Das Lernen von Licks und Soli durch andere Musiker kann in dieser Hinsicht hilfreich sein. Natürlich möchten Sie Ihre eigene Stimme entwickeln, aber es gibt keinen Musiker im luftleeren Raum, und es ist auf jeden Fall hilfreich, die Dinge, die Musiker, die Sie bewundern, gespielt haben, zu lernen und zu analysieren (wenn auch unbewusst). Abhängig von Ihrem Stil und der Richtung, in die Sie gehen möchten, kann es hilfreich sein, sich auch auf andere Instrumente zu konzentrieren (ich habe Soli von Saxophon- und Trompetenspielern transkribiert, um mein Gitarrenspiel zu unterstützen, und ich habe versucht, Akkordstimmen zu lernen Klavierspieler, wann immer dies möglich ist.

In der Tat ist es wahrscheinlich hilfreich, einige Zeit mit völlig anderen Musikstilen zu verbringen, um die Breite und Breite der verfügbaren Techniken zu erlernen. Denken Sie daran, wie Bach eine Phrase durch Kontrapunkt und das Zusammenspiel ähnlicher Phrasen entwickeln würde. Hören Sie Beethovens Fünfte Symphonie und die Art und Weise, wie er im Verlauf eines halbstündigen Musikstücks ein einfaches Vier-Noten-Motiv entwickelt. Denken Sie an die Vielzahl von Möglichkeiten, wie Wagner, Copland, Coltrane, Clapton usw. dieses Konzept der Entwicklung von Phrasen oder Motiven angegangen sind. Jeder von ihnen hat ein Leben lang Musik produziert, die er erforschen und daraus lernen kann.

Versuchen Sie auch, darüber nachzudenken, um eine Phrase zu entwickeln. Ideen werden für einen improvisierenden Musiker oft nicht vollständig umgesetzt. Stattdessen nehmen wir einen Satz, entweder erfunden oder aus dem Inhalt der Melodie, und erläutern ihn, indem wir Variationen und Erfindungen verwenden, um unsere eigenen Ansichten und Ideen in den Rahmen zu bringen, in dem wir arbeiten. Ich habe es zunächst versäumt, dies zu erwähnen, weil es offensichtlich erscheint, aber stellen Sie sicher, dass Sie die Melodie kennen. Wir Gitarristen sind besonders geneigt, die Veränderungen zu lernen, aber nicht die Melodie des Songs. Wenn Sie die Melodie gut im Griff haben, hilft es Ihnen, Ihre Improvisation sozusagen "im Kontext" zu halten, und es wird eine reichhaltige Ressource für melodische Ideen sein.

Es gibt natürlich viele technische Dinge, über die man nachdenken muss, Ideen, die wirklich das gesamte Spektrum der Musik abdecken können. Eine kurze Auswahl meiner Favoriten könnte Folgendes umfassen:

• Phrasierung / Rhythmus : Überlegen Sie, wie sich Ihre Phrasen entwickeln. Spielen Sie gerade Viertel-, Achtel- und Sechzehntelnoten? Vielleicht könnten Sie einige Drillinge in die Mischung einbringen oder sogar einige komplexere Polyrhythmen, wenn Sie sich ehrgeizig fühlen. Verbringen Sie einige Zeit mit der Entwicklung dieser Muster durch Ihre Phrasen. Das Bauen von langsameren oder einfacheren melodischen Aussagen zu schnelleren oder komplexeren ist eine übliche Technik. Versuchen Sie das oder versuchen Sie es zu untergraben. Denken Sie auch an die Länge Ihrer Phrasen, an die Synkopierung, an die Verwendung von Pausen oder anhaltenden Noten, um eine Phrase aufzubrechen. Eine weitere nützliche Sache, insbesondere für Gitarristen (und in der Tat für Spieler von Instrumenten, die nicht geblasen sind), ist es, bei der Planung der Länge und des Rhythmus Ihrer Phrasen zu versuchen, sich Ihrer Atmung bewusster zu werden. Dies kann Ihrem Spiel ein "natürlicheres" Gefühl verleihen.
• Melodie : Welche Formen verwenden Sie für Ihre Melodien? Wenn Sie das Gefühl haben, eine Waage zu spielen, üben Sie Arpeggios und brechen Sie sie auf, ändern Sie die Richtung und wiederholen Sie nur bestimmte Noten. Stellen Sie sich eine Kontur (nicht unbedingt eine genaue) Ihrer Melodie vor. Ist es repetitiv, ist es aufsteigend, ist es absteigend, ist es überall? Versuchen Sie, eine schnörkellose Linie auf einem Blatt Papier zu skizzieren, und improvisieren Sie dann eine Melodie, die der Kontur dieser Linie folgt. Mach es noch einmal mit einer anderen Form. Erfahren Sie, wie diese Formen die in Ihrer Phrase zum Ausdruck gebrachten Gefühle beeinflussen können.
• Harmonie : In welcher Beziehung steht Ihre Melodie zur Harmonie des Stücks? Könnten Sie eine andere Wahl treffen, die es interessanter machen würde? Als Jazzspieler ist es einer meiner Lieblingstricks, "nach draußen" zu kommen, ein kurzes Motiv zu nehmen und es in einem beliebigen Intervall zu wiederholen. Vielleicht könnten Sie Noten aus dem dorischen Modus anstelle des natürlichen Moll über diesem Akkord wählen. Dies hängt natürlich ein wenig von Ihren musiktheoretischen Kenntnissen und dem Stil ab, in dem Sie spielen.
• Artikulation : Wie schlagen Sie die Saiten? Spielst du Legato oder Staccato? Biegen Sie Noten ein wenig oder viel oder gar nicht? Experimentieren Sie natürlich selbst damit, um Ihre Vorlieben zu finden. Dies ist insbesondere ein Bereich, in dem das Hören und Transkribieren anderer Musiker immens hilfreich sein wird. Warum klingen Chet Atkins und Leo Kottke sowie Yngwie Malmsteen und Stevie Ray Vaughan so unterschiedlich voneinander? Kopieren Sie auch nicht und sagen Sie "Ausrüstung" - versuchen Sie, eine Phrase so zu spielen, wie Sie es sich für einen Spieler und dann für einen anderen Spieler vorstellen.

Nehmen Sie sich auf jeden Fall etwas Zeit, um Phrasen auf Papier zu schreiben , zu. Improvisation ist schließlich immer noch Komposition, und es gelten dieselben Techniken. Eine bewusstere Herangehensweise an den Prozess wird definitiv dazu beitragen, das Spektrum der intellektuellen Werkzeuge zu erweitern, auf die Sie zurückgreifen müssen, wenn Sie feststellen, dass Ihre "natürliche" Intuition für Improvisation an ihre Grenzen stößt, und im Laufe der Zeit werden Sie feststellen, dass diese Werkzeuge integriert werden diese natürliche Intuition.

Mit jedem Solo möchten Sie eine Geschichte erzählen. Die Licks, Riffs und Grooves sind deine Worte. Autoren strukturieren Geschichten als Erzählbögen.

Ein Erzählbogen ist normalerweise:

• Exposition: Die Einführung der Geschichte, in der Charaktere eingeführt werden, Einstellung wird enthüllt.
• Rising Action: Eine Reihe von Ereignissen, die die Sache für den Protagonisten komplizieren und die Spannung oder Spannung der Geschichte erhöhen.
• Höhepunkt: Der Punkt der größten Spannung in der Geschichte und der Wendepunkt in der Erzählung von steigender Handlung zu fallender Handlung.
• Fallende Handlung (Anti-Höhepunkt): Nach dem Höhepunkt entfalten sich Ereignisse in der Handlung einer Geschichte und die Entspannung löst sich in Richtung die Auflösung.
• Auflösung: Das Ende der Geschichte, in der Regel, in dem die Probleme der Geschichte und der Protagonisten gelöst werden.

In guten Geschichten gibt es normalerweise Eine Reihe von steigenden Aktionen (und leicht fallenden Aktionen), die allmählich zum großen Höhepunkt und zur Auflösung der Geschichte größer werden.

Eine Gitarrensolo-Geschichte könnte also so aussehen:

• Exposi tion: Wiederholen Sie den Hook oder ein anderes melodisches Fragment

• Rising Action 1: Beginnen Sie mit der Mutation des Fragments, indem Sie Noten, Rhythmus oder Oktave ändern.

• Falling Action 1: Geben Sie entweder den Hook erneut an oder spielen Sie eine kleine Akkordmelodie vom Fragment ab oder hören Sie sogar kurz auf.
• Rising Action 2: Mutieren Sie das Fragment weiter. Werden Sie nervöser, fügen Sie einige Noten oder Akkorde hinzu, die nicht in die Skala passen. Lauter werden. Verwenden Sie Effekte.
• Falling Action 2: Spielen Sie das mutierte Fragment sauber und einfach.
• Rising Action 3: Spielen Sie ein völlig anderes melodisches Fragment.
• Falling Action 3 : Gehen Sie zurück zu Ihrem ursprünglichen oder mutierten Originalfragment
• Steigende Aktion 4: Kombinieren Sie Teile des ursprünglichen Fragments und des neuen Fragments und wechseln Sie zwischen beiden. Das ist Dialog und Konflikt und interessant. Scheiben und Würfel, Baby. Vielleicht spielen Sie ein Fragment hoch und das andere niedrig. Lassen Sie sie streiten.
• Steigende Aktion 5: Kombinieren und wechseln und schneiden und würfeln und wirken, bis die kombinierte Aussage jetzt wirklich intensiv und schwer zu spielen und beschäftigt ist.
• Fallende Aktion: Ergreifen Entfernen Sie die Teile, die im Glas sind (oder überspringen Sie diesen Schritt).
• Höhepunkt: Fügen Sie Ihre spezielle Sauce hinzu, was auch immer die Zuhörer dazu bringt, "Woo!" zu sagen.
• Lösung: Geben Sie Ihr Originalfragment an und kehren Sie dann zurück

(Bonuspunkte für Nerds, die bemerkt haben, dass dieses Gitarrensolo eine Sonate ist.)

Der Konflikt in den aufsteigenden Aktionen wird normalerweise als "Spannung" bezeichnet und loslassen "und die Spannung kann alles sein, was ungeklärt ist: beschäftigt gegen spärlich, funky gegen gerade, leise gegen laut, auf und ab spielen, mehr chromatische Noten hinzufügen oder sogar in einer Tonart spielen, die sich vom Song unterscheidet , hinter dem Beat oder vor dem Beat spielen, langsam gegen schnell usw.

Beim Soloing gibt es zwei wichtige Aspekte: Phrasierung und Auswahl guter Zieltöne . Verbringen Sie Zeit mit der Pentatonik und arbeiten Sie an diesen beiden Aspekten. Die pentatonische Tonleiter funktioniert über die meisten Akkorde in der Tonart, deshalb ist sie der beste Ausgangspunkt. Arbeiten Sie daran, "aussagekräftige" Phrasen mit der pentatonischen Skala zu erstellen, und verwenden Sie bestimmte Töne, die Sie aus dieser Skala als Ziele auswählen, um die Phrasen hervorzuheben und zu beenden oder mit ihnen zu beginnen.

Zusätzlich können Sie ein Buch mit dem Titel "Blues Scales: Essential Tools" von Dan Greenblatt lesen. Dies ist eine sehr gute Lernhilfe für den Beginn der Improvisation. Erkenne, dass eine Blues-Skala wirklich eine pentatonische Skala mit einer zusätzlichen blauen Note ist. Ihre Arbeit an pentatonischen und Blues-Skalen zahlt sich also gemeinsam aus.

Dies ist ein bisschen wie in diesem Beitrag:

Wie lerne ich am besten Skalen, um die Improvisation / das Schreiben von Lead-Gitarren-Parts zu verbessern?

Meine Antwort war, sich entweder von anderen Gitarristen oder von dir selbst inspirieren zu lassen (indem ich im Voraus entscheide, wie dein Solo klingen soll). Nach dem, was Sie beschreiben, haben Sie Kenntnisse über Skalen und Techniken. Nur das zu tun, was Sie wissen, scheint jedoch nur Ihr Muskelgedächtnis zu nutzen, ohne wirklich Stimmung zu erzeugen. Ich kann das sagen, weil ich manchmal in genau die gleiche Situation gerate. Meine Antwort war, etwas bewusster darüber zu sein, wie Ihr Solo klingen soll: weich, weich oder hart und blasig? Oder eine Mischung? und welche Stimmung möchten Sie vermitteln? Melodisch? Oder stumpf?

Eine andere Sache, die ich gefunden habe, funktioniert sehr gut, wenn ich Live-Soli spiele: Stellen Sie sicher, dass Sie sich selbst hören können! Manchmal, wenn Sie ein bisschen ertrinken, gibt es keinen Platz, um ein schönes Solo zu finden, und Muskel-Gedächtnis-Widdling wird sich durchsetzen. Oder bei mir sowieso.

Ich werde die Antworten in dem Beitrag, den ich verlinkt habe, nicht wiederholen, aber hoffentlich hilft es :-)

Ich denke, Sie sollten Ihre Fähigkeiten so weit verbessern, dass Sie die Melodie des Solos im Kopf haben und sie direkt auf die Gitarre übertragen können.

Dies erfordert viel üben.

Wie mein Gitarrenlehrer sagt "Die Musik kommt nicht von deinen Fingern, sondern von deinem Kopf." Das Auf und Ab der Waage bedeutet also nichts / nichts (dh Sie sollten nicht nur mit Ihren Fingern spielen und hoffen, dass etwas herauskommt).

Üben Sie also die Waage, hören Sie die Noten Sie schlagen in Ihrem Kopf und haben die Melodie des Solos in Ihrem Kopf, wenn Sie anfangen, es zu spielen. Schließlich sollten Sie in der Lage sein, dieses Solo in Musik umzuwandeln ... wieder mit genügend Übung.

TL; DR:

Lerne Soli, die du magst. Übe die Dinge, die dir wichtig sind. Übe weiter.

Die erste Lektion, die ich beim Gitarrenspielen gelernt habe, ist, dass das Üben funktioniert, aber es braucht Zeit und es gibt keine Abkürzungen.

Längere Version: Was für mich funktioniert hat, war Ich lernte die Soli anderer Leute, die ich mochte. Und übe sie weiter.

Einer der ersten, an denen ich anfing zu arbeiten, war Sultans Of Swing, weil ich es liebte, wie glatt Mark Knopfler in all den Fills in diesem Song war. Dann ging ich zu Call Me The Breeze (Skynyrds Version) über, weil es zu dieser Zeit mein Lieblingslied war (70er Jahre :).

Ich wiederholte dieses Muster jedes Mal, wenn ich etwas hörte, das ich lernen wollte, und mein Glück Niveau mit meiner Improvisation verbessert. Ein paar Dinge, auf die ich mich konzentrierte, waren Biegungen, einfache Phrasierung und die Möglichkeit, zwischen Pick und Finger zu wechseln.

Was mir geholfen hat, war zu denken, dass es sich um die Vokalmelodie handelt, um Ideen für das Solo zu bekommen. Verwenden Sie die Vokalmelodie als Ausgangspunkt, und das Improvisieren wird viel einfacher, wenn Sie einen Ausgangspunkt haben. Der Hörer hört Teile der Melodie im Solo, die ihm ein Gefühl des Zusammenhalts mit dem Lied geben. Hoffentlich gibt Ihnen dies einen Ausgangspunkt, auf dem Sie Ihr Solo aufbauen und das Solo basierend auf der Melodie des Songs zu neuen Höhen führen können.