Bringen Sie den Schülern bei, wie man Musik macht, die sie mögen. Während erfahrene Musiker oft sehr aufgeschlossen sind und Wert und Schönheit in vielen Arten von Musik sehen, sind jüngere Kinder oft hauptsächlich daran interessiert, etwas darüber herauszufinden die Dinge, die sie mögen. Können Sie die Strukturen der Songs in den Charts / Clubs / auf den Handys Ihrer Schüler jetzt überzeugend erklären? Könntest du selbst so Musik machen? Wenn nicht, lernen Sie es, bevor Sie versuchen, es zu unterrichten.

Führen Sie Ihre Schüler auf ausgewogene Weise in die Welt der Musik ein. Es ist großartig, etwas über europäische Kunstmusik zu lernen von vor zwei oder dreihundert Jahren. Genauso wichtig ist es, etwas über lateinamerikanischen Tanz, arabische Skalen und japanische Volksmusik zu lernen. Es ist genauso wichtig, Klangfarbe und Rhythmus zu lernen wie Harmonie und Melodie.

Machen Sie Ihre Kinder mit so vielen Konzepten wie möglich vertraut und lassen Sie sie entscheiden, welche für was sie nützlich und relevant sind Sie möchten dies tun.

Helfen Sie Ihren Schülern zu verstehen, was die verschiedenen Teile der Musiktheorie darstellen.

Insbesondere sollten sie verstehen, welche Ideen .. .

• Terminologie und Notation
  Diese bieten Möglichkeiten, musikalische Konzepte in Beziehung zu setzen und zu kommunizieren.
• Stilspezifische Regeln und Richtlinien
  Die Tatsache, dass dies stilspezifisch ist, muss verstanden werden.
• Grundlegende musikalische Konzepte

Bringen Sie Ihren Schülern bei, 'theoretisch' außerhalb der Theorie zu denken, die sie bereits kennen. Sie könnten ihnen ein oder zwei Stücke vorspielen, von denen Sie glauben, dass sie ihnen sehr unbekannt sind, und sie bitten, aufzuschreiben, was ihrer Meinung nach die musikalischen Regeln dieses Stücks oder Stils sind, und sie dann dazu zu bringen, diese Regeln zu befolgen, um ein neues Stück zu machen dieser Stil. Wenn Sie etwas Neues tun, kann theoretisches Denken am nützlichsten sein.

Unterrichten Sie sie überhaupt nicht in Theorie - geben Sie ihnen die Möglichkeit, Musik zu erleben, inspirieren Sie sie zum Nachdenken Pflanzen Sie die Keime des theoretischen Wissens und lassen Sie es sich organisch entwickeln und wachsen.

Es gibt zwei Möglichkeiten, sich der Musiktheorie zu nähern: als Musiktheoretiker (der möglicherweise tatsächlich spielt oder nicht) oder als Musikpraktiker (dh als Musiker) ). Die Wissensanforderungen sind offensichtlich unterschiedlich und im Zusammenhang mit dieser Frage werde ich mich hauptsächlich auf die Perspektive des Praktikers konzentrieren.

Lassen Sie uns darüber nachdenken, was (einige) Kenntnisse der Musiktheorie für einen Musiker wert sind. Ich kann mindestens drei Gründe sehen, um zumindest eine Theorie zu lernen:

1. Kommunikation mit anderen Musikern,

2. Einarbeitung in das Muster,

3. Kreative Verknüpfungen.

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Schauen wir uns diese nacheinander an.

Kommunikation

Geben wir ihm einen Namen, damit wir uns darüber unterhalten können.

(die Mighty Mighty Bosstones über den Ursprung des Begriffs Skacore) )

Als Musiker müssen wir in der Lage sein, mit anderen Musikern über die Feinheiten der Musik zu sprechen, und die Alltagssprache ist nicht immer der Aufgabe gewachsen. Natürlich können Sie im Gegensatz zu Pianissimo sagen: "Spielen Sie das sehr leise", aber meistens ist die einzige Alternative zu Standard-Musikbegriffen, die angeben, was Sie wollen (z. B. "Spielen Sie dieses Bit mit einem 6/8-Gefühl"), "zu" Zeigen Sie tatsächlich, was Sie sagen wollen. Es ist klar, dass es vorzuziehen ist, ein potenziell komplexes Konzept mit einem einfachen Begriff auszudrücken.

Da es sich um Unterricht handelt, sind die beiden Musiker, die kommunizieren müssen, Lehrer und Schüler. Es ist natürlich möglich, jemandem beizubringen, ein Musikstück zu spielen, ohne sich zu irgendeinem Zeitpunkt mit der Theorie zu befassen (indem einfach alle Bewegungen demonstriert werden, die der Schüler im Kontext der Aufführung ausführen muss), aber es geht viel schneller, wenn Sie können auf konzeptioneller Ebene kommunizieren. Damit wir nicht vergessen, sind solche Grundlagen wie Notennamen und Notenschrift auch Teile der Musiktheorie.

Mustereinweisung

Wir können ein Musikstück als eine lange Reihe von Noten und Pausen betrachten, die uns von Anfang bis Ende begleiten - und sogar lernen, zu spielen, indem wir es als solches auswendig lernen, oder können wir Betrachten Sie es als Konstrukt aus kleineren Bausteinen. Entscheidend ist, dass diese Bausteine ​​auch in anderer Musik vorkommen.

Welche Bausteine? Skalen, Akkorde, Arpeggios, Sequenzen, rhythmische Muster, Standardformen, Kadenzen usw. Jedes Mal, wenn wir in einem ansonsten unbekannten Musikstück etwas erkennen können, das wir bereits kennen, wird unsere Arbeit viel einfacher. Anstatt jede Note der Reihe nach zu untersuchen und zu lernen, können wir stattdessen übergeordnete Konzepte anwenden, mit denen wir bereits vertraut und vertraut sind.

Um jedoch mit solchen "Bausteinen" vertraut und kompetent zu werden, wir müssen uns zuerst bewusst werden, dass sie existieren. Eine der Funktionen der Musiktheorie besteht darin, solche Bausteine ​​zu identifizieren, zu benennen und zu untersuchen, wie sie zusammenpassen.

Kreative Verknüpfungen

Früher oder später müssen wir möglicherweise tatsächlich erstellen etwas Musik, anstatt zu lernen, was jemand anderes geschrieben hat. Dies kann so kompliziert sein wie das Schreiben eines ganzen Stücks von Grund auf neu oder so einfach wie "Könnten Sie sich ein Teil über dieses Bit einfallen lassen?"

Auch hier ist es möglich, die Arbeit durch Ausprobieren zu erledigen . Es wird jedoch schneller und einfacher, wenn wir eine Vorstellung davon haben, was wahrscheinlich funktioniert und was nicht - wenn wir mit den verfügbaren Optionen und deren Klang vertraut sind.

Ein Wissen der Musiktheorie ermöglicht es uns, uns mit solchen Optionen vertraut zu machen und ein Klassifizierungssystem zu erlernen, das es uns leicht macht, sie im Auge zu behalten.

Ein praktischer Ansatz für den Unterricht in Musiktheorie

Vor diesem Hintergrund werden zwei Dinge offensichtlich: Es wird für den Schüler sehr nützlich sein, zumindest ein bisschen Musiktheorie zu lernen. und dass das Erlernen der Theorie dem Erlernen der musikalischen Praxis unterworfen sein sollte.

Mit anderen Worten, der Schüler sollte in erster Linie lernen, Musik zu spielen. Wenn sie jedoch lernen zu spielen, sollten sie auch allmählich lernen, was sie spielen und wie es zu anderen Dingen passt, die sie bereits gelernt haben.

Versuchen wir, eine Liste von zu erstellen Die grundlegendsten musiktheoretischen Konzepte, die jeder Schüler lernen sollte:

1. Eine solide Kenntnis des Rhythmus (einschließlich der rhythmischen Notation) ist ein absolutes Muss für jeden. Ich sage immer, dass das Zählenlernen die wichtigste Fähigkeit ist, die man als Musiker beherrschen muss.
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Das Tolle am Rhythmus ist, dass es eine Fähigkeit ist, die vom ersten Tag an geübt werden kann, auch wenn Die Mechanik der Klangerzeugung aus einem Instrument ist immer noch ein tiefes, dunkles Rätsel. In meiner Unterrichtspraxis habe ich meine Anfänger immer mit Klatschübungen begonnen, damit sie ein Gefühl für den Rhythmus bekommen, ohne sich mit den fummeligen Bewegungen des Instrumentenspiels auseinandersetzen zu müssen.

2. Die grundlegenden Namen der Klänge, die man zu produzieren lernt, sollten zum frühestmöglichen Zeitpunkt unterrichtet werden, wahrscheinlich jedoch nicht früher, als der Schüler zum ersten Mal aufgefordert wird, sie zu spielen.
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Die Schüler sollten dies tun Lernen Sie die Namen der Noten, die sie spielen (trivial, ich weiß, aber dennoch wichtig), Akkorde (insbesondere bei musterintensiven Instrumenten wie der Gitarre), Artikulationen usw. (Einzelheiten hängen vom Instrument ab).

Der Grund dafür sollte klar sein: Der Student wird aufgefordert, diese Dinge im Verlauf seines Studiums immer wieder zu spielen. Der Lehrer braucht eine präzise Art zu kommunizieren, was der Schüler spielen muss, und es ist für den Schüler viel einfacher, nach dem Motto "Hier spiele ich den C-Dur-Akkord" zu denken, im Gegensatz zu "Ich muss das sagen" Finger hier und dieser Finger hier und dieser Finger dort und ... "

Es ist auch wahrscheinlich, dass der Schüler irgendwann in der Zukunft mit anderen außerhalb des Klassenzimmers spielt und hier die Fähigkeit, sinnvolle Gespräche darüber zu führen, was gespielt werden soll, von unschätzbarem Wert ist.

Das Unterrichten einer geeigneten Form der Notenschrift ist in Bezug auf dieses spezielle Thema zu fördern. Es muss nicht von Anfang an eine Standardnotation sein, wenn es ein einfacheres, häufig verwendetes System gibt (ich denke in diesem Fall besonders an die Tabulatur, weil es ein eindeutiges Notationssystem für ein Instrument bietet, bei dem dieselbe Note möglicherweise in sechs Noten gespielt werden kann verschiedene Orte oder mehr). Es geht darum, dass der Schüler eine Möglichkeit hat, sich Notizen darüber zu machen, was er spielen muss, wenn er keinen Lehrer hat, der es ihm zeigt, und in der Lage ist, geschriebene Musik selbst zu erkunden.

3. Wenn der Schüler das Spielen lernt, sollte er auch einen mentalen Rahmen entwickeln, der es ihm ermöglicht zu verstehen, was er spielt und wie es zu dem passt, was er spielt bereits wissen.
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Angesichts eines Instruments werden wir mit einem Meer musikalischer Möglichkeiten konfrontiert. Wir brauchen einen Weg, sie in mundgerechte Stücke zu zerlegen.

Jedes Instrument hat seine eigenen "Tricks", um es einfacher zu machen (zum Beispiel lässt die Klaviertastatur die Notennamen "sehen"; die Gitarre erleichtert das Transponieren Musik auf verschiedene Tasten, indem die Fingermuster auf eine andere Position verschoben werden), sodass die Einzelheiten davon abhängen, was gelehrt wird.

Am anderen Ende des Spektrums gibt es Dinge, die für alle (oder die meisten) Instrumente universell sind: Dinge wie Musikform, Tonalität, rhythmische Vorlagen.

Im Kontext eines solchen Frameworks ist es möglich, Konzepte, die einer großen Anzahl spezifischer Teile gemeinsam sind, zu isolieren und diese isoliert zu praktizieren. Wenn wir beispielsweise wissen, wie man ein C-Dur-Arpeggio spielt, können wir auf dieses Wissen zurückgreifen, wenn wir es in einem bisher unbekannten Musikstück antreffen. Wir können es in verschiedenen Tonarten üben, mechanische Fähigkeiten aufbauen (dh Kenntnisse in den Bewegungen, die zur Ausführung einer Musikpassage erforderlich sind) und uns auf eine Zeit vorbereiten, in der wir es in einem musikalischen Kontext spielen müssen.

In allen Fällen müssen wir uns jedoch erst bewusst werden, dass solche Methoden zum Zerlegen von Musik existieren, bevor wir sie zu unserem Vorteil nutzen können.

Allgemeine Überlegungen

Wie zuvor Für einen Musikpraktiker sollte das Spielen an erster Stelle stehen. Theoretische Konzepte müssen nur so ins Bild gebracht werden, wie sie in der Musik erscheinen, die der Schüler zu spielen lernt.

Alle Dinge, die Rhythmus sind, müssen von Anfang an eingeführt werden, auch wenn wir mit etwas wie beginnen Einfach wie das Spielen (oder Klatschen) von Viertelnoten, während "eins, zwei, drei, vier" gezählt wird.

In ähnlicher Weise sollten wir, während der Schüler lernt, einzelne Noten oder Akkorde zu spielen, die Namen einführen, auf die wir uns künftig beziehen werden. Die Fähigkeit, "jetzt eine B-Note spielen" zu sagen, im Gegensatz zu "dort mit dem Finger spielen", ist so wichtig, dass es kaum erwähnenswert ist. Wenn der Schüler Akkorde spielt, sollte er wissen, wie diese Akkorde heißen. Wenn mehrere Noten gleichzeitig gespielt werden, ist die Fähigkeit, eine große Menge an Informationen in einen einzigen Namen zu "kopieren", umso wichtiger.

Sobald der Schüler die Grundlagen verstanden hat und einige einfache Stücke spielen lernt, können wir schrittweise übergeordnete Konzepte einführen. Musikalische Form wird oft vergessen, wenn wir an Musiktheorie denken, aber sie ist sowohl für die Beherrschung längerer und komplizierterer Stücke als auch für Anfänger ein ziemlich einfaches Konzept. Indem wir zeigen, wie ein scheinbar monolithisches Musikstück in "Stücke" zerlegt werden kann, die wiederholt und miteinander verflochten werden, zeigen wir dem Schüler, wie er das Erlernen eines neuen Musikstücks erleichtern kann.

Wenn der Schüler beginnt, sich auf verschiedene Tonarten auszudehnen, sollten wir nach und nach erklären, wie das Konzept der Tasten funktioniert und wie die verschiedenen Teile des Tonsystems (Skalen, Akkorde, Kadenzen) isoliert, geübt und geübt werden können angewendet. Ziel ist es, dass der Schüler ein Musikstück betrachtet und weniger in Form einer langen Reihe von Noten denkt, sondern in Form von Musikblöcken, die er erkennen, identifizieren und spielen kann.

Übung macht dauerhaft, daher ist es wichtig, diese Konzepte im Verlauf unseres Unterrichts weiter zu verstärken. Der Schüler sollte diese Elemente der Musiktheorie lernen und üben, bis sie tief verwurzelt sind. Der einfachste Weg, dies zu tun, besteht darin, den Schüler durch Analysen der Musik zu führen, die er spielt - insbesondere durch neue Stücke, sobald der Schüler ein ziemlich gutes Verständnis dafür hat, was ihm bisher beigebracht wurde. Denken Sie daran, das Ziel ist es, dem Schüler das Anwenden von Dingen zu erleichtern, die er bereits kennt und die er im Kontext des Lernens neuer Musik spielen kann.

Aus der Sicht eines Lehrers bedeutet dies, dass wir unseren Unterricht analytisch angehen sollten wie wir sie vorbereiten. Wir sollten eine solide Vorstellung von den theoretischen Konzepten haben, die in der Musik enthalten sind, die wir dem Schüler beibringen werden, und nach Möglichkeiten suchen, wie wir sie zum Vorteil des Schülers nutzen können.

Enthält ein Stück ein Konzept, das der Schüler ist? vertraut mit? Notieren Sie es und weisen Sie darauf hin.

Teilt es ein Konzept mit anderer Musik, die der Schüler bereits kennt und das das Lernen einfacher und schneller machen würde? Es kann an der Zeit sein, das Konzept vorzustellen und dem Schüler zu zeigen, wie es angewendet wird.

Haben Sie den Schüler bereits mit einem eigenen analytischen Toolkit ausgestattet? Toll! Beginnen Sie mit dem Erlernen neuer Musik, indem Sie mit Ihrem Schüler die Partitur durchsehen und alle Stellen besprechen, an denen der Schüler seine vorhandenen Fähigkeiten anwenden kann.

Wenn wir möchten, dass unsere Schüler Kenntnisse der Musiktheorie mitnehmen, die dies ermöglichen Helfen Sie ihnen bei ihrer musikalischen Praxis, es sollte klar sein, dass wir unsere eigenen untersuchen müssen. Ich bin fest davon überzeugt, dass jeder Unterricht auch Lernen ist (Schönberg scheint dem zuzustimmen). Können wir unseren Schülern nicht nur beibringen, wie man ein bestimmtes Musikstück spielt, sondern auch Fähigkeiten und Kenntnisse aufbauen, die es ihnen ermöglichen, mit minimalem Aufwand zusätzliche Dinge zu spielen? Wenn nicht, ist es vielleicht an der Zeit, unsere Musiktheorie aufzufrischen.

Bearbeiten: ein anschauliches Beispiel

Nachdem ich diese Antwort gepostet hatte, musste ich Ich denke, dass es mit einer Illustration des Endziels zu tun haben könnte, das wir hoffen könnten, wenn wir Praktikern Theorie beibringen, und so kommt es, dass ich eine gute persönliche Anekdote habe.

Bei der Hochzeit meiner Schwester wurde ich gebeten, mich zu setzen mit der Band als Leadgitarrist. Sie spielten eine Reihe geeigneter Standards, mit denen ich vertraut war, die ich aber noch nie zuvor gespielt hatte. Sie fragten mich kurz, bevor sie auf die Bühne gingen, so dass jede Art von Probe nicht in Frage kam.

Zum Glück hatte der Keyboarder einige kurze Notizen (im Grunde Akkorde und Texte), also hatten wir uns darauf geeinigt Ich würde nur über seine Schulter schauen. Dann sagt er mir:

"Es gibt nur eine Sache: Ich transponiere meine Tastatur, um mir das Leben zu erleichtern, sodass die tatsächlichen Tasten, in denen ich spielen werde, anders sind."

Keine Sorge.

Am Ende hatte er mir den eigentlichen Schlüssel gesagt, bevor er einen Song begann. Dann würde ich mental eine schnelle Analyse der römischen Zahlen auf die Akkorde anwenden, die er geschrieben hatte, um eine Vorstellung davon zu bekommen, wo ich bin, harmonisch, und das würde mir eine Vorstellung geben, wohin ich melodisch gehen musste. Hat ziemlich gut geklappt.

Die Moral dieser Geschichte ist, dass ich, um sie durchzuziehen, über die Informationen hinausgehen musste, die mir präsentiert wurden (die sowohl unvollständig als auch nicht ganz genau waren). Der einzige Weg, dies zu tun, bestand darin, zuerst das allgemeine Konzept zu isolieren und dann eine geeignete Anwendung zu finden, in Bezug auf das, was ich tatsächlich gespielt habe. Ohne eine solide Grundlage in der grundlegenden Musiktheorie (oder ein schnelles Ohr und eine perfekte Tonhöhe) wäre dies unmöglich gewesen.

(Lassen Sie mich zunächst sagen, dass dies eine schreckliche musiktheoretische Aufgabe ist, die Sie gezeigt haben. Ich weiß, dass es nicht Ihre ist, aber ich würde Musiktheorie hassen, wenn ich als Student daraus gelernt hätte! )

Zuerst müssen wir genau definieren, was wir unter "Musiktheorie" verstehen:

Nur dann können wir wirklich beginnen Sie, diese Frage zu beantworten.

Und in der Anzeige Neben den beiden großartigen Antworten, die bereits von alephzero und topo morto gegeben wurden, einige weitere Bemerkungen:

• Ausbilder müssen die Unterscheidung zwischen und die Bedeutung von kontextuellen und kontextuellen Beispielen verstehen. Mit "kontextuell" meinen wir ein Beispiel aus der Literatur (wie das Beispiel "Ode an die Freude" in dem von Ihnen bereitgestellten PDF). Mit "kontextuell" meinen wir Beispiele außerhalb des Repertoires (wie die verbleibenden zwei Seiten von "Vervollständigen Sie diese authentischen Kadenzen" im PDF). Die Schüler bevorzugen die meiste Zeit kontextbezogene Beispiele, und das Material "klebt" viel leichter, wenn Sie tatsächliche Musikbeispiele verwenden.
• Ebenso treffen Sie sie in der Mitte, wenn es um das von Ihnen diskutierte Repertoire geht . Zu viele musiktheoretische Lehrer bestehen darauf, immer wieder dieselben Sätze aus denselben Mozart- und Haydn-Klaviersonaten zu unterrichten, und nichts tötet die Begeisterung eines Schülers schneller. Wenn Ihr Repertoire keine Beispiele von Aladdin , The Beatles und Lady Gaga enthält, machen Sie es einfach falsch.

Zum Schluss noch einige Quellen Musiktheorie unterrichten, obwohl beide auf College-Professoren ausgerichtet sind:

• Michael Rogers ' "Lehransätze in der Musiktheorie" ist ein Muss für jeden, der ernsthaft unterrichtet Musiktheorie.
• Wenn Sie akustische Fähigkeiten unterrichten, lesen Sie auch Gary Karpinskis "Erwerb akustischer Fähigkeiten".
• Es gibt eine Zeitschrift, die sich diesem Thema widmet sehr Frage: das Journal of Music Theory Pedagogy. Die meisten dieser (frei verfügbaren) Artikel gehen weit über den Rahmen Ihrer Frage hinaus, aber sie sind eine wichtige Quelle für jeden, der Musiktheorie unterrichtet.

Ihr hypothetischer Schüler ist in dem Sinne richtig, dass das "Verstehen perfekter Kadenzen", das ausreicht, um einige von ihnen in vierteiliger Harmonie zu schreiben, ein völlig nutzloses Stück Wissen ist, außer in bestimmten musikalischen Kontexten. und diese Kontexte sind für ihn / sie in dieser Phase seiner / ihrer musikalischen Entwicklung höchstwahrscheinlich von minimalem Interesse.

Der "traditionelle" Ansatz Das Unterrichten von "Musiktheorie" auf elementarer Ebene scheint auf Harmonie in der gängigen Praxis zu beruhen. Im 19. Jahrhundert war das ein "lebender" musikalischer Kontext, aber nicht mehr. Selbst im Zusammenhang mit dem Unterrichten der Aufführung von "klassischer Musik" (was auch immer das ist!) Auf "traditionellen Musikinstrumenten" gibt es mindestens ein Jahrhundert lang Anhäufung von praktischem Unterrichtsmaterial von guter Qualität, das außerhalb davon liegt.

Wenn das Obige die Wurzel (oder mindestens eine Wurzel) des Problems korrekt identifiziert, habe ich keine "Lösung" - aber als spezifisches Beispiel, auf das ich mich konzentrieren sollte, was wäre eine "Theorie" Kurs "für Tastaturstudenten, der parallel zu Bartoks" Mikrokosmos "verwendet werden soll, sieht aus wie? Ich vermute, dass "perfekte Kadenzen" nicht sehr stark darin vorkommen würden.

Und "Microkosmos" ist 2016 kaum topaktuelle Avantgarde-Musik ...

Die verschiedenen Bücher "Elementartheorie und Musikalität" von Hindemith waren zumindest ein Anfang in der richtige Richtung - obwohl sie jetzt mehr als ein halbes Jahrhundert alt sind und Hindemith wohl seine eigene theoretische Axt (die nie zum Mainstream-Werkzeug für das Musikmachen wurde) hatte, um beim Schreiben zu mahlen.

Ich bin dieser ungeschickte Geiger, der bis etwa zwei Jahre Spielzeit keine Ahnung von Theorie hatte - und es auch nicht interessierte - und es wirklich immer noch nicht interessierte, bis er Klavier spielte. Warum Klavier? Denken Sie aus der Perspektive des Geigers mit grünem Horn darüber nach. Die Geige ist ziemlich abstrakt, wenn es um Musiktheorie geht. Die Noten sind im Grunde genommen Punkte auf einer Saite, die Sie sich merken müssen - physisch und akustisch. Aus diesem Grund ist es normalerweise einfacher, mit einer Methode wie Suzuki zu lernen, bei der Sie schnell technisch versiert sind, aber auf Kosten des Musiklesens.

Es ist der einzige Grund, warum ich heute hier schreibe und keine Videospiele spielen, wenn das Sinn macht. Ich hätte vor Jahren aufgehört.

Wegen Suzuki konnte ich die Geige früher genießen, als ich es sonst getan hätte. Aber ... Theorie. Ja. Ich konnte erst nach zwei oder drei Jahren Musik lesen und sehr schlecht, bis ich zu meinem ersten Orchester kam. Vor ungefähr ein oder zwei Jahren nahm ich Klavier "für die Theorie" und als Ergänzung zur Geige auf.

ES WAR SCHMERZLICH . SO SCHMERZHAFT. (Zuerst ...)

Da ich noch nie zuvor gespielt hatte und mein Klavierlehrer keine anderen Lehrpläne so gut kannte, begann ich mit einem Buch, das sich im Wesentlichen an einen Kindergärtner richtete. Ich war zu dieser Zeit ziemlich gut im Lesen von Sehenswürdigkeiten, aber ich hatte buchstäblich keine Freude daran, "The Computer" oder "The Watchman" oder sogar "Klassiker" wie die "Boogie Woogie Goose" zu spielen. Ich mag vormodernes Zeug am liebsten.

Vor nicht allzu langer Zeit zeigte mir mein Lehrer, wie man Hymnen improvisiert.

Die Schönheit davon. Beeindruckend. Meine musikalische Welt hatte sich geöffnet. Ich habe Musik nicht mehr als vorab geschriebene Notizen auf einer Seite angesehen. Plötzlich war die Welt der Komposition und Improvisation vor mir aufgetaucht.

Plötzlich wollte ich etwas über Akkordfolgen lernen - Dinge, die niemals von Bedeutung gewesen wären zu einem Geiger. Ich wollte etwas über melodische Dekorationen lernen.

Mein Lehrer zeigte mir zunächst, wie man die "Akkorde" eines Liedes findet. Suchen Sie die Tonart, wählen Sie die erste Note der Tonleiter aus, machen Sie Ihre Triade, wiederholen Sie die vierte und fünfte Note der Tonleiter, und Sie haben drei Akkorde, die in dieser Tonart köstlich klingen.

"Yay! "" Ich dachte. "Jetzt kann ich jedes Lied spielen, das mir gefällt! Ich kann improvisieren!"

Nehmen Sie eine andere Situation.

"Okay, Kind. Heute sind wir es Ich werde etwas über CHORD PROGRESSIONS lernen! Ist das nicht aufregend? "

[Blutgerinnungsschrei, reißt Haare aus]

Ich habe nicht einmal bemerkt, dass ich das gelernt habe Sachen. Mir wurde beigebracht, Musik zu machen, im Kontext des Musikmachens.

Ich habe seitdem die Musiktheorie unabhängiger betrieben, aber mein Lehrer hat mir beigebracht, wie man Akkorde ausrollt (1, 5, 8 + 3 + 3 ... das wäre mir egal, wenn Ich konnte es nicht auf meine eigene Musik anwenden) und habe in meiner Freizeit etwas über melodische Dekorationen gelernt ... Ich lerne Musiktheorie, weil ich sehe, wie ich es im Kontext der Unterhaltung anwenden kann / strong>

Wenn ich schlecht gelaunt oder gelangweilt oder glücklich oder traurig bin (oder im Grunde immer, wenn ich am Klavier vorbeigehe), setze ich mich hin und improvisiere. Ich kann es anwenden. Alles, was dazu gehört, möchte ich wissen.

Was ist mit dem Lesen von Noten?

Ich habe herausgefunden, dass ich ein ganzes Orchester in meinem Rucksack haben kann, wenn ich eine Partitur mit habe mich. Ich bringe mir selbst Lieder bei und genieße es, meine Fähigkeiten über meine weniger blattschonenden Freunde zu schreiben.

Unterhaltsam, was?

All diese Dinge wären, wenn sie in einem Lehrbuchformat unterrichtet würden, auf einem Ohr und auf dem anderen.

Hier ist mein Vorschlag:

Musiktheorie auf einer Basis, die man wissen muss, und mit Not meine ich wollen.

Sagen Sie dem Kind: "Hey , heute schauen wir uns ein paar coole Songs an, die [blank] verwenden. "

" Klingt cool, oder? Wussten Sie, dass Sie [blank] einwerfen können, wo immer Sie wollen? Ja, Ich denke, es ist auch ordentlich. Lass es uns versuchen. Hier, steck es in dieses Stück. "

Oder, wenn [leer] nicht überall hingehen kann, zeigen Sie dem Kind alle Stellen in Liedern, die es mag, dass [leer] erscheint. Zeigen Sie dem Kind vor allem, dass es verwenden kann [leer].

Es gibt gelegentlich theoretische Punkte, die so theoretisch sind, dass sie im täglichen Gebrauch nicht wirklich angewendet werden können, aber der Schüler wird motiviert sein, sobald er den Grund gefunden hat , auch wenn Sie es ihm nicht zeigen können.

Ich habe mit der einfachen Aufgabe begonnen, meine Schlüsselsignaturen auswendig zu lernen. Es ist schwer, und wenn ich vorher dazu gezwungen worden wäre, würde es so manche Tränen vergießen - und die Schlüsselsignatur vergessen.

Jetzt möchte ich sie lernen, weil ich auf eine beängstigende zeigen möchte Sieh dir die Punktzahl an und sag: "Das ist f-Moll!"

Da sind meine zehn Cent.

Ich denke, die große (Re?) Offenbarung unserer Zeit ist die Bedeutung der Motivation für das Lernen und die Verspieltheit.

Motivation

Wenn Sie ein Songwriter sind, werden Sie wahrscheinlich aus Neugier Theorie lernen und bessere Songs schreiben . Diejenigen, die in einer Big Band sind, müssen wissen, wie man Blatt liest und improvisiert . Ihr Freund von nebenan möchte nur Songs hören und spielen , die er im Radio hört, daher benötigt er nur Gehörbildung und grundlegende Skalen / Akkorde.

Alle diese Leute würden unterschiedliche Ansätze benötigen. Wenn sie das bekommen, was sie brauchen, tritt vielleicht ihre natürliche Neugier ein und sie werden mehr lernen.

Auch Menschen aus verschiedenen Genres möchten möglicherweise zunächst kein völlig anderes Genre lernen. (Ich hasste es wirklich, langweilige klassische Gitarrenkompositionen in C-Dur zu spielen - nur um das Lesen von Blättern zu lernen.)

Spiele

Warum sollte Lernen ein Schmerz sein? Stellen Sie sich zum Beispiel ein Fantasy-Spiel vor, in dem Sie verschiedene Zaubersprüche wirken können, indem Sie verschiedene Skalen spielen. Sie haben das Lernen unterhaltsam und effektiv und unterhaltsam gemacht.

Wenn Sie jemals ein strategisches Spiel gespielt haben, haben Sie wahrscheinlich viel über das Verwalten von Ressourcen, das Konstruieren von Maschinen usw. gelernt. Alles durch einen Nebeneffekt eines Spaßes Erfahrung . Jetzt würde ich wirklich gerne Spiele spielen, die mir Musiktheorie beibringen oder mein Ohr trainieren.

Bereitstellung von Werkzeugen für den Benutzer der Theorie

Wie ich in der Motivation sagte, sollten Sie mehrere Arten Kurse für unterschiedliche Bedürfnisse haben. Als Songwriter wäre der ideale Ansatz zum Erlernen der Musiktheorie beispielsweise eine durchsuchbare "Datenbank" mit Notation, Theorie und Musikbeispielen, die zu jedem Thema kombiniert werden. So kann ich beim Schreiben eines Songs (Beispiele) nach dem nächsten Schritt suchen:

• überzeugende Schlüsseländerungen
• Teile rhythmisch zusammenkleben
• Vokalharmonien schreiben
• die Hitze emotional aufdrehen (Tricks am Schlagzeug, Orchestrierung) , Harmonien)

usw.

Ohne Meinungen ( "4-Noten-Akkorde sind anspruchsvoller als das Spielen von Triaden" ), aber mit vielen spielbaren Beispielen, vorzugsweise mehreren Genres und Ländern.

Vergiss niemals, dass Musik dazu gedacht ist, akustisch gehört und verstanden zu werden.

Die Kraft der Gemeinschaft

Du bist nicht allein. Es gibt bereits sehr schöne Materialien auf YouTube, von denen Sie lernen können, wie man einen bestimmten Bereich am besten unterrichtet, wenn Sie offen sind. Es sollte musikbegeisterte Entwickler geben, die gerne an einer unterhaltsamen App für den Musikunterricht für ein Telefon arbeiten würden. Es gibt Foren, in denen Sie versuchen können, Ihre Lehrmethoden zu testen.

Sie nehmen ein Blatt vom besten Kompositionslehrer des letzten Jahrhunderts:

Dieses Buch habe ich von meinen eigenen gehört.
Arnold Schönberg, Vorwort zu Harmonielehre, 1911 .

"Ich habe dieses Buch von meinen Schülern gelernt."

Schönbergs Unterrichtsstil war explorativ: Wenn Sie sich seine theoretischen und didaktischen Schriften ansehen Es gibt zahlreiche Beispiele aus der Literatur. Die Natur dieses explorativen Unterrichtsstils besteht darin, die Schüler in die Erarbeitung der Funktionsweise echter Musik einzubeziehen. Um dies auf diese Weise zu tun, müssen Sie Ihr eigenes Verständnis der Musik während des Unterrichts verfeinern, häufig durch die Einsichten der Schüler selbst. Es erfordert sicherlich, dass Sie Ihren Ansatz verfeinern, wenn Sie sehen, was funktioniert und was nicht.

Die Übersetzung dieses Ansatzes auf Schulkinder unterscheidet sich nicht allzu sehr vom Unterrichten von 19-Jährigen : Sie müssen es mit dem in Verbindung bringen, was sie tun (was im Fall von Schulkindern darin besteht, zu lernen, zu singen und / oder zunehmend komplexere Stücke zu spielen). Es wird ein Fall von "Hey, wenn es so klingt, als ob wir Luft holen sollten, ist das eine Phrase. Nun schauen Sie sich an, was dieses Stück und dieses Stück tun, wenn die Phrase endet ..."

Tempo alephzero, Sie müssen auf der Grundlage der gängigen Praxis arbeiten. So viel moderne und postmoderne Musik weicht davon ab, und ehrlich gesagt ist es wahrscheinlich, dass das meiste, was Schulkinder lernen werden, auf ihren Instrumenten zu spielen, mitten in dieser Zeit von Smack Dab stammt, nicht von Mikrokosmos .

Dies ist auch ein Blatt des großen Modernisten: Der Mann, der so unterschiedliche Komponisten wie Webern und Cage unterrichtete, lehrte fast ausschließlich Theorie der allgemeinen Praxis. Dafür gibt es mehrere Gründe:

1. Es ist einfacher, Schlussfolgerungen über Musik zu ziehen, die hauptsächlich aus der Vergangenheit stammen. Es wurde mehr Zeit und Mühe aufgewendet, um die Funktionsweise herauszufinden.
2. Da es in größerem Umfang kodifiziert wurde, ist es eher für die Aufgabe geeignet, die Fähigkeit des Schülers zu entwickeln, Töne zu manipulieren, um das zu tun, was er / sie von ihnen verlangt - musikalische "Calisthenics", wenn Sie so wollen. Um diese Aufgabe zu erfüllen, müssen Sie klar begrenzte Ziele für die Übungen festlegen, damit Sie den Schüler nicht mit zu vielen schlecht verstandenen Entscheidungen überschwemmen. Moderne Musik wird keineswegs so gut verstanden oder kodifiziert, so dass das Problem, Entscheidungen vorzeitig zu erzwingen, umso größer wird. Dies ist nicht anders als in der bildenden Kunst: Wenn Sie eine Grundlage für das Zeichnen und die Perspektive des Lebens beherrschen, können Sie danach so ziemlich alles tun, was Sie wollen. Sie haben die notwendigen Fähigkeiten und Kontrolle.
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Wenn ich mich mit jüngeren Schülern oder Anfängern beschäftige, arbeite ich gerne mit Schönbergs Grundlagen der musikalischen Komposition als Richtlinie: Ein logischer Fortschritt durch die Elemente der Musik, die sich alle auf eine Vielzahl von Beispielen aus der echten Musik beziehen (und die Beispiele, die speziell geschrieben wurden, um einen Punkt hervorzuheben, machen auch echte Musik).