Setzen Sie mich in die Kategorie "Anfänger".

Finden andere hier, dass der Ansatz der Akkordskalentheorie für viele Gitarristen, die Jazz lernen, schädlich ist?

Meine Meinung: JA.

Nicht nur Gitarre, sondern auch Klavier. Wahrscheinlich ist der einzige Ort, an dem es nicht schädlich ist, Schlagzeuger :-)

Wenn Sie Ihren Jazzstandard bei Leuten wie Charlie Christian, Charlie Parker, Thelonious Monk, Horace Silver usw. finden, haben sie ihn nicht benutzt das Akkordskalensystem. Es wurde in den 1970er Jahren erfunden. Soweit ich weiß, war es die gewählte Methode, als Jazz in die Akademie eintrat.

Nach meiner eigenen Erfahrung halte ich es für schädlich . Eine enorme Zeitverschwendung! Ich konnte nicht herausfinden, warum Versuche, grundlegende Riffs von der Waage zu improvisieren, einfach nicht nach Jazz klangen. Als ich mir dann die Solo-Transkriptionen von Charlie Christian ansah, wurde mir klar, was das Problem war: Er improvisierte aus gebrochenen Akkorden und deren Verschönerung. Das habe ich auch bei Transkripten von Charlie Parker bemerkt.

Wenn Sie einen siebten Akkord mit allen passierenden Tönen ausfüllen, erhalten Sie natürlich etwas, das wie eine Skala aussieht. Das Spielen mit Akkordtönen schließt also ein lineares, schrittweises Spielen nicht aus.

Sie können mit Akkorden oder Skalendenken in eine Hühner- oder Eiersituation geraten. Gefüllte Akkorde machen Skalen. Skalen in Dritteln machen Akkorde. Aber IMO sind dies keine austauschbaren Ideen. Akkorde verstehen heißt Harmonie verstehen. Denken Sie daran, dass Jazz oft mit Lead-Sheet-Akkordsymbolen geschrieben wird. Sie erhalten so etwas wie Bb7 und das Akkordskalensystem sagt, dass Sie B flat Mixolydian spielen. Wenn Sie nur die Tonleiter kennen, die Akkordtöne nicht kennen, die harmonische Bedeutung nicht kennen, wird dem System das Konzept Ton vermeiden hinzugefügt. Es scheint ein umständliches System zu sein, das es vermeiden will, traditionelle Harmonie zu lernen.

Das Problem für Anfänger wie mich ist, dass keine der Methoden des Akkordskalensystems (keine, die ich gesehen habe) der Methode eine Erklärung voranstellt, dass keiner der großen Jazz-Innovatoren in der Evolution des Jazz auf diese Weise gespielt hat .

Die Ausnahme ist Modal Jazz . Es ist klar, warum dieser Stil, indem er auf Standardakkordfolgen verzichtete, die Aufmerksamkeit auf die Skala richtete. Wenn Sie 8 oder 16 Takte eines einzelnen Akkords spielen, ist es völlig offensichtlich, dass Sie sich nicht auf Akkordtöne konzentrieren und einen anderen Ansatz wählen, einen skalierungsbasierten Ansatz.

Bluesbasen scheinen auch anders zu sein. Wenn es sich bei der Progression um eine Art jazzigen Blues handelt, funktioniert die Verwendung einer Blues- "Skala" gut. Es scheint, als könnten Sie gebrochene Akkord- und Blues-Skalen sehr gut mischen.

Der Ansatz, eine Tonleiter an einen Akkord anzupassen, ist nützlich, sollte jedoch niemals im Mittelpunkt des Verständnisses von Änderungen stehen. Der entgegengesetzte oder umgekehrte Ansatz besteht darin, zu sehen, wie Akkorde in eine einzelne Tonleiter passen. Zum Beispiel gibt es 7 7. Akkorde, die auf der Dur-Tonleiter aufgebaut sind und mit denen die "Kreisfolge" erstellt werden kann.

I -> IV -> vii -> iii - > vi -> ii -> V -> I

Die Arpeggios und Akkorde passen alle in eine Tonleiter. Warum also jedem Akkord folgen?
Wir modulieren häufig zu anderen Dur- und Moll-Tasten eine Progression und zeigen dies harmonisch an. Wir fügen einen Teil der obigen Progression ein, der zur V7 des neuen Schlüssels führt. Wenn Sie beispielsweise von I nach IV modulieren möchten, müssen Sie nur eine dominante 7. auf dem I spielen, d. H. I -> I7 -> IV. Zum anderen modulieren Sie zum relativen Moll, indem Sie eine V7 auf dem III-Akkord spielen. Diese führen offensichtlich neue Vorzeichen ein und weichen von der ursprünglichen Tonart ab, aber sie haben einen Zweck, und wenn Sie verstehen, dass Sie ganze Akkordfolgen als in einer Tonart befindlich identifizieren können. Anstatt die Akkorde zu verfolgen, können Sie einfach auf einer Skala bleiben und Ihr Ohr verwenden, um Sie durch die Änderungen zu führen.

Musik ist viel mehr als nur Skalen. Eine Melodie hat ein Gefühl, wie Sie hervorheben. Das liegt sowohl am Rhythmus und der Phrasierung als auch an der Auswahl der Noten. Meiner Meinung nach lohnt es sich, einige Stücke und andere Gitarristen-Soli nach Gehör zu lernen (wenn möglich) oder Transkriptionen zu verwenden und sie zu sezieren. Sie werden einige gängige Muster sehen und wenn Sie eine Musiktheorie kennen, können Sie sie anwenden. Fragen Sie sich, wie dieser Lick dem Scale-Chord-Ansatz folgt (wahrscheinlich nicht). Nach meiner Erfahrung weichen Melodien nicht so stark ab, wie es den Akkorden scheint. Akkorde unterstützen die Melodie nicht umgekehrt. Sie können auch mit alternativen Akkordfolgen für eine bestimmte Melodie experimentieren, was einfacher ist als das, was im eigentlichen Buch geschrieben steht. Jazz mag komplexer erscheinen als Rock, aber es gibt einige grundlegende Vorlagen, die überstrapaziert sind. Genau wie das I IV V gibt es das II V I (und das II ist ein Ersatz für das IV). Wir neigen dazu, veränderte Akkorde zu verwenden, um mehr führende Töne in Akkordbewegungen zu erzeugen, aber es ist immer noch alles nur eine grundlegende westliche Musiktheorie im Spiel.

Die Melodie erzählt die Geschichte und man nähert sich ihr, um Linien aus der Melodie auszuleihen und sie in Leck zu verwandeln, um sie im Verlauf zu bewegen. Sie sollten auf keinen Fall vermeiden, Notizen zu vermeiden. Sie müssen sie nur lösen, durchgehen. Oder erzwinge die "out" -Harmonie. Sie können wirklich alles über eine Progression spielen, solange es einige Kohärenz und Muster gibt, die sich in Phrasen und Rhythmen wiederholen.

Jerry Cokers Buch befürwortet, ein Buch mit Licks und Phrasen zu führen, die Sie schreiben, sagen wir 3 bis 5 Phrasen pro Tag. Sie können durch einfache 2 oder 3 Noten sich wiederholende Sätze. Dann empfiehlt er, nur ein paar davon über eine Reihe von Änderungen hinweg zu verwenden, um zu erfahren, wie (oder ob) sie zusammenpassen.

Ich würde sagen, lernen Sie mehr über die klassische Harmonietheorie, um Akkordfolgen und ihre Beziehung zur Melodie zu verstehen. Halten Sie ein Buch mit Licks. Transkribieren Sie nach Gehör und sezieren Sie das, was Sie hören, und suchen Sie nach wiederholten Mustern. Experimentieren Sie weiter und behalten Sie bei, was funktioniert. Lassen Sie das fallen, was nicht funktioniert. Verwechseln Sie die Musiktheorie nicht mit festen Regeln, die immer zum Erfolg führen (oder zum Scheitern, wenn sie ignoriert werden).

Es ist lustig, wie diese Frage bei mir ankommt und wie sie sich auf Blues bezieht, nicht nur auf Jazz. Ich habe jahrelang Probleme, über eine 12-Takt-Blues-Progression zu improvisieren, und erst vor kurzem habe ich angefangen, mich durchzusetzen.

Wie Sie finde ich, dass es viele ineffiziente Unterrichtsstunden gibt.

Mir wurde zuerst gesagt, ich solle die 'Blues-Skala' verwenden (Moll-Pentatonik mit einem zusätzlichen B5), und ich habe viele falsche Noten getroffen.

Dann wurde mir gesagt, ich solle Akkord verwenden Töne (oder Arpeggios) und die Soli begannen, die zugrunde liegende Harmonie zu reflektieren, aber ich stellte fest, dass sie nichts sagten (dh: sie trugen nicht viel zur Harmonie bei).

Dann wurde mir gesagt, dass ich es tun soll Verwenden Sie die jedem Akkord entsprechende Mixolydian-Skala (dh A-Myxolydian über dem A7-Akkord, E-Myxolydian über E7 usw.). Ich denke, das nennst du die "Akkordskalentheorie". Ich bekam einen abwechslungsreicheren Sound, aber immer noch nicht bluesig genug.

Für mich ist Blues-Solo nur dann sinnvoll, wenn Sie Folgendes mischen:

• Moll-Blues-Skala
• Akkordtöne / Arpeggios
• Dur-Pentatonik (nur für Major-Blues)
• Akkordskalentheorie
• Biegungen (wesentlich!)
• Vibratos, Hammer-Ons und Pull-Offs
• Eine Bibliothek leckt: Finden Sie heraus, wie sie klingen, und versuchen Sie, den richtigen Moment zu finden, um sie zu spielen (wie oben vorgeschlagen @ggcg)
• eine Bibliothek von Turnarounds für den 11. und 12. Takt

Ich finde also, dass die Akkordskalentheorie als ein Baustein nützlich ist, aber allein nicht ausreicht, um sie zu erstellen ein gutes Solo. Ich finde Skalen / Arpeggios sehr nützlich, wenn ich schnell 2 Oktaven laufen lassen möchte, um mehr Spannung zu erzeugen.

Anstatt komplette Skalen zu spielen, sind Akkordtöne wichtiger, also ungefähr die Hälfte der Skalen!

Lesen Sie einige Ideen - 'Es ist in Tonart C, also C Ionian, Dm Bar verwendet D Dorian, G Bar verwendet G Mixolydian usw. macht für mich keinen Sinn. Das alles verwendet den gleichen Satz von 7 Noten, alles, was sich ändert, ist die Wurzel. Was aus dem Namen des Akkords in der Leiste ziemlich deutlich wird.

Wenn es sich um ein anspruchsvolleres Bm7 ♭ 5 handelt, deutet das Spielen über den Akkord darauf hin, dass das Spielen von F ♮ im Allgemeinen der Fall ist, obwohl es sich um einen Bm7-Akkord handelt wird musikalischer sein als F♯ zu spielen. Aber das ist eine Note - von diesem Akkord - keine vollständige Tonleiter. Und wer spielt Jazz, indem er in jeder Bar bestimmte Tonleitern auf und ab läuft? Das ist vielleicht keine Musik?

Wenn die Akkordskalentheorie dazu führt, dass Sie für jeden Akkordwechsel einen Modus auswählen und zufällige Noten von der Skala dieses Modus spielen, ohne zu berücksichtigen, was die gespielten Noten in Bezug auf die Akkordharmonie um ein Tonikum tun , dann ist die Theorie schädlich für dich. Musik ist nicht zufällig. Harmonie ist nicht zufällig. Wenn Sie zufällige Noten spielen, erhalten Sie zufällige Harmonie, und ich würde sagen, es ist nicht einmal Musik, es ist Chaos. Es gibt viel Unvorhersehbarkeit und Zufälligkeit in der Improvisation, aber sie muss durch Sensibilität und Geschmack gezähmt und kontrolliert werden.

Jede Melodie beschreibt eine Reihe möglicher harmonischer Veränderungen, Melodien leben nicht als separate Einheit in ihrer eigenes Universum. Ebenso unterstützt jede harmonische Progression einige melodische Möglichkeiten. Wenn Sie melodische Solonoten spielen, unterstützt und stärkt alles, was Sie spielen, entweder (a) die vorhandenen harmonischen Ideen, (b) optimiert die Harmonie auf irgendeine Weise und verleiht ihr einen anderen Charakter, oder (c) widerspricht der Harmonie und kämpft gegen sie, indem Sie sie erschaffen inkompatible nicht verwandte harmonische Ideen. Melodie und Harmonie gehen Hand in Hand, jede Melodie umreißt einige harmonische Gefühle, auch wenn es sich um ein einstimmiges Solo handelt. Meiner Meinung nach kann man gute Melodielinien nicht wirklich improvisieren, wenn man Akkordfolgen nicht improvisieren kann. Wenn Sie eine gute Melodie gemacht haben, haben Sie gleichzeitig auch die Zutaten für harmonische Progressionen gemacht, ob Sie es wissen oder nicht.

Ich fand den Ansatz der Akkordskala nicht hilfreich, bei dem jeder Akkord eine andere Tonleiter verwendet.

Ich habe mehr über das Improvisieren gelernt, indem ich viel Jazz gehört habe, als indem ich meine Modi und Akkorde aufeinander abgestimmt habe. In vielen Jazz-Melodien halten Akkorde nicht viel länger als zwei Beats (vielleicht ein Takt). Das ist nicht genug Zeit, um aus jeder Skala eine bestimmte Farbe zu erstellen. Außerdem verwenden alle diatonischen Akkorde im Stück letztendlich den gleichen Notensatz. Ist es wirklich wichtig, welcher Notenmodus für jeden Akkord beim Improvisieren beginnt und endet?

Es ist wichtig, die Noten jedes Akkords zu kennen, da die Akkordtöne die Anker und die für die Auflösung verwendeten Noten sind. Jede Note kann gespielt werden, wenn sie gut aufgelöst ist.

Es hängt auch von Ihrem Stil ab. Einige Jazzkünstler sind dafür bekannt, dass sie Soli haben, die am oberen Ende von erweiterten Akkorden bleiben und im Allgemeinen dissonant sind.