühe machen, eine C maj-Linie darüber zu legen? Gehen Sie einfach zu A min. Pat Martino macht das oft, er nennt es "Minorisierung" der Melodie. Sobald Sie dies tun, finden Sie es natürlicher, sich schnell wiederholende kleine Blues-Muster zu verwenden.

  6. Versuchen Sie es weiter und versuchen Sie etwas Neues, wenn etwas nicht funktioniert. Dies ist ein langer Prozess, der frustrierend werden kann. Die Idee ist, sich irgendwann in einem Groove, einem Flow, zu entspannen und die Musik zu reiten. Es kann sich anfühlen, als würden Sie die Akkorde einholen, aber wenn Sie besser verstehen, was die Akkorde tun sollen, müssen Sie sie nicht mehr mit Modi verfolgen und nur melodische Ideen spielen.

  7. ol>

    Geben Sie vor allem nicht auf. Ich würde sagen, wenn Sie nicht mehr Bop auf Ihrem iPod (oder was auch immer) haben als irgendetwas anderes, dann holen Sie sich etwas. Zuhören ist der Schlüssel zum Verständnis jedes Musikstils. Um die Frage im Titel direkt zu beantworten, nichts. Wenn ich alleine bin, geht mir nichts durch den Kopf.

#2
+15
Matt L.
2020-05-28 13:30:19 UTC
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Zunächst ist es wichtig zu erkennen, dass Sie sich ein sehr schwieriges Ziel gesetzt haben. Aber nach dem, was ich in Ihrer Frage gelesen habe, denke ich, dass Sie die Herangehensweise an dieses Ziel verbessern können. Wie Sie wissen, wird Bebop normalerweise in schnellen Tempi gespielt, und die Melodien und Improvisationen neigen dazu, komplex zu sein. Bebop-Standards sind daher normalerweise kein guter Ausgangspunkt, um Jazzimprovisation zu lernen. Obwohl Sie 20 Jahre lang gespielt haben, würde ich mich nicht scheuen, einfache Jazzstandards zu üben, die in langsamen Tempi gespielt werden und relativ einfache Progressionen haben. Verwenden Sie diese, um Ihren Wortschatz, Ihre Intuition auf der Gitarre zu verbessern und - und das wird oft vernachlässigt - Ihre Ohren zu verbessern. Während des Improvisierens haben Sie keine Zeit, an Skalen und Arpeggios zu denken. Stattdessen müssen Sie in der Lage sein, Ihre Ohren die Arbeit für Sie erledigen zu lassen. Dies erfordert natürlich jahrelange Übung und Sie müssen sich mit Skalen, Arpeggios und Akkorden auskennen, aber Sie müssen Ihre Ohren dieses Wissen aktivieren lassen, wenn Sie improvisieren.

Einige Tipps:

  1. Denken Sie nicht in Akkorden pro Takt und den zugehörigen Akkordskalen, sondern in Tonzentren. Selbst die komplexesten Melodien ändern nicht die Tonalität in jedem Takt, und auch die Grundskala ändert sich nicht so schnell. Meistens müssen Sie nur ein oder zwei Noten vorübergehend ändern, bevor Sie zur übergeordneten Skala zurückkehren.

  2. Die Themen der Charlie Parker-Melodien sind eine großartige Quelle für Bebop-Vokabeln. Sie könnten sich das Ziel setzen, einige Wochen lang jede Woche einen Charlie Parker-Song zu lernen (das Thema). Versuchen Sie zu verstehen, wie sich die Noten auf den zugrunde liegenden Verlauf beziehen. Dadurch werden Ihre eigenen Improvisationen sehr schnell verbessert.

  3. Arbeiten Sie an Standard-Progressionen, die in vielen Melodien verwendet werden. Denken Sie an eine Jazz-Blues-Progression (z. B. Billie's Bounce) oder an Rhythmusänderungen. Das in diesen Fortschritten verwendete Material ist in vielen verschiedenen Melodien anwendbar.

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    Und das ist es, was ich für mich und auch mit den Schülern tue, um eine bestimmte Melodie zu lernen:

    1. Hören Sie sich viele Versionen desselben Stücks an. Versuchen Sie, den Verlauf zu hören, singen Sie mit Soli usw. Beginnen Sie in der Mitte des Stücks und stellen Sie sicher, dass Sie wissen, wo Sie sich im Verlauf befinden. Singen Sie die Hauptmelodie (Thema).

    2. Lernen Sie, die Akkorde auswendig zu spielen. Lernen Sie sie nicht, da Sie eine Telefonnummer auswendig lernen würden, sondern lassen Sie sich von Ihren Ohren helfen. Erfahren Sie, wie Sie 2-5-1-Progressionen und alle anderen harmonischen Standardgeräte erkennen, z. B. IV-Moll (in einer Dur-Tonart), IV7 (für diesen bluesigen Sound), sekundäre Dominanten, verminderte Annäherungsakkorde usw. Beachten Sie alle diese Geräte während Sie die Akkorde durchspielen.

    3. Spielen Sie das Thema ab und können Sie es mit den Akkorden verknüpfen. Spielen Sie es auf einer oder zwei Saiten, in einer Position usw. Spielen Sie es in verschiedenen Tonarten und lernen Sie, es intuitiv zu spielen, indem Sie nur darüber nachdenken, wie die nächste Note klingt. Wenn Sie immer in Skalen und Mustern denken, werden Sie nicht genügend Intuition auf der Gitarre aufbauen, um komplexeren musikalischen Situationen begegnen zu können. Es ist hilfreich, ein einfaches Akkord-Melodie-Arrangement zu erstellen, sodass Sie die zur Melodie gehörenden Akkorde buchstäblich sehen und hören müssen.

    4. Compose ein einfaches und musikalisches Solo über die Veränderungen. Konstruieren Sie es nicht mit Ihrem Wissen über Akkordskalen, sondern lassen Sie sich von Ihren Ohren leiten. Lerne es überall am Hals.

    5. Lerne ein Solo eines Künstlers, den du gerne hörst. Transkribieren Sie es selbst und wählen Sie nicht unbedingt einen Gitarristen, sondern ein anderes Instrument. Wenn möglich, spielen Sie es in verschiedenen Oktaven.

    6. Seien Sie kreativ und finden Sie Übungen, die Ihre spezifischen Probleme und Mängel angehen.

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      Das klingt natürlich nach viel Arbeit und ist viel Arbeit. Aber beachte, dass du es besser und schneller machen wirst, nachdem du ein paar Stücke so ausgearbeitet hast, wie ich es gerade beschrieben habe, weil du mit jedem Song, an dem du arbeitest, ein besserer Spieler und Musiker wirst und du wirst Beachten Sie, dass viele der gleichen harmonischen und melodischen Geräte in unterschiedlichen Melodien verwendet werden.

      Jazz spielen, genauer gesagt Bebop, ist eine äußerst komplexe Aufgabe und es dauert viele Jahre, um ein anständiger Spieler zu werden. Aber ich denke, es ist definitiv Ihre Zeit wert.

Gute Antwort. Sie sagen, "es dauert ein Leben, um vielleicht näher zu kommen", aber einige Meister waren bereits sehr zuversichtlich in ihren 20ern oder frühen 30ern.
@mkorman: Ja, sicher, aber ich meinte, dass Sie nie aufhören zu lernen und dass es immer viel Raum für Verbesserungen gibt. Und seien wir ehrlich, diese Meister haben (oder hatten) so viel mehr Talent als die meisten anderen, so dass es für die meisten Menschen viel Zeit braucht.
Vertrauen = Das Gefühl, das Sie haben, kurz bevor alles kaputt geht! Ich habe das auf einem T-Shirt. Das Vertrauen in ein 20-jähriges Kind basiert wahrscheinlich auf anderen Erfahrungen als vorsichtiger Optimismus in einem 40-jährigen oder bequemen Zweifel in einem 60-jährigen. Wenn wir mehr lernen, erkennen wir, dass wir nie alles lernen werden. Aber für andere scheint es, dass wir es gemeistert haben.
Vielen Dank, Matt! Das ist sehr hilfreich.
#3
+10
jdjazz
2020-05-28 18:23:39 UTC
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Ein Freund, der bei Bill Charlap (renommierter Jazzpianist und Lehrer) studierte, sagte mir einmal, dass Bill dies sagte:

Sie denken, während Sie üben, damit Sie nicht nachdenken müssen Sie spielen.

Mit jedem neuen Lick oder jeder neuen Technik ist es das Ziel unserer Praxis, uns durch diesen natürlichen Fortschritt zu bewegen:

  1. Zunächst planen wir Wie und wo soll der Lick oder die Idee während unserer Improvisation verwendet werden?
  2. Langsam beginnen wir, den Lick auf ungeplante Weise zu verwenden, aber er ist sehr erzwungen und lässt sich nicht gut (oder überhaupt nicht) integrieren. mit unseren anderen Ideen.
  3. Wir werden flexibler und beginnen, den Lick auf neue Weise zu verwenden. Wir spielen es in verschiedenen Takten, mit neuen Rhythmen oder beginnend mit verschiedenen Beats. Wir versuchen, es auf neuartige Weise mit anderen Ideen zu verbinden.
  4. Schließlich verwenden wir den Lick, ohne es bewusst zu tun oder ohne es überhaupt zu merken.
  5. ol>

    Wie Sie sehen können Wenn wir nur gerade Arpeggios üben, kommen wir nie über Stufe 1-2 hinaus. Finden Sie stattdessen 10 verschiedene Möglichkeiten, wie Charlie Parker ein Arpeggio modifiziert, um es interessant zu machen - oder 10 Möglichkeiten, wie er ein Arpeggio mit einem anderen melodischen Gerät verbindet. Üben Sie dann diese Techniken.

    Die Art und Weise, wie wir üben, trainiert unser Ohr. Wenn wir nicht üben, neue Ideen und Techniken zu integrieren, werden wir nie das Stadium erreichen, in dem dies nahtlos geschieht. Um die Stufen 3-4 zu unterstützen, ist es wichtig, Bebop-Soli anzuhören und zu transkribieren. Dies wird Ihr Ohr weiterentwickeln und Ihre Arbeit leiten.

"Denken Sie, während Sie üben" - absolut. Jazz-Improvisation kann * improvisiert * erscheinen, ist aber nicht unbedingt so (... tut mir leid ...). Improvisation findet statt, aber nicht unbedingt live auf der Bühne, sondern wenn wir üben. Es gibt natürlich Götter / Esses da draußen, die wirklich großartige Musik unter Konzertbedingungen improvisieren können ... aber ich kann Michael Ondaatjes Coming Through Slaughter als einen hervorragenden Eindruck davon empfehlen, was Jazzmusiker mit den anderen 99% ihrer Zeit machen.
@mrblewog, können wir in diesem Punkt nicht einverstanden sein. Es stimmt zwar, dass wir improvisieren, aber ich denke immer noch, dass es sehr spontan ist und die meisten Jazzmusiker wirklich improvisieren, wenn sie ein Solo machen. Sehr wenige Leute schreiben ihre Soli auf und spielen sie Note für Note. Sobald wir ein bestimmtes Niveau erreicht haben, gibt es keine Trennung mehr zwischen den Ideen, die wir haben, und den Noten, die wir spielen. Es wäre überraschend, * keine * neuen Ideen zu haben, wenn wir auf der Bühne auftreten, besonders wenn man bedenkt, dass wir die Soli unserer Bandkollegen hören und darauf reagieren, auf die Rhythmussektion reagieren, uns mehr auf die Entwicklung einer Idee konzentrieren usw.
Wir sind uns vielleicht weniger einig als Sie denken. Zum Beispiel: "Es wäre überraschend, * nicht * zu haben" - da stimme ich voll und ganz zu. Mein Punkt ist, dass der Denkprozess auch anderswo stattfindet. Und außerdem implizierte nichts, was ich sagte, ausschließlich Solo-Praxis ...
@mrblewog, Vielleicht ist es wertvoll, die * Art * des Denkens zu klären. Eine Analogie zur Sprache ist nützlich: Wenn wir sprechen, denken wir nicht darüber nach, welche Wörter Substantive, Verben usw. sind. Wir sprechen einfach und denken über die Bedeutung dessen nach, was wir sagen. Gleiches gilt für das Improvisieren. Wenn wir Improvisation üben, denken wir an Akkordtöne, Annäherungstöne, Arpeggios usw., damit sie tief verwurzelt werden. Wenn wir dann improvisieren, kann unser Gehirn auf einer höheren Ebene des musikalischen Denkens arbeiten - einer Ebene, auf der wir der Band zuhören, reagieren und unsere Kreativität und Ideen aktivieren, ohne technisch festgefahren zu sein usw.
@mrblewog, Es ist sicherlich möglich zu üben, während man vor Publikum solo spielt, und es ist möglich, während einer Bandprobe wirklich zu improvisieren. Es klingt also so, als wären wir uns einig, dass echte Improvisation (ob alleine oder in einer Band oder auf der Bühne) möglich ist und authentisches Schaffen die Norm bei solchen Improvisationen ist.
Das ist ein tolles Zitat;)
#4
+9
piiperi Reinstate Monica
2020-05-29 02:30:39 UTC
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Andere hier kennen sich mit aktuellem Jazz aus und haben ausführliche Antworten gegeben, aber ich werde eine Perspektive hinzufügen. Ich habe keine Ahnung von Bebop, nur Pop.

Zuallererst, warum direkt in das tiefe Ende springen, Bebop, und mit Songs, bei denen sich die geschriebenen Akkorde, die dir gegeben wurden, schnell ändern? Gehen Sie anders vor: Beginnen Sie mit etwas sehr Einfachem, etwas mit einfachen Akkorden , die sich langsam ändern, und versuchen Sie, das aufzupeppen. Dazu spielen Sie verschiedene Akkorde . Denken Sie daran, welche Note oder Noten Sie auch spielen, fügen Sie der Harmonie (und dem Rhythmus) etwas hinzu. Selbst wenn Sie einzelne Noten über einen Schlagzeugschlag spielen, implizieren Sie etwas über eine Reihe von möglichen harmonischen Änderungen.

Wenn ich an Soli denke, denke ich immer an Akkorde und sie sind meine Akkorde. Was kann ich aus der Harmonie machen, indem ich etwas hinzufüge? Wie viel Platz ist da? Wenn der Hintergrundakkord beispielsweise ein Dm ist, was können Sie daraus machen? Fast alles! Was passiert, wenn Sie einen A-Dur-Akkord darüber spielen? Was wird daraus? Was passiert, wenn Sie ein ... Eb-Dur darüber spielen - wo kippt es die Harmonie? Wie wäre es mit einer Reihe von abwechselnden Dm und C # dim7. (Das ist ein bisschen wie Barry Harris '"sechstes vermindertes" Ding, bei dem man zwischen Tonic und Dominant wechseln kann, ohne wirklich irgendwohin zu gehen.)

Hier ist eine einfache Akkordfolge, Dm - Dm - Gm - A. (wiederholen). Aufzugsmusik in Dm. Ich versuche absichtlich verschiedene Akkorde während des Hintergrundverlaufs zu spielen, um zu zeigen, wie man imaginäre harmonische Veränderungen hinzufügt. Ich spiele nicht ausschließlich die Hintergrundakkorde - ich spiele um herum und neige sie in verschiedene Richtungen. (Keine Ahnung von Bebop-Sachen, aber ich denke, die Akkorde machen es zumindest jazziger.)

Geniale Antwort. Vielen Dank!
So haben es wahrscheinlich Leute wie Bird und Diz erfunden. Denken Sie daran, dass das, was wir Jazz nennen, in den 40ern oder wann immer Pop war. Sie nahmen Popmusik und "komplexierten" sie mit Erweiterungen und anderen Ergänzungen. Das ist Musik, nicht umgekehrt. +1
#5
+4
RestOfTheBothWorlds
2020-05-29 15:46:03 UTC
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Die gesamte Theorie sollte dazu dienen, Ihre "Hörfähigkeiten" zu verbessern. Der Grund, warum Sie Formen skalieren, Modi auswählen, über das Weitergeben von Noten nachdenken usw. ist, dass Sie (noch) nicht hören können, was Sie in Ihrem Kopf spielen werden, bevor Sie es spielen. Sie nähern sich also wie ein Computeralgorithmus und hören die Noten, die Sie spielen, erst, nachdem Sie sie gespielt haben (in der Hoffnung, dass es gut klingt). Das ist rückwärts.

Und Sie haben Erfahrung damit, Sie wissen, wie es sich anfühlt: Sie können bereits mit pentatonischer Skala über einen Blues improvisieren. Sie sagen, Sie können die Noten hören, bevor Sie sie spielen.

Ein versierter Improvisator tut dasselbe, nur dass er über ein fortgeschritteneres "Hören" und fortgeschrittenere Kenntnisse seines Instruments verfügt (Fähigkeit, das zu übertragen, was er hört zu den Noten auf ihrem Instrument). Es ist genau so, wie du den Blues spielst, nur dass die Chops, die für das, was du willst, notwendig sind, um eine Größenordnung schwerer zu bauen sind, aber es ist möglich, wenn du richtig trainierst. Es ist wichtig, aus der Denkweise herauszukommen, dass Sie methodisch sein müssen (Auswahl von Skalen, Mustern usw., um Klang zu erzeugen). Sie sind wichtig für Ihr Training, aber nicht für Ihr Spiel. Während Sie spielen, hören Sie, was Sie in Ihrem Kopf spielen möchten, und spielen es, ohne an die Theorie zu denken.

Können Sie sich vorstellen, eine überzeugende Melodie über die Änderungen zu pfeifen, mit denen Sie improvisieren möchten? Dies ist der Lackmustest. Sie müssen dazu in der Lage sein (dies hängt hauptsächlich mit Ihren Ohr- / Hörfähigkeiten zusammen). Das Summen, Pfeifen, Vorstellen eignet sich nicht zum Nachdenken über theoretische Konstrukte, sondern nur für Ihre intuitiven Destillationen derjenigen zur Klangwelt. Sie können dies wahrscheinlich tun, aber es wird elementar sein. Mit der Zeit können Sie sich komplexere Ausarbeitungen der Änderungen durch Melodien vorstellen, da Sie flexibler "hören" können. Die Geräusche / Noten, die Ihnen nicht intuitiv in den Sinn kommen, werden da sein, weil Ihre Ohren bereits dafür trainiert sind. Dann liegt die nächste Herausforderung zwischen Ihrem Gehör und Ihrem Instrument - das, was Sie hören, mühelos in Ihr Instrument zu übersetzen.

#6
+4
Tom Pimienta
2020-05-29 20:41:56 UTC
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Klingt so, als hätten Sie viel Zeit in die Mechanik (Ausführung von Arpeggio, Tonleiter usw.) und den theoretischen Aspekt (was über einen bestimmten Akkord zu spielen ist) investiert, aber wie viel Zeit haben Sie damit verbracht, Ihre Ohren zu trainieren? Wenn ich in Improvisation versunken bin, höre ich in meinem Kopf die Melodie, die ich spielen sollte. Das hat mich jahrzehntelang beschäftigt. Das Gehörtraining (Intervalle, Akkorde, Progressionen) sehr ernst zu nehmen, war der Schlüssel, damit die Stücke zusammenpassen (Mechanik, Theorie, Auswendiglernen von Melodien). Vorher habe ich versucht, Musik zu spielen, die ich nicht hören konnte. Kann nicht gut, nicht überzeugend gemacht werden (klingt wie eine Übung erfunden).

Hal Galper spricht darüber: "Hal Galpers Meisterklasse - Die Illusion eines Instruments".

#7
+3
Albrecht Hügli
2020-05-29 18:26:17 UTC
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Zuerst möchte ich einige kritische analytische Gedanken und Bemerkungen zu Licks und Tricks sagen und was ich beim Hören von Amateur-Improvisatoren beobachtet habe:

  • wenn Sie einige gute Licks haben und in der Lage sind Um sie in eine beliebige Tonart zu transponieren, passen sie möglicherweise in 50% jeder Situation.
  • Spielen Sie sehr schnell, so schnell, dass die Hörer keine Chance haben, zu analysieren, was Sie gespielt haben. Wenn die letzte Note passt, geht alles.
  • Wenn Sie feststellen, dass ein großer Fehler aufgetreten ist, wiederholen Sie ihn einfach, spielen Sie ihn zweimal oder öfter, damit jeder denkt, dass er so gewesen sein muss, und sehen Sie stolz und selbstbewusst aus. Geben Sie keinen Zeichen, dass Sie sich geirrt haben.

Ich kann keinen grundlegenden Unterschied zwischen Improvisation und klassischen Variationen oder Verzierungen der Barockmusik erkennen. So können Sie mit Änderungsnoten, Passing-Tönen, Akkordtönen und Skalen spielen und improvisieren. Natürlich gibt es im Jazz erweiterte Akkorde, blaue Noten und chromatische Ansätze, die Tritonussubstitution ... und besonders im Be-Bop: den Rhythmus!

Ich stimme fast allem zu, was in anderen gesagt wurde Antworten vor allem: Beginnen Sie mit einfachen Melodien.

Hier meine persönlichen Ratschläge, um Ihr Repertoire an Ideen für das Improvisieren zu entwickeln und aufzubauen.

Sehr wichtig: Spielen Sie nicht auf dem Instrument, sondern summen oder singen Sie Ihre Variationen. Sie können dies in sehr langsamer Geschwindigkeit tun:

  1. Nehmen Sie eine einfache Melodie, ein Kinderlied , Blues oder Spiritual
  2. machen es jazzig, indem Sie die Melodienoten mit einem Swing verdoppeln (Drillinge usw.)
  3. Änderungsnoten hinzufügen und Töne weitergeben, Triaden
  4. mischen Die Elemente, die Sie bisher zu einem abwechslungsreichen Song entwickelt haben, notieren alle gefundenen Elemente.
  5. Verwenden Sie mehr Vorzeichen, chromatische Ansätze und schreiben Sie ein Akkord-Lead-Sheet (das Sie später um farbigere Harmonien erweitern können.
  6. Bevor Sie die Akkorde variieren, versuchen Sie, den Rhythmus in verschiedenen Stilen zu variieren - nicht nur im Bebop.
  7. Beachten Sie, dass die improvisierte Variation der Akkorde schwierig und begrenzt ist, wenn Sie mit anderen spielen. Einige Vereinbarungen und Planungen (Lead Sheet) sind bequem.

    Kenntnisse über Skalen, Modi, Arpeggios und Transposition in allen Tonarten müssen auf Ihrem Instrument geübt werden: Es gibt eine spezielle, wichtige Skala, die Sie kennen müssen und Übung: Die Skalen für die Dim.7-Akkorde: whwhwhwh ... und für V7 # 5 können Sie auch die gesamte Tonskala verwenden: wwwwww

    Auf diese Weise entwickeln Sie Ihren eigenen, persönlichen und individuellen Stil der Improvisation.

    Und dieser Weg wird sein: singen, hören, schreiben, spielen, übertragen, improvisieren.

    Übrigens. : das ist es, was ich mit jedem Stück in meinem Kopf mache (wie ein kleines Vorspiel von Bach, eine Sonate oder ein Konzert von Beethoven oder Mozart oder irgendein Popsong, das ich im Radio gehört habe: es wird ein Ohrwurm, der sich in meinem dreht Gehirn und variiert als Boogie, Bop, Waltz oder March.

#8
+1
Asgeir Nesøen
2020-07-19 13:27:03 UTC
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Ich war dort, wo du bist. Vor vielen Jahren. Die mentale Herausforderung war einer der Gründe, warum ich anfangen wollte, Jazz zu spielen.

Und der einzige Rat, den ich Ihnen geben würde, ist: "Soli transkribieren". Wenn Sie das tun, werden Sie sehr effektive Möglichkeiten sehen, mit Akkorden umzugehen, und Sie werden auch die Phrasen "Ihre eigenen" machen, weil Sie sie gehört, transkribiert, verstanden und wiederholt haben sie!

Eines der coolen Dinge beim Transkribieren ist die Tatsache, dass Sie mit den Soli Ihrer Lieblingsmusiker beginnen können! Sie können direkt hineinkommen und die Sounds reproduzieren, die Ihnen am besten gefallen!

Kopieren ist der Weg, um jeden Beruf zu erlernen, wohlgemerkt. Schließlich stellen Sie alles, woran Sie gearbeitet haben, auf Ihre eigene, persönliche Weise zusammen.



Diese Fragen und Antworten wurden automatisch aus der englischen Sprache übersetzt.Der ursprüngliche Inhalt ist auf stackexchange verfügbar. Wir danken ihm für die cc by-sa 4.0-Lizenz, unter der er vertrieben wird.
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