In der überwiegenden Mehrheit der klassischen Musik hat der Spieler die Aufgabe, genau die Noten zu spielen, die der Komponist geschrieben hat. Für den Spieler ist es nicht sehr wichtig, die Theorie hinter dem Stück zu verstehen, und eine große Anzahl klassischer Spieler kennt wenig bis gar keine Theorie (zumindest bis sie den Wintergarten erreichen, wenn sie diesen Weg gehen) und leiden nicht darunter / p>

Betrachten wir die bekannte Mozart-Klaviersonate in C:

Und betrachten wir das Hinzufügen von Akkordsymbolen:

Ehrlich gesagt fügen diese Akkordsymbole nichts hinzu. Was ist, wenn ich weiß, dass die erste Maßnahme C ist? Ich muss noch die Noten spielen, die Mozart geschrieben hat. Das einzige, was sie tun, ist mich abzulenken.

Haftungsausschluss: Ich verzichte auf eine Reihe von Absicherungen in Bezug auf das, worauf ich mich beziehe, wenn ich unten "klassische Musik" sage. denke Bach oder Brahms

Es hört sich so an, als ob Sie aus einem Pop / Rock-Hintergrund stammen und beispielsweise mit Gitarren-Tabs vertraut sind, um die Struktur eines Songs zu notieren. Andere Antworten haben darauf hingewiesen, dass:

• in der klassischen Musik die Notation fast immer (von Bach bis heute) sehr präzise ist und das Beschriften von Akkorden überflüssig wäre; Der Interpret spielt nur die Noten auf der Seite (hoffentlich kunstvoll).
• Die meisten Musikstücke im klassischen Repertoire können mit einer (manchmal einfachen, manchmal sehr komplexen oder mehrdeutigen) Akkordstruktur versehen werden. Wir würden diese harmonische Analyse nennen, und es kann selbst ein kreativer Prozess sein (etwas, das Sie ausgiebig studieren würden, wenn Sie Musik am College studieren würden).
• dachte, Bass sei ein Übung zum Notieren von halbimprovisierten Parts und ähnelt Gitarren-Tabs im Geiste

Harmony und Harmonic Analysis ist ein wirklich großes Thema, aber es gibt ein paar Dinge, die wir tun kann über populäre Musik, Harmonie und Notation sagen, die hilfreich sein könnten:

Erstens das Verständnis, was ein Akkord wirklich ist und was er tut ist wirklich ziemlich unterschiedlich zwischen populärer Musik und klassischer Musik (denken Sie an Brahms, sagen wir). Einiges davon ist ein wenig tangential zu Ihrer Frage:

• In klassischen Musikakkorden wird eine Folge von gestapelten Terzen verstanden, beginnend mit einer Note der Tonleiter in der Tonart, in der wir leben (oder einer benachbarten Tonart, wobei ein sekundär dominanter Akkord einfach ist Beispiel). Die Art und Weise, wie die Noten des Akkords über Instrumente oder Oktaven verteilt sind (wie der Akkord stimmhaft ist), ist normalerweise ein zweitrangiges Anliegen und hat keinen grundlegenden Einfluss darauf, wie wir verstehen, was harmonisch geschieht. em> in einem Musikstück. (Das ist nicht ganz richtig: Wir neigen dazu, die Inversion von Akkorden zu bezeichnen, das ist die Note, die im Bass enthalten ist. Die Implikation hier ist, dass ja, oft ist die Grundnote des Akkords die niedrigste note)
• im Zusammenhang damit ist klassische Musik durch funktionale Harmonie gekennzeichnet, dh verschiedene Akkorde möchten unbedingt zu anderen bestimmten Akkordtypen übergehen (zu denen eine IV "will") ein V-Akkord, der sich zum I auflösen will, etc). Diese Art von Anziehungskraft untermauert das Drama und die emotionale Anziehungskraft der meisten klassischen Musik, und Komponisten verlassen sich darauf, dass der Hörer diese Art von Musiksprache verinnerlicht hat,
• im Gegensatz dazu ist populäre Musik tendenziell viel lockerer / em> über das Verhalten von Akkorden; z.B. Sowohl V - IV - I als auch IV - V - I sind allgegenwärtige Fortschritte in der Popmusik, aber das erstere würde in einem klassischen Stück einfach keinen Sinn ergeben: Es wäre, als ob die Luft nur irgendwie aus einem Ballon austritt / li>
• In ähnlicher Weise tendiert Popmusik dazu, eine zyklische Akkordfolge zu verwenden, die sich etwa alle 4 Takte wiederholt. Im Allgemeinen kann dieser Fortschritt fast alles sein. Im Gegensatz dazu ist die Struktur der Akkorde in einem klassischen Stück tendenziell länger und unregelmäßiger, da der Komponist den Hörer vom Tonikum weg und wieder zurück führt und mit seinen Erwartungen spielt, die auf seiner Vertrautheit mit der Sprache der funktionalen Harmonie beruhen
• Gitarristen denken an Akkorde idiomatisch , dh auf eine Weise, die eng mit der Mechanik des Instruments selbst verbunden ist: z. Das Stimmen ist von erstklassiger Bedeutung. Neue "Akkorde" entstehen, wenn offene Saiten klingeln müssen, und es erzeugt einen schönen Effekt usw.

Zurück zu Ihrer Frage: dem Weg Dass Pop / Rock-Gitarristen Akkorde beschriften, unterscheidet sich in einigen wichtigen Punkten von der Art und Weise, wie ich Akkorde schreiben würde, wenn ich ein Stück von Brahms analysiere (sagen wir):

Gitarristen (und auch Jazzmusiker, wo ich viel denke dieser Sprache kommt von) geben Sie "Akkorde", die wir in der klassischen Musik nicht als Akkorde betrachten. z.B. "sus" Akkorde wie ein "C sus4" oder was auch immer; In der klassischen harmonischen Analyse betrachten wir dies nicht als Akkord. Wir würden es einen "C-Dur-Akkord" nennen und dann über eine Suspension sprechen, dh einen Nicht-Akkord-Ton .

In der klassischen Musik neigen diese suspendierten Noten dazu, aufgelöst zu werden ; Sie erzeugen Spannung , indem sie für einen Moment fehl am Platz sind. Die Implikation ist, dass der Hörer einen C-Dur-Akkord hört und hört, dass es eine Dissonanz gibt. Im Gegensatz dazu müssen diese Akkorde in der Popmusik nicht vergehen oder aufgelöst werden, sondern können einfach da sitzen und eine interessante Farbe, einen interessanten Effekt haben oder auf interessante Weise mit der Gesangslinie spielen.

In der klassischen Musik gibt es viel Sprache für verschiedene Arten von Nicht-Akkord-Tönen , z Passing Töne, Appoggiaturen usw. Wenn Sie Bachs 4-stimmige Chöre analysieren, können Sie all diese sehen. Er wird sogar Redewendungen verwenden, die eine Kaskade von Suspensionen beinhalten, die auf komplexe Weise durch viele Akkorde verlaufen und bei denen Sie zu keinem Zeitpunkt ein vertikales Segment nehmen und einen reinen "unverfälschten" Akkord finden können.

Der Punkt, den ich hervorheben möchte, ist, dass es bei einer harmonischen Analyse eines klassischen Musikstücks (so würden wir es mit Akkorden bezeichnen) oft um die Spannung zwischen dem geht, was wir erwarten als Zuhörer zu hören und welche Noten gehört werden, und im Allgemeinen zu ignorieren, wie der Akkord gesprochen wird, oder einige Noten wegzulassen, die klingen. Manchmal gibt es mehrere gültige Interpretationen.

Es tut mir leid, dass dies lange dauert. Verwandte wichtige Konzepte, die höher liegen sollten: Gegenpunkt , die Art und Weise, wie mehrere Melodielinien interagieren, um eine harmonische Struktur vorzuschlagen, dh Akkorde zu bilden und spielerische Dinge innerhalb dieser Akkordstruktur zu tun (Nicht-Akkord-Töne oben). Dies ist, was Sie in Bachs Chören destilliert sehen.

Andere Epochen und Arten von Stücken sind viel weniger kontrapunktisch, z. Ein einfaches Mozart-Klavierstück oder eine Schubert-Liedbegleitung haben möglicherweise eine linke Hand, die die Akkordstruktur des Stücks stark umreißt und Arpeggios oder das I und V des Akkords spielt. Es hört sich so an, als ob Sie mit dieser Art des Schreibens am besten vertraut sind (und das ist in der Popmusik üblich).

Drehen Sie dies um und fragen Sie: "Warum sind Akkordnamen und nicht die Notationen der Noten in den Akkorden, die so häufig für geschriebene Popmusik und Jazz verwendet werden, aber nicht für klassische Musik?"

Ein typischer Amateur am Lagerfeuer-Gitarristen liest beispielsweise keine Musik, aber wenn Sie diese Person bitten, einen "C-Akkord" zu spielen, weiß sie, wo sie ihre Finger hinlegen muss. Akkordnamen sind die präziseste Art, die erforderlichen Mindestinformationen zu kommunizieren.

Der professionelle Jazzmusiker, der möglicherweise ein gefälschtes Buch verwendet, kennt viele verschiedene Möglichkeiten, um einen der durch den Kabelnamen angegebenen Akkorde zu spielen, und wie man dieses Wissen verwendet, um auf dieser harmonischen Struktur zu improvisieren. Für diese Person sind die gegebenen Akkorde ein Vorschlag, nicht etwas, das in Stein gemeißelt ist.

Klassische Musik ist / war an eine Population von Musikern gerichtet, die in der Lage sind, Noten fließend zu lesen. Es wird auch allgemein mit der Idee geschrieben, dass die genauen melodischen Linien, Harmonien und Instrumente, die der Komponist sich vorgestellt hat, verwendet werden. Es ist nicht zu 100% "in Stein gemeißelt", da alle Musik interpretiert wird, aber der Komponist hatte ein sehr detailliertes Konzept und benötigt ein detaillierteres Kommunikationsmittel.

Akkorde wurden offensichtlich verwendet; man muss nur schauen und hören, um das zu sehen und zu hören.

Aber zusätzlich zu Matts großartiger Antwort ist ein weiterer Grund, dass eine solche Akkordbezeichnung nicht immer in die Musik der Vergangenheit passt. Es gibt Auszüge aus Bachs polyphoner Musik, die einer solchen reduktiven Analyse überhaupt nicht förderlich sind.

Darüber hinaus basiert heutzutage viel populäre Musik auf Akkorden, was bedeutet, dass sie dieser Art der Kennzeichnung viel förderlicher ist .

(Wenn heute populäre Musik geschrieben wird, die so polyphon ist wie die von Bach, wäre ich gespannt, wie sie sie notiert haben.)

Die Art und Weise, Akkorde und Inversionen im Barock zu notieren, war wie ein figurierter Bass. Da sich diese Notation auf die Basslinie bezieht und sich der harmonische Inhalt und die Inversionen tendenziell schneller ändern als die heutigen Akkordwechsel und insbesondere in Bezug auf die beabsichtigte Inversion notiert sind, war die Interpretation der halbimprovisierten Begleitung besser für das Keyboard geeignet Instrumente statt Gitarren, das heutige Hauptziel der Akkordnotation.

Der Bass ging bei Bach mehr oder weniger unter, da er dazu neigte, alles explizit zu formulieren, anstatt sich auf die Improvisationsfähigkeiten der Keyboarder zu verlassen.

Sie haben bereits einige großartige Antworten erhalten, aber ich wollte genauer darauf hinweisen, dass nur das Betrachten von Akkorden die Aufführung von Stücken nicht ausreichend beschreiben kann.

Angenommen, "klassische" Musik bezieht sich auf alle Musik Sowohl in der Praxis als auch im 20. Jahrhundert reichen Akkorde nicht aus, um Musik vollständig zu beschreiben. Man kann viele Beispiele dafür im 20. Jahrhundert finden. Ein gutes Beispiel dafür ist Ligetis Nouvelles Aventures .