Frage:
Warum spielen Musiker lieber in bestimmten Tonarten?
Harry Brill
2013-11-02 08:20:30 UTC
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Warum kümmern sich Musiker darum, welche Tasten sie wählen?

Sechs antworten:
#1
+11
NReilingh
2013-11-02 09:08:08 UTC
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Mit Ausnahme der menschlichen Stimme und möglicherweise des Theremins haben alle Instrumente technische Überlegungen zur Tonhöhenklasse. Diese spezifischen Überlegungen informieren dann andere Aspekte des Spiels.

Beispielsweise verfügt das Klavier über weiße und schwarze Tasten. Die weißen Tasten sind größer, gleichmäßig verteilt und befinden sich alle auf derselben physischen Ebene. Das Spielen in anderen Tonarten als C-Dur (oder diatonischen Äquivalenten) erfordert die Verwendung schwarzer Tasten, die sich auf einer anderen physischen Ebene befinden, in Gruppen von drei und zwei ungleichmäßig verteilt sind und kleiner sind. Dies ist eine enorme Vereinfachung, aber die Art und Weise, wie diese Tastenkombinationen zum Spielen in verschiedenen Tonarten zusammenkommen, variiert für den Pianisten in Schwierigkeit und Komfort, abhängig von seinem Ausbildungsgrad und seiner Erfahrung (aber trotzdem beginnt jeder Pianist in C. Dur).

Insbesondere kenne ich viele Pianisten, die die Tonart B-Dur bevorzugen, da sie alle schwarzen Tasten sowie zwei weiße Tasten verwendet, die sehr leicht unter die Finger fallen.

Im Gegensatz dazu wird ein Holzbläser in B-Dur normalerweise nicht sehr glücklich sein, da die Fingersätze im Allgemeinen umso unintuuitiver sind, je mehr Vorzeichen (dh Flats und Sharps) er spielen muss. (Vergleichen Sie diese Grifftabelle für die Klarinette C-Dur mit der C-Dur oder B-Dur).

Streichinstrumente wie Gitarre, Violine usw. haben es zwar leichter, aber es sind noch Überlegungen zu offenen Saiten anzustellen. Verschiedene Akkorde oder sogar Musikstile erfordern die Verwendung offener Saiten, die im Allgemeinen auf eine bestimmte Tonhöhe festgelegt sind (oder eine begrenzte Anzahl alternativer Stimmungen bei Gitarren).

"außer der menschlichen Stimme" - Ich habe den Eindruck, dass eine Transposition, die dem Bereich des Sängers entspricht, ziemlich häufig ist.
@Dave Das stimmt, basiert aber auf der Tessitura des Musikstücks, nicht auf dem Schlüssel. Ein Stück, das normalerweise in G ist, aber Noten außerhalb des Bereichs des Sängers hat, kann auf Eb transponiert werden, aber gleichzeitig kann ein anderes Stück in Eb, das für den Sänger zu niedrig ist, auf G transponiert werden.
@Dave Deshalb habe ich "Überlegungen zur Technik in Bezug auf Tonhöhe ** Klasse **" gesagt.
#2
+4
Peter Bloomfield
2013-11-02 16:06:39 UTC
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Nur um NReilinghs Antwort zu ergänzen, gibt es auch die tonale Überlegung. Dieselbe Note, die auf einer anderen Tonhöhe gespielt wird, kann auf vielen Instrumenten ein anderes Timbre haben. Dies kann dazu führen, dass ein Musikstück einen anderen Charakter annimmt, wenn es transponiert wird. Für Aufführungszwecke kann dies manchmal sehr effektiv genutzt werden, um mit den akustischen Eigenschaften des Aufführungsraums zusammenzuarbeiten.

Bei einigen Instrumenten (z. B. Gitarre) kann die Taste auch beeinflussen, welche Fingersätze realistisch möglich sind, welche kann verfügbare Akkordstimmen diktieren. Einige Stimmen sind je nach Kontext vollständiger oder harmonischer als andere.

#3
+3
user1044
2013-11-02 20:45:05 UTC
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In der Solo-Vokalmusik wird die Tonart eines Songs normalerweise vom Komponisten / Songwriter festgelegt. Wenn sie jedoch aufgeführt oder aufgenommen wird, wird die Tonart eines Songs häufig entsprechend den Bedürfnissen des Sängers geändert, der sie am Zeit.

Als Sänger muss ich darauf hinweisen, dass jede Stimme ein wenig anders ist und jeder andere Sänger instinktiv weiß, ob ein bestimmtes Lied leichter zu singen ist und besser klingt, wenn es in a gespielt wird höhere oder niedrigere Taste. Wenn Sie also ein Instrumentalist sind und einem bestimmten Sänger ein bestimmtes Lied bringen, wird dieser Sänger wahrscheinlich verlangen, dass Sie das Lied in einer anderen Tonart spielen, die am besten mit der Stimme dieses Sängers funktioniert.

Die Tonart, die Ein Sänger mag für ein bestimmtes Lied oder eine bestimmte Komposition nicht, ob der Sänger ein Bass oder Alt (leise Stimme) oder ein Tenor oder eine Sopranistin (hohe Stimme) per se ist. Sie wird vielmehr durch die Tessitura der Melodie des Liedes bestimmt. "Tessitura" ist der Fachbegriff für den Notenbereich eines Songs: Finden Sie die niedrigste Tonhöhe in der Melodie und die höchste Tonhöhe in der Melodie und finden Sie heraus, ob sich der Song stärker auf die höheren oder die niedrigeren Noten stützt. Ein Sänger wird darum bitten, dass das Stück auf eine beliebige Tonart transponiert wird, damit die Melodienoten leichter im Bereich der Tonhöhen liegen, in denen dieser bestimmte Sänger am besten singt.

In der klassischen Musik oder im Orchester Musik ist es normalerweise nicht praktisch für das gesamte Orchester, das Stück dem Sänger anzupassen. In diesem Fall stellt der Orchesterdirektor einen Sänger ein, von dem er weiß, dass er das Lied in der Tonart, in der es ursprünglich geschrieben wurde, gut singen kann.

Für das, was wir "Kunstlied" nennen, klassische Musik, die normalerweise für einen Sänger und einen Pianisten geschrieben wird, ist es üblich, dass dasselbe Lied in Noten in zwei verschiedenen Tonarten veröffentlicht wird, eine für "leise Stimme" und eine für "hoch" Stimme". Somit hat ein Sänger die Wahl zwischen einem ganzen Arrangement, das in einer von zwei Tasten geschrieben ist, und kann eine auswählen und dem Klavierspieler zum Lernen geben.

In der Popmusik jedoch R&B und insbesondere Jazz, es ist sehr üblich, dass drei oder vier verschiedene Sänger dasselbe Lied spielen, aber jeder Sänger wählt eine ganz andere Tonart, um es zu singen, abhängig von der Stimme dieser Person.

Ich bin ein High Tenor, und es gibt eine Jazzband, mit der ich manchmal "sitze" und singe, ohne zu proben. Die meisten ihrer Songcharts sind für einen Sänger mit leiser Stimme geschrieben. Wenn ich also auf den Musikpavillon steige, drehe ich mich zur Band um und benenne den Song, den ich singen möchte, aber ich sage ihnen, dass sie ihn spielen sollen in einer höheren Tonart als in ihren Noten, und ich nenne die spezifische Tonart, die ich für diesen einen Song haben möchte. Jazzmusiker können normalerweise eine solche Anfrage bearbeiten, "auf Sicht transponieren", aber manchmal schreibe ich meine eigenen Akkordtabellen für den Song, transponiert auf die gewünschte Tonart, und gebe meine Charts an die Musiker weiter.

Interessant, etwas über Tessitura zu erfahren. Vielen Dank. Schauen Sie sich auch den Kompass an, der möglicherweise eine genauere Beschreibung des Konzepts darstellt.
Nein, es ist nicht genauer. "Kompass" ist das englische Wort für "Tessitura", was auf Italienisch der richtige Fachbegriff ist. Ich habe im Text meiner obigen Antwort einen Link zu dem Artikel über "Tessitura" in Wikipedia hinzugefügt.
So wie ich es verstanden habe, war Tessitura der „Hauptkörper“ der Notenverteilung in einem bestimmten Lied, während der Kompass näher am gesamten Notenbereich in diesem Lied oder genauer gesagt am gesamten Stimmumfang liegt. Ein Song kann also viele hohe Noten für einen bestimmten Sänger haben, also eine hohe Tessitura. Wenn ein Lied nur wenige hohe Töne hätte, würde man nicht glauben, dass es eine hohe Tessitura hat. Tessitura bedeutet eigentlich eher Textur als Reichweite.
#4
+3
slim
2013-11-04 22:30:49 UTC
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Es gibt eine Reihe von Überlegungen:

Wahrnehmung absoluter Tonhöhen

Einige Leute behaupten, von bestimmten Tonhöhen eine andere emotionale Reaktion zu erhalten. Sie würden also beim Hören eines mittleren C eine andere Emotion erleben als beim benachbarten D. Ich glaube, diese Leute sind ungewöhnlich, aber es ist plausibel, dass sie existieren.

Unterschied im Ton zwischen den Tonhöhen

Bei einigen Instrumenten oder in einigen Aufführungsräumen gibt es hörbare Unterschiede zwischen den Tönen.

Wenn Sie ein E am zweiten Bund der D-Saite einer Gitarre spielen, ohne andere Saiten stummzuschalten, werden die beiden E-Saiten und die B-Saite mitschwingen. Wenn Sie F # zwei Bünde höher spielen, hören Sie weniger Resonanz.

Wenn Sie also eine Melodie in E-Dur ohne Stummschaltung spielen, werden bestimmte signifikante Noten mitschwingen, die Sie nicht so oft hören Spielen Sie dieselbe Melodie in Fis-Dur.

Ebenso wird der Körper eines Instruments bei bestimmten Tonhöhen mitschwingen. Manchmal werden Stücke für bestimmte Räume komponiert, zum Beispiel für eine Kirche, in der bestimmte Tonhöhen mitschwingen.

Andere Instrumente haben unterschiedliche Ursachen für einen tonalen Unterschied zwischen den Tonhöhen. Ihre Stimme nimmt unterschiedliche Eigenschaften an, je nachdem, wo in Ihrem Bereich Sie singen. Reed-Instrumente klingen reich am Bass und kreischen am oberen Ende. Und so weiter.

Unterschiede in Intervallen

Die meiste Zeit denken wir, dass Halbtöne gleich sind. Von C nach C # ist das gleiche wie von C # nach D. Allerdings ist es eigentlich nicht so einfach. Wenn Sie jeden Halbton genau 1/12 einer Oktave machen, funktionieren wichtige harmonische Intervalle nicht ganz. Ein Fünftel stimmt beispielsweise nicht mit der 2. Harmonischen des Grundtons überein.

Aus diesem Grund macht eine Standard-Klavierstimmung Kompromisse, wobei einige Halbtöne ein größeres Intervall aufweisen als andere. Das bedeutet, dass viele Intervalle variieren, je nachdem, in welcher Taste Sie sich befinden. Das Intervall zwischen C und F unterscheidet sich geringfügig vom Intervall zwischen D und G.

Der Unterschied ist sehr subtil und kann meist nur als Unterschied in der Häufigkeit von Interferenz- "Beats" beim Spielen von Akkorden wahrgenommen werden. Aber auch hier ist es plausibel, dass es einen subtilen Effekt auf unsere emotionale Reaktion auf das hat, was wir hören.

Einfaches Spielen

Auf vielen Instrumenten einige Tasten sind einfacher zu spielen als andere.

Ein unerfahrener Gitarrist kann 3-Akkord-Stücke in D mit einer Kombination aus offenen Akkorden spielen. Ein Stück in C # Dur ist nicht so einfach!

Ein Pianist wird gerne in C-Dur spielen, da er nicht an schwarze Noten denken muss. Ein erfahrener Pianist hat andere bevorzugte Tasten, da sie nicht mehr durch schwarze Noten abgeschreckt werden. Einige Tasten erfordern jedoch bequemere Handformen als andere.

Auswirkung der Mechanik auf den Rhythmus

Die Wahl der Tonart wirkt sich häufig auf die mechanischen Dinge aus, die Sie tun müssen, um die Noten zu erreichen. Ein extremes Beispiel ist das Melodeon, bei dem einige Noten durch Drücken des Balgs und andere durch Ziehen erzeugt werden. In einer Taste kann ein Notenpaar ein Druck sein, während es in einer anderen Taste ein Druck und ein Zug ist. Ersteres wird ein sanfter Legato-Notenübergang sein. Letzteres beinhaltet eine kurze Pause und den Angriff einer neuen Note. Die Wahl der Tonart hat also den Rhythmus der Musik beeinflusst.

Subtiler, beispielsweise bei einem Klavier, würde die Änderung der Tonart die Entfernung beeinflussen, die ein Finger benötigt, um die nächste Note zu erreichen.

Instrumentenbereich

Stellen Sie sich ein Spielzeugpiano mit einer Oktave vor, das von C nach C 'reicht. Ab E können Sie "Jingle Bells" in C-Dur spielen. Ab A können Sie "Jingle Bells" in F-Dur spielen. Aber was wäre, wenn Sie "Jingle Bells" in G-Dur spielen wollten? Ihnen würden die Noten ausgehen.

Das gleiche Problem besteht für "richtige" Instrumente mit komplexeren Melodien. Vielleicht können Sie es umgehen, indem Sie eine Oktave nach oben oder unten gehen, aber dies wirkt sich auf den Ton aus.

Und das ist natürlich ein Problem für die Stimme. Jeder, der zu seiner eigenen Gitarre mitsingt, wurde gezwungen zu transponieren, weil die Melodie höher oder niedriger geworden ist, als seine Stimme erreichen kann.

#5
+1
bobobobo
2013-11-02 21:41:22 UTC
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Neben den praktischen Überlegungen (im Zusammenhang mit den ausgewählten Instrumenten und dem physischen Keying) gibt es eine sehr subtile, die mit der Stimmung zu tun hat.

Abhängig von der Art der verwendeten Stimmung, Das exakte Frequenzverhältnis eines bei A verwurzelten 5. kann sich geringfügig von dem eines bei E verwurzelten 5. unterscheiden.

Die beiden unterschiedlichen Frequenzverhältnisse (jedoch subtil) sind also immer noch unterschiedlich produzieren tatsächlich einen etwas anderen Akkord. Sogar ein paar Hz auszuschalten kann einen Akkord trüben, so dass es definitiv denkbar ist, dass bestimmte Stücke, die in einer bestimmten Tonart gespielt werden, einfach "besser klingen".

Die Antwort von Wheat "Natürliche versus temperierte Halbtöne" (7. September) zeigt, dass das gleichmäßig temperierte System dieses Problem beseitigt. Es war immer ein Problem mit frühen Instrumenten, insbesondere Keyboards, die so gestimmt werden konnten, dass sie in einer Taste wirklich gut klingen, aber dann verstimmt waren, wenn sie in einer anderen Taste gespielt wurden.
#6
+1
Alexander Troup
2013-11-03 05:56:49 UTC
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Bisher gab es viele gute und unterschiedliche Antworten, die Ihnen einen Eindruck vom Umfang dieser Frage vermitteln. Dies kann mit

  • zu tun haben. Die praktischen Einschränkungen des Instruments
  • Die Präferenz des Komponisten
  • Die Muster, die der Musiker hat gewohnt / am meisten geübt bei

Ich möchte hinzufügen, dass es eine andere Denkweise zwischen Komponisten und Musikern gibt, wenn es um die Auswahl der Tonart geht, weil in meinen Augen die meisten Komponisten ihr Musical wählen Vision über Praktikabilität, und die meisten Musiker entscheiden sich für Praktikabilität gegenüber musikalischer Vision.

Ich würde wärmstens empfehlen, '24 Präludien und Fugen 'zu hören, auch bekannt als' Das wohltemperierte Klavier 'von Bach der Weg durch, da jede Tonart von C bis B in Dur und Moll benötigt wird. Was an dieser Sammlung wichtig ist, ist, dass sie häufig als eines der Schlüsselwerke bei der Etablierung der Idee von 12 Schlüsseln zitiert wird. Wenn Sie sich das Ganze anhören, erhalten Sie einen Eindruck von allen 12 Tonarten, Dur und Moll.

Das Erstaunliche an Schlüsseln ist für mich, dass jeder seinen eigenen Geschmack hat, seine eigene Subtilität, von der ich glaube, dass Sie sie nicht aufnehmen können, wenn Sie sie nicht direkt vergleichen. Ich hasse es, subjektiv zu sein, aber nachdem ich einige Zeit damit verbracht hatte, zu lernen, welcher Schlüssel zu welchem ​​Stück im gut gelaunten Klavier gehört, konnte ich den Schlüssel anderer Stücke außerhalb davon abholen. Ein perfektes Beispiel sind die folgenden 2 Stücke in f-Moll - Opeth - Heritage, Bach - Prälue und Fuge Nr. 12 in f-Moll.

In klischeehaften Metaphern ist es wie der Unterschied bei Weinen. Für die meisten Menschen gibt es einen subtilen Unterschied zwischen einer Moll-Tonart, aber für den Musiker mit den scharfen Ohren sind ein cis-Moll-Lied und ein e-Moll-Lied völlig unterschiedliche Bestien.

Das Problem bei dieser Art, an Schlüssel zu denken, ist, dass es oft nicht praktikabel ist. Warum sollten Sie die Schwierigkeit auf dem Klavier von einer rein weißen C-Dur-Tonleiter auf eine seltsame Tonart mit vielen unangenehmen Fingersätzen erhöhen? Einige engagierte Musiker werden es für das Stück tun, aber es hängt wirklich davon ab, ob Sie der Meinung sind, dass die technische Schwierigkeit die Auszahlung einer angemesseneren Grundnote wert ist.

Ich bin Gitarrist, die e-Moll- und a-Moll-Pentatonik sind meine Freunde, auf die ich mich immer verlassen kann. Wenn ich Gitarre spiele, sind sie meine Heimat und mein stabiler Bezugspunkt. Wenn ich jedoch komponiere, verlagert sich mein Fokus darauf, welche Tonart am besten klingt, welche Note am besten klingt, unabhängig davon, wie schrecklich schwierig es sein mag, diese bestimmte Note tatsächlich zu spielen!

Wenn ich komponiere, mache ich es den Musikern schwer , aber wenn ich spiele, mache ich es mir einfach.



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