Frage:
Warum werden Akkordnamen nicht in klassischen Noten geschrieben?
user34288
2018-08-20 21:16:40 UTC
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Wenn ich klassische Noten sehe, sehe ich die genannten Akkorde nicht. Wurden damals keine Akkorde verwendet? Und wenn ja, umreißen die Noten, die sich unter einem Bassschlüssel befinden, im Allgemeinen die Formen von Akkorden?

Ich sehe Akkorde nur, wenn ich ein klassisches Lied auf YouTube nachschlage und "harmonische Analyse" dazu tippe Zum Beispiel Harmonische Analyse: Beethoven-Mondscheinsonate

Siehe figurierter Bass https://en.wikipedia.org/wiki/Figured_bass
Natürlich wurden * Akkorde * verwendet, aber im Barock wurden "Akkordnamen" im modernen Sinne nicht verwendet, weil sie noch nicht erfunden worden waren! In der klassischen Ära wurden Akkorde auf viele Arten verwendet, die durch moderne Akkordsymbole nicht einfach dargestellt werden können. Komponisten haben gerade alle Noten geschrieben, die gespielt werden sollten - zu einfach, oder ???
Zu dieser Zeit schrieben Komponisten genau das, was sie spielen wollten, und Künstler spielten genau das. Gitarrenbegleitung (wofür meistens die Akkorde gedacht sind) war nicht alltäglich.
@foreyez Nun, Sie würden kein Video finden, das die Akkorde eines Stücks zeigt, das nicht in Bezug auf Akkorde analysiert werden kann, oder? - Im Ernst, Klavier-Solomusik ist in der Regel einfacher zu analysieren, da Akkorde bequem auf Klavier zu spielen sind, sodass insbesondere die beliebten Favoriten oft recht einfach sind. Gut arrangierte Orchestermusik, aber auch schwierigere Tastenmusik, insbesondere von Bach, hat eine viel individuellere Stimmbewegung. Es ist normalerweise immer noch möglich, es mit römischen Ziffern zu analysieren, aber erwarten Sie nicht, dass Sie die Stücke durch einfaches Spielen dieser Akkorde approximieren können.
Hat das auch etwas mit dem Konzept von Arrangements und Improvisation in der modernen Musik zu tun? Seit jetzt mit YouTube usw. kann ein Anfänger, Fortgeschrittener oder jeder, der ein Instrument lernt oder mit ihm vertraut ist, durch einfaches Notieren von Akkorden den Kern eines Songs erhalten und spielen, ohne die Noten selbst im Detail kennen zu müssen? Nicht zu sagen, dass das per se schlecht ist, da dies, wie ich bereits erwähnte, bei alternativen, manchmal spontanen Arrangements und Re-Arrangements hilft und unabhängig vom Instrument einen weiten Spielraum für Improvisation bietet?
Ich bin schockiert, dass dies so viele Stimmen bekommen hat. Wie würden Sie erwarten, dass ein Akkord in der Partitur "benannt" wird, da vielleicht mit Ausnahme der Klavier-Solomusik die Akkorde über die Instrumente reichen?
Sie sind als Stapel von Notizen geschrieben.
@CarlWitthoft Ich denke, es ist eine vernünftige Frage für einen Anfänger, der möglicherweise nur einfache Darstellungen von Musikpartituren gesehen hat.
Ich hoffe, es macht Ihnen nichts aus, dass ich den Titel klar gemacht habe, worüber Sie tatsächlich fragen. Wenn Sie drei oder mehr Notenköpfe auf eine oder mehrere Notenzeilen schreiben, schreiben Sie einen Akkord, und das geschieht sehr oft in der klassischen Musik. Wenn Sie etwas wie "Em / G" über dem Stab schreiben, schreiben Sie einen Akkordnamen, nach dem Sie fragen. Ich verstehe, ob Sie meine Bearbeitung zurücksetzen möchten, aber ich denke, es verdeutlicht den Titel.
Sieben antworten:
#1
+33
MattPutnam
2018-08-20 22:37:27 UTC
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In der überwiegenden Mehrheit der klassischen Musik hat der Spieler die Aufgabe, genau die Noten zu spielen, die der Komponist geschrieben hat. Für den Spieler ist es nicht sehr wichtig, die Theorie hinter dem Stück zu verstehen, und eine große Anzahl klassischer Spieler kennt wenig bis gar keine Theorie (zumindest bis sie den Wintergarten erreichen, wenn sie diesen Weg gehen) und leiden nicht darunter / p>

Betrachten wir die bekannte Mozart-Klaviersonate in C:

Mozart K.545 first 4 measures

Und betrachten wir das Hinzufügen von Akkordsymbolen:

enter image description here

Ehrlich gesagt fügen diese Akkordsymbole nichts hinzu. Was ist, wenn ich weiß, dass die erste Maßnahme C ist? Ich muss noch die Noten spielen, die Mozart geschrieben hat. Das einzige, was sie tun, ist mich abzulenken.

Würden Sie sagen, dass der Großteil der klassischen Musik wie oben mit Akkorden notiert werden könnte? oder gibt es Situationen, in denen Akkorde einfach "unbekannt" sind?
Sicher, die meiste klassische Musik besteht aus ziemlich gewöhnlichen Akkorden. Es gibt viele Beispiele für seltsame Akkorde, die nicht eindeutig sind (siehe: Tristan-Akkord), aber diese gibt es auch in der Popmusik (siehe: Pferd ohne Namen). Und dann gibt es atonale Musik.
Eigentlich würden mir die Akkorde helfen, die linke Hand schnell genug zu entziffern, um hier zu spielen - aber ich bin ein Amateur mit schrecklichem Sehvermögen. Ich bin es jedoch gewohnt, von Lead Sheets zu spielen und zu wissen, mit welchem ​​Akkord ich herausfinden kann, welche Inversion der Höhe der Noten entspricht, ohne die vertikale Position der einzelnen Noten einzeln zu zählen.
@HenningMakholm ist das wirklich nur, wenn Sie nicht genug Übung im Lesen von Bildern haben. Klassische Musiker haben einen "Nur-Punkte-Lesemodus", in dem Sie überhaupt nicht darüber nachdenken, welche Noten Sie spielen. Sie sehen nur die Punkte und Ihre Finger sind bereits da. Komplexere Dinge sind auf andere Weise kaum zu lesen. Ich habe gelegentlich versucht, schwierige Cellostimmen klarer zu machen, indem ich Akkorde darüber geschrieben habe (da ich auch viel in Bands spiele und normalerweise nur Lead-Sheets verwende). Aber für klassische Musik hilft es nicht, ich habe mir immer mehr die Punkte angesehen.
Und denken Sie nur daran, wie viel Energie es verschwenden würde, Akkord-Symbole für jeden Interpreten eines großen Orchesters bereitzustellen ... von Hand!
@leftaroundabout ist vielleicht nur eine Eigenart, wie wir gelernt haben, aber mein Klavierlehrer hat mir immer beigebracht, zuerst die Akkorde zu erkennen, und ich mache es immer noch, wenn ich etwas lese, obwohl ich nicht mehr so ​​viel spiele.
"Was ist, wenn ich weiß, dass der erste Takt C ist? Ich muss immer noch die Noten spielen, die Mozart geschrieben hat." Warum? Wenn Sie den Akkord kennen, können Sie das Muster der linken Hand auf viele verschiedene Arten spielen. Ich habe auf Youtube Leute gesehen, die über klassische Musik improvisiert haben. Zum Beispiel die Akkordfolge von Canon in D. Wenn Sie wüssten, dass die Folge I V vi iii IV I IV V ist, wäre es viel einfacher, die Tasten zu improvisieren und zu modulieren, als wenn Sie nur die Noten kennen.
@foreyez Was er sagte, ist, dass man in der klassischen Musik, wie sie ursprünglich geschrieben wurde, sie so spielen soll, wie sie geschrieben ist. Sie sprechen von Neuanordnung und Improvisation, für die Akkorde hilfreich sein können. Aber für das ABRSM (Klavier) -Musik-Training, wie oben auf den Postern angegeben, heißt es "Punkte lesen, Punkte üben, Punkte spielen". Dies ist natürlich eine Vereinfachung, da es für klassisches Klavier andere Dinge gibt, die Sie beim Spielen tun können (Phrasierung? Kraft?), Aber Sie sind AFAIK, Sie müssen die Noten genau so "schlagen", wie sie geschrieben sind. So rollt klassische Musik :)
"Ich muss noch die Noten spielen, die Mozart geschrieben hat." Das ist es, was Menschen aus dem 21. Jahrhundert über klassische Musik glauben und nicht genau zu der Zeit, als sie geschrieben wurde. Noch zu Mozarts Zeiten und lange danach waren Improvisation und Verschönerung üblich.
@Turion: Die Aufführungspraxis war sehr unterschiedlich. In der Barockzeit war eine Menge improvisierter Verzierungen sicherlich Standard (und die Notation von figuriertem Bass usw. spiegelt dies wider), aber zu Mozarts Zeiten wurde viel weniger Verzierung erwartet, und zwar nur auf bestimmte Weise und in bestimmten Teilen eines Stücks.
@foreyez Für klassische Musik erzwingt das Notensystem die Regel, dass Improvisation verboten ist, bis der Schüler die Technik vollständig beherrscht (im Wesentlichen Note 7). Bis zu diesem Zeitpunkt wird jede Abweichung von den gedruckten Notizen bestraft. Improvisation ist Teil der 8. Klasse, aber die meisten Spieler erreichen diesen Punkt unter dem klassischen System nie, so dass die meisten klassisch ausgebildeten Amateure nicht improvisieren können. und diejenigen, die dies tun, sind so weit fortgeschritten, dass sie keine Akkordsymbole benötigen. Die neu etablierten Noten für Jazz und Rock fördern die Improvisation, die klassische Welt jedoch einfach nicht.
@PLL: Während Improvisation im 18. Jahrhundert natürlich weniger verbreitet war, würde ich sagen, wie viel weniger dies ist, ist eine Frage der wissenschaftlichen Debatte. Es scheint, dass das Improvisieren zu Eröffnungsthemen von Konzerten zu Mozarts Zeiten ziemlich verbreitet war; Die Sparsamkeit des langsamen Satzthemas in seinem d-Moll-Konzert bittet praktisch darum. Beethovens berühmtes Sprichwort, dass eine Kadenz in seinem Kaiserkonzert wie geschrieben gespielt werden sollte, legt nahe, dass die Praxis des Improvisierens von Kadenzen zumindest im 19. Jahrhundert vorherrschte.
FWIW, ich habe eine Kopie des c-Moll-Vorspiels von Rachmaninoff mit Akkordnamen kommentiert, um mein Spiel zu erleichtern. So etwas ist nicht unbedingt völlig nutzlos, aber es ist kein notwendiger Teil der Beschreibung der Musik. Vergleichen Sie die Fingernotationen, die Editoren manchmal zu klassischen Noten hinzufügen.
@Graham hingegen, mit Pachelbels Kanon, sind alle Akkorde entweder improvisiert oder redaktionell. Abgesehen von der Bassnote gibt es keine gedruckten Noten für Keyboard (oder Laute, Gitarre usw.).
@foreyez Pachelbel hat die Akkorde für den Kanon nicht geschrieben. Die älteste erhaltene Quelle ist ein Manuskript, in dem die Begleitung durch neun Viertelnoten dargestellt wird: D3, A2, B2, F # 2, G2, D2, G2, A2, D3, die implizit wiederholt werden. Der Performer, der Akkorde für diesen Part nach den Prinzipien der figurierten Basis improvisiert (verbunden mit einem Kommentar zu Ihrer Frage), müsste genau zuhören (oder vielleicht aus einer Partitur lesen), um die geringfügigen Abweichungen in den Akkorden zu erkennen, die von den Melodieteilen vorgegeben werden . Zu wissen, welcher Akkord verwendet werden sollte, war eine erwartete Fähigkeit, sodass Sie sie nicht schreiben müssen.
Ack, dachte * Bass. * Ich brauche eine neue Brille! Wie passend, dass das Ziel dieses Kommentars @foreyez war. Ich werde die durch diese Korrektur gebotene Gelegenheit nutzen, um hinzuzufügen, dass zu Pachelbels Zeiten die verfügbaren Optionen zur Harmonisierung dieser Basslinie eher begrenzt waren als heute. Ein modernes Lead Sheet, das * Melodie * plus Akkorde anstelle von * Basslinie * plus Akkorde enthält, bedeutet, dass heute noch mehr Raum für die Auswahl verschiedener Harmonisierungen besteht, weshalb Komponisten expliziter sind. (Viele "figurierte" Bassparts wurden nicht konfiguriert, da die implizierten Akkorde "offensichtlich" waren.)
#2
+20
jberryman
2018-08-21 03:12:51 UTC
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Haftungsausschluss: Ich verzichte auf eine Reihe von Absicherungen in Bezug auf das, worauf ich mich beziehe, wenn ich unten "klassische Musik" sage. denke Bach oder Brahms

Es hört sich so an, als ob Sie aus einem Pop / Rock-Hintergrund stammen und beispielsweise mit Gitarren-Tabs vertraut sind, um die Struktur eines Songs zu notieren. Andere Antworten haben darauf hingewiesen, dass:

  • in der klassischen Musik die Notation fast immer (von Bach bis heute) sehr präzise ist und das Beschriften von Akkorden überflüssig wäre; Der Interpret spielt nur die Noten auf der Seite (hoffentlich kunstvoll).
  • Die meisten Musikstücke im klassischen Repertoire können mit einer (manchmal einfachen, manchmal sehr komplexen oder mehrdeutigen) Akkordstruktur versehen werden. Wir würden diese harmonische Analyse nennen, und es kann selbst ein kreativer Prozess sein (etwas, das Sie ausgiebig studieren würden, wenn Sie Musik am College studieren würden).
  • dachte, Bass sei ein Übung zum Notieren von halbimprovisierten Parts und ähnelt Gitarren-Tabs im Geiste

Harmony und Harmonic Analysis ist ein wirklich großes Thema, aber es gibt ein paar Dinge, die wir tun kann über populäre Musik, Harmonie und Notation sagen, die hilfreich sein könnten:

Erstens das Verständnis, was ein Akkord wirklich ist und was er tut ist wirklich ziemlich unterschiedlich zwischen populärer Musik und klassischer Musik (denken Sie an Brahms, sagen wir). Einiges davon ist ein wenig tangential zu Ihrer Frage:

  • In klassischen Musikakkorden wird eine Folge von gestapelten Terzen verstanden, beginnend mit einer Note der Tonleiter in der Tonart, in der wir leben (oder einer benachbarten Tonart, wobei ein sekundär dominanter Akkord einfach ist Beispiel). Die Art und Weise, wie die Noten des Akkords über Instrumente oder Oktaven verteilt sind (wie der Akkord stimmhaft ist), ist normalerweise ein zweitrangiges Anliegen und hat keinen grundlegenden Einfluss darauf, wie wir verstehen, was harmonisch geschieht. em> in einem Musikstück. (Das ist nicht ganz richtig: Wir neigen dazu, die Inversion von Akkorden zu bezeichnen, das ist die Note, die im Bass enthalten ist. Die Implikation hier ist, dass ja, oft ist die Grundnote des Akkords die niedrigste note)
  • im Zusammenhang damit ist klassische Musik durch funktionale Harmonie gekennzeichnet, dh verschiedene Akkorde möchten unbedingt zu anderen bestimmten Akkordtypen übergehen (zu denen eine IV "will") ein V-Akkord, der sich zum I auflösen will, etc). Diese Art von Anziehungskraft untermauert das Drama und die emotionale Anziehungskraft der meisten klassischen Musik, und Komponisten verlassen sich darauf, dass der Hörer diese Art von Musiksprache verinnerlicht hat,
  • im Gegensatz dazu ist populäre Musik tendenziell viel lockerer / em> über das Verhalten von Akkorden; z.B. Sowohl V - IV - I als auch IV - V - I sind allgegenwärtige Fortschritte in der Popmusik, aber das erstere würde in einem klassischen Stück einfach keinen Sinn ergeben: Es wäre, als ob die Luft nur irgendwie aus einem Ballon austritt / li>
  • In ähnlicher Weise tendiert Popmusik dazu, eine zyklische Akkordfolge zu verwenden, die sich etwa alle 4 Takte wiederholt. Im Allgemeinen kann dieser Fortschritt fast alles sein. Im Gegensatz dazu ist die Struktur der Akkorde in einem klassischen Stück tendenziell länger und unregelmäßiger, da der Komponist den Hörer vom Tonikum weg und wieder zurück führt und mit seinen Erwartungen spielt, die auf seiner Vertrautheit mit der Sprache der funktionalen Harmonie beruhen
  • Gitarristen denken an Akkorde idiomatisch , dh auf eine Weise, die eng mit der Mechanik des Instruments selbst verbunden ist: z. Das Stimmen ist von erstklassiger Bedeutung. Neue "Akkorde" entstehen, wenn offene Saiten klingeln müssen, und es erzeugt einen schönen Effekt usw.

Zurück zu Ihrer Frage: dem Weg Dass Pop / Rock-Gitarristen Akkorde beschriften, unterscheidet sich in einigen wichtigen Punkten von der Art und Weise, wie ich Akkorde schreiben würde, wenn ich ein Stück von Brahms analysiere (sagen wir):

Gitarristen (und auch Jazzmusiker, wo ich viel denke dieser Sprache kommt von) geben Sie "Akkorde", die wir in der klassischen Musik nicht als Akkorde betrachten. z.B. "sus" Akkorde wie ein "C sus4" oder was auch immer; In der klassischen harmonischen Analyse betrachten wir dies nicht als Akkord. Wir würden es einen "C-Dur-Akkord" nennen und dann über eine Suspension sprechen, dh einen Nicht-Akkord-Ton .

In der klassischen Musik neigen diese suspendierten Noten dazu, aufgelöst zu werden ; Sie erzeugen Spannung , indem sie für einen Moment fehl am Platz sind. Die Implikation ist, dass der Hörer einen C-Dur-Akkord hört und hört, dass es eine Dissonanz gibt. Im Gegensatz dazu müssen diese Akkorde in der Popmusik nicht vergehen oder aufgelöst werden, sondern können einfach da sitzen und eine interessante Farbe, einen interessanten Effekt haben oder auf interessante Weise mit der Gesangslinie spielen.

In der klassischen Musik gibt es viel Sprache für verschiedene Arten von Nicht-Akkord-Tönen , z Passing Töne, Appoggiaturen usw. Wenn Sie Bachs 4-stimmige Chöre analysieren, können Sie all diese sehen. Er wird sogar Redewendungen verwenden, die eine Kaskade von Suspensionen beinhalten, die auf komplexe Weise durch viele Akkorde verlaufen und bei denen Sie zu keinem Zeitpunkt ein vertikales Segment nehmen und einen reinen "unverfälschten" Akkord finden können.

Der Punkt, den ich hervorheben möchte, ist, dass es bei einer harmonischen Analyse eines klassischen Musikstücks (so würden wir es mit Akkorden bezeichnen) oft um die Spannung zwischen dem geht, was wir erwarten als Zuhörer zu hören und welche Noten gehört werden, und im Allgemeinen zu ignorieren, wie der Akkord gesprochen wird, oder einige Noten wegzulassen, die klingen. Manchmal gibt es mehrere gültige Interpretationen.

Es tut mir leid, dass dies lange dauert. Verwandte wichtige Konzepte, die höher liegen sollten: Gegenpunkt , die Art und Weise, wie mehrere Melodielinien interagieren, um eine harmonische Struktur vorzuschlagen, dh Akkorde zu bilden und spielerische Dinge innerhalb dieser Akkordstruktur zu tun (Nicht-Akkord-Töne oben). Dies ist, was Sie in Bachs Chören destilliert sehen.

Andere Epochen und Arten von Stücken sind viel weniger kontrapunktisch, z. Ein einfaches Mozart-Klavierstück oder eine Schubert-Liedbegleitung haben möglicherweise eine linke Hand, die die Akkordstruktur des Stücks stark umreißt und Arpeggios oder das I und V des Akkords spielt. Es hört sich so an, als ob Sie mit dieser Art des Schreibens am besten vertraut sind (und das ist in der Popmusik üblich).

#3
+6
MickeyfAgain_BeforeExitOfSO
2018-08-21 16:51:26 UTC
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Drehen Sie dies um und fragen Sie: "Warum sind Akkordnamen und nicht die Notationen der Noten in den Akkorden, die so häufig für geschriebene Popmusik und Jazz verwendet werden, aber nicht für klassische Musik?"

Ein typischer Amateur am Lagerfeuer-Gitarristen liest beispielsweise keine Musik, aber wenn Sie diese Person bitten, einen "C-Akkord" zu spielen, weiß sie, wo sie ihre Finger hinlegen muss. Akkordnamen sind die präziseste Art, die erforderlichen Mindestinformationen zu kommunizieren.

Der professionelle Jazzmusiker, der möglicherweise ein gefälschtes Buch verwendet, kennt viele verschiedene Möglichkeiten, um einen der durch den Kabelnamen angegebenen Akkorde zu spielen, und wie man dieses Wissen verwendet, um auf dieser harmonischen Struktur zu improvisieren. Für diese Person sind die gegebenen Akkorde ein Vorschlag, nicht etwas, das in Stein gemeißelt ist.

Klassische Musik ist / war an eine Population von Musikern gerichtet, die in der Lage sind, Noten fließend zu lesen. Es wird auch allgemein mit der Idee geschrieben, dass die genauen melodischen Linien, Harmonien und Instrumente, die der Komponist sich vorgestellt hat, verwendet werden. Es ist nicht zu 100% "in Stein gemeißelt", da alle Musik interpretiert wird, aber der Komponist hatte ein sehr detailliertes Konzept und benötigt ein detaillierteres Kommunikationsmittel.

#4
+4
Richard
2018-08-21 00:02:29 UTC
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Akkorde wurden offensichtlich verwendet; man muss nur schauen und hören, um das zu sehen und zu hören.

Aber zusätzlich zu Matts großartiger Antwort ist ein weiterer Grund, dass eine solche Akkordbezeichnung nicht immer in die Musik der Vergangenheit passt. Es gibt Auszüge aus Bachs polyphoner Musik, die einer solchen reduktiven Analyse überhaupt nicht förderlich sind.

Darüber hinaus basiert heutzutage viel populäre Musik auf Akkorden, was bedeutet, dass sie dieser Art der Kennzeichnung viel förderlicher ist .

(Wenn heute populäre Musik geschrieben wird, die so polyphon ist wie die von Bach, wäre ich gespannt, wie sie sie notiert haben.)

Ich habe auf youtube eine Menge harmonischer Analysevideos von klassischen Stücken gesehen, die die Akkorde gut zu beschriften scheinen ...
Oh, ich glaube es. Ich sage nur, dass es einen Prozentsatz dieses Repertoires gibt, der der einfachen Akkordbeschriftung nicht förderlich ist.
@foreyez, Ja, klassische Musik kann leicht genug mit Akkorden * analysiert * werden, aber das Design dieses bestimmten Musikstils beinhaltet viele verschiedene Stimmen. Die Melodie wird oft von Stimme zu Stimme weitergegeben. Bei der Analyse der Akkordstruktur wird nicht berücksichtigt, wie sich die verschiedenen Stimmen im Stück bewegen. Wenn Sie diese Stimmen herausnehmen und die Melodie nur mit einem Akkord darunter spielen, gehen die Eigenschaften verloren, die klassische Musik zu klassischer Musik machen. Klassische Melodien mit Akkordbegleitungen finden sich in einigen Anfängerbüchern mit "klassischen Themen". Sie sind leblos.
@HeatherS. Wenn Sie sagen, dass die Melodie von Stimme zu Stimme weitergegeben wird, meinen Sie dann, dass der Song moduliert? Wenn es in der gleichen Tonart bleibt, sollte es nur eine einfache Melodie sein, nein?
"Darüber hinaus basiert eine Menge populärer Musik heutzutage auf Akkorden, was bedeutet, dass sie dieser Art der Kennzeichnung viel förderlicher ist." ist ziemlich relevant. Die heutige Musik (ganz zu schweigen davon, dass andere Perioden sie nicht hatten) ist besonders für Remixe, Adaptionen, Improvisationen usw. geeignet, bei denen Sie beliebige Noten spielen können. Das ist vielleicht der Grund, warum @foreyez die Standardnotation der klassischen Periode und die Erwartungen vielleicht als "antiquiert" ansieht. Ich fühle deinen Schmerz foreyez, fast jede einzelne Klavierklasse als Kind LOL. Mein Lehrer brachte mir einige Right Here Waiting-Akkorde (80er Jahre) bei, sagte aber: "Erzähl es niemandem!"
@foreyez, nein ich spreche nicht über Modulation. Das hat mit Schlüssel zu tun, nicht mit Stimmen. Und während * einige * klassische Musik als "Melodie mit Akkorden" strukturiert ist, ist dies normalerweise nicht der Fall. Die Melodie ist in die Harmonie eingebunden. Sie sollten lernen, wie man eine Strukturanalyse der klassischen Musik durchführt, nicht nur eine harmonische Analyse. Übrigens, als ich Klavier lernte, lernte ich mit 9 Jahren alle meine Akkorde (und auch Skalen). Aber für Pianisten, die eines Tages hoffen, etwas Begleitmusik zu machen und klassische Musik zu spielen, und all die kleinen Punkte schnell und richtig lesen ist bedeutsam.
Es gibt eine Geschichte, in der eines von Bachs Kindern anfing, ihm das neue Konzept der Harmonie zu erklären, und er antwortete, dass das sehr interessant sei, aber er dachte einfach nicht so.
@foreyez für ein ziemlich einfaches und klares Beispiel für die Idee, eine Melodie zwischen Stimmen hin und her zu übertragen, finden Sie unter [this] (https://www.youtube.com/watch?v=jEVQ7yHgaSM).
@HeatherS. Sie sprechen also von einem Kontrapunkt (?), bei dem sich auf der rechten Seite eine Melodie und auf der linken Seite eine Melodie befindet, sodass dies nicht einfach durch Akkorde erklärt werden kann. Wie viel Prozent der klassischen Musik sind so?
@foreyez Es ist so gut wie unmöglich, einen solchen Prozentsatz anzugeben.
@Richard Ich meinte einen Baseballstadion. ist die Mehrheit der klassischen Musik Melodie + Harmonie oder Melodie + Melodie. Sie könnten genauso gut antworten, weil es mich daran hindern wird, lange darüber zu recherchieren. ;>
@foreyez Klingt so, als hätten Sie in Ihrer Zukunft Nachforschungen angestellt!
@foreyez, Sie müssen sich selbst mit Partituren klassischer Musik befassen (einschließlich allem - Klavier, Kammermusik, Orchesterpartituren), um sich ein Bild zu machen. Ja, ich spreche von Kontrapunkt, aber ganz allgemein, nicht barock. Kontrapunkt wird sogar verwendet, wenn es sich um eine Melodie handelt, die von Akkorden begleitet wird, so dass die Stimme unter der Melodie eine bestimmte Bewegung hat.
#5
+4
user52420
2018-08-21 00:23:53 UTC
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Die Art und Weise, Akkorde und Inversionen im Barock zu notieren, war wie ein figurierter Bass. Da sich diese Notation auf die Basslinie bezieht und sich der harmonische Inhalt und die Inversionen tendenziell schneller ändern als die heutigen Akkordwechsel und insbesondere in Bezug auf die beabsichtigte Inversion notiert sind, war die Interpretation der halbimprovisierten Begleitung besser für das Keyboard geeignet Instrumente statt Gitarren, das heutige Hauptziel der Akkordnotation.

Der Bass ging bei Bach mehr oder weniger unter, da er dazu neigte, alles explizit zu formulieren, anstatt sich auf die Improvisationsfähigkeiten der Keyboarder zu verlassen.

Tatsächlich wurde das Basso Continuo oft von gezupften Instrumenten wie einem [Theorbo] (https://en.wikipedia.org/wiki/Theorbo) gespielt, daher würde ich denken, dass dieser Punkt umstritten ist. Haben Sie eine Quelle bezüglich Ihrer Behauptung, dass der Bass mit Bach aufgehört hat?
Haydns frühere Symphonien hatten immer noch einen Basso Continuo-Part, ebenso wie ein Großteil seiner frühen Kammermusik. Weitere Informationen finden Sie in [diesem Beitrag] (https://music.stackexchange.com/questions/318/why-was-basso-continuo-not-widely-used-after-the-baroque-period).
#6
+3
Clarinetist
2018-08-21 17:39:36 UTC
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Sie haben bereits einige großartige Antworten erhalten, aber ich wollte genauer darauf hinweisen, dass nur das Betrachten von Akkorden die Aufführung von Stücken nicht ausreichend beschreiben kann.

Angenommen, "klassische" Musik bezieht sich auf alle Musik Sowohl in der Praxis als auch im 20. Jahrhundert reichen Akkorde nicht aus, um Musik vollständig zu beschreiben. Man kann viele Beispiele dafür im 20. Jahrhundert finden. Ein gutes Beispiel dafür ist Ligetis Nouvelles Aventures .

Obwohl dies sicherlich Beispiele für Musik sind, die nicht mit Akkordsymbolen aufgenommen werden können, sind sie doch ziemlich übertrieben, nicht wahr?
#7
  0
user1258361
2018-08-22 03:13:49 UTC
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Ich bin überrascht, dass noch niemand Tracker-Module und Tracker-Musik erwähnt hat.

https://en.wikipedia.org/wiki/Music_tracker

Diese Art von Programmen wurde verwendet, um die großartigen TV-Serien und klassischen Videospiel-Tracks der 90er Jahre zu schreiben.

Wenn Sie glauben, dass die klassischen Komponisten wie Bach und Mozart jede Note ausführlich spezifizierten (anstatt zu stark zu vereinfachen) Akkorde), Tracker-Module bringen dieses Paradigma auf eine neue Ebene. Ein Modul definiert eine Reihe von Samples, und dann ruft die Spur selbst die Samples auf, wenn sie benötigt werden. Jede Stichprobe könnte auch mit Effekten verknüpft sein, die in separaten Bytes codiert sind, wodurch auch die Interpretation effektiv diktiert wird. Das einzige Problem bestand darin, dass verschiedene Tracker-Modulprogramme unterschiedliche Effektcodes verwendeten, was bedeutet, dass ein für ein bestimmtes Programm geschriebenes Modul teilweise ruiniert werden kann, wenn ein anderer Interpreter verwendet wird.

Das Akkordparadigma beschränkt den Komponisten grundlegend darauf eine kleine Teilmenge möglicher Musik. Nach dem, was ich lese, sind die beiden Hauptattraktionen akkordbasierter Ansätze die Einfachheit des Komponierens und ein breites Spektrum an Interpretationen, die sich beide leicht für moderne darstellende Künste eignen. Dies erklärt wahrscheinlich auch, warum ich im Laufe der Jahre in verschiedenen Nachrichtenartikeln zunehmend Beschwerden (von Musikern) gesehen habe, dass moderne Musik zu unoriginal wird. Kurz gesagt, der Akkordansatz weist eine geringe Fähigkeitskurve auf - Sie können schnell und einfach populäre Musik machen, aber die "Obergrenze" für die Musik, die Sie produzieren können, ist im Vergleich zu klassischen oder auf Trackern basierenden Ansätzen eher niedrig.

Für diejenigen unter Ihnen, die sagen, dass Musik, die nicht in ein Akkord-Framework passt, altmodisch oder übermäßig spezifiziert ist, empfehle ich, einige der Klassiker der 90er Jahre von berühmten Trackermodul-Künstlern wie Alexander Brandon, Elwood und zu hören Lila Bewegung. Bei den besten Künstlern des Trackermoduls werden Sie viel sehen, wie sie mindestens 4 Audiokanäle (Percussion, Bass und 2 Hauptinstrumente) zusammenweben - was wohl die Grenze zwischen modernem "Durchschnitt" (Percussion / Bass /) zieht. 1 Hauptinstrument oder Stimme) und "wirklich gutes" Komponieren. Das Zusammenweben mehrerer Hauptinstrumente oder -themen wurde auch in der klassischen Ära durchgeführt (zum Beispiel: zweiteilige Erfindungen und dreiteilige Sinfonien).

Früher waren Sie auf 4 Audiokanäle beschränkt (an Artefakt der Commodore Amiga-Computer-Ära), konnte man nicht einmal einen vollen Akkord parallel über Audiokanäle spielen, weil man 2 oder 3 davon essen und keinen Platz für viel anderes lassen würde. Künstler mussten vollständige Akkorde in Samples codieren und diese aufrufen. Ein Beispiel hierfür findet sich im Tracker-Modul "Space Debris" eines Künstlers, der sich "Captain" nennt. Wenn Sie sich die Instrumentierung in der Impulse Tracker-Version ansehen, sehen Sie Instrumente mit den Namen Chord1 Major und Chord1 Minor.

Ich bin gespannt, was sich die klassischen Komponisten ausgedacht hätten, wenn sie Zugang zur Moderne gehabt hätten Digital Audio Workbench (DAW) oder sogar Tracker-Modul-Software. Ich schreibe meine eigene Musik im Tracker-Stil in einer modernen DAW und es ist schwer genug, mit dem oben beschriebenen komplexen 4-Kanal-Paradigma zu komponieren. Dasselbe auf einem Zeichenzellen-Tracker-Modulprogramm zu schreiben, ist definitiv schwieriger, und es erfordert noch mehr Geschick, es nur ohne Computer auf Papier zu verfassen.

Ich weiß nicht einmal, wie dies die Frage aus der Ferne beantwortet. aber ich werde es nicht ablehnen, da lila Bewegung eine Legende ist und ebenso der Rest der zukünftigen Crew.


Diese Fragen und Antworten wurden automatisch aus der englischen Sprache übersetzt.Der ursprüngliche Inhalt ist auf stackexchange verfügbar. Wir danken ihm für die cc by-sa 4.0-Lizenz, unter der er vertrieben wird.
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