Frage:
Wie funktioniert das Fusionsgitarrenspiel?
Dave
2014-11-18 02:59:12 UTC
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Ich habe viele Gitarristen gesehen, die Fusion Rock gespielt haben, aber nie verstanden, was in der Theorie tatsächlich vor sich geht.

Wenn ich ihnen beim Spielen zuschaue, klingt es so, als wären sie nicht in der Tonart und gerecht Im Wesentlichen spielen zufällige Noten ohne musikalischen Gedanken an den Playback. Es klingt jedoch so, als wäre es auch eine Schlüsselrolle.

Was ist also die Idee der Fusion? Hier ist ein Beispiel für Rock Fusion: Rock Fusion: Tom Quayle

Woher wissen sie, welche Noten zu spielen sind? Gibt es eine Theorie, die erklärt, was funktionieren wird / nicht? Ich finde es ziemlich verwirrend.

Fünf antworten:
#1
+8
Matt L.
2014-11-18 19:25:00 UTC
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Wenn Fusion-Spieler für Sie wie "Nicht in Tonart" oder "Zufällige Noten spielen" klingen, hören Sie entweder schlechte Spieler oder Sie sind noch nicht an die von ihnen verwendeten Klänge gewöhnt. Letzteres hat möglicherweise auch mit der Entwicklung Ihres musikalischen Ohrs zu tun. Ich schlage vor, guten Fusion-Gitarristen zuzuhören (z. B. Alan Holdsworth, John Scofield, Scott Henderson mit Tribal Tech, Mike Stern, Alan Hinds, ...), aber auch anderen Instrumentalisten, um sich an den Stil und die Gewöhnung zu gewöhnen in der Lage sein zu schätzen, was sie tun.

Es gibt keine geheime Theorie oder Skala, die bei der Fusion verwendet wird. Die Tonleitern sind hauptsächlich die kirchlichen Modi und die Modi des melodischen Moll. Es gibt hauptsächlich drei Dinge, die für Uneingeweihte seltsam oder unerwartet klingen könnten:

  1. Die Akkordwechsel können unkonventionell sein. Wenn der Solist bei unkonventionellen Änderungen einfach die entsprechenden Akkordskalen spielt, klingen die Melodien für Sie möglicherweise etwas zufällig, obwohl der Spieler entsprechend den Änderungen immer perfekt in der Tonart ist.

  2. Fusion-Spieler verwenden häufig ziemlich viel Chromatik (Annäherungsnoten, benachbarte Noten usw.), um ihrem Spiel mehr Spannung zu verleihen.

  3. Fusion Spieler verwenden manchmal das Konzept außerhalb des Spiels, das nur eine Verallgemeinerung des gemeinsamen musikalischen Prinzips von Spannung und Entspannung darstellt.

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    Bezugnehmend auf das Beispiel dass Sie (Tom Quayle) gegeben haben, spielt er meistens drinnen, dh mit der entsprechenden Akkordskala über dem aktuellen Akkord. Es gibt jedoch einige unerwartete Akkordwechsel, die für Sie seltsam klingen können. Beachten Sie, dass er auch die Blues-Skala ziemlich oft verwendet (hören Sie sich den Part ab 3:33 an). Und natürlich gibt es ein bisschen Chromatik, um es aufzupeppen, aber eigentlich nicht viel.

Sie ändern also im Grunde nur den Modus, den sie für jeden Akkord im Rhythmus spielen, anstatt den Modus zu spielen, in dem sich die Gesamttaste des Tracks befindet?
Das ist ein Teil davon. Ich würde auch hinzufügen, dass in Standard-Rock die Moll-Pentatonik verwendet werden kann, um über fast alles solo zu spielen, und unsere Ohren hören diese Noten als angenehm. Fusion-Spieler erweitern ihre Soli normalerweise mit diatonischen Noten sowie ungewöhnlichen Modi, die fremder klingen, ganz zu schweigen von den chromatischen Noten, die sie einwerfen.
@Dave: Die Sache ist, dass es oft keinen „Gesamtschlüssel“ gibt, aber es gibt verschiedene Tonzentren.
#2
+3
pro
2014-11-18 11:34:52 UTC
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Fusion entstand mit Miles Davis '"Bitches Brew" -Album. Pat Metheny, Larry Coryell und John Mclaughlin sind wahrscheinlich die Avatare des Fusion-Jazz, aber es gibt viele andere Praktiker des Genres, darunter Martin, Medeski und Wood, Vogellieder des Mesozoikums und den "Downtown-Sound" von Bill Laswell und John Zorn. Es gibt sehr interessante Ideen, die mit der Fusion weitergehen, aber die Idee ist, sich von den Ketten des Mainstreams oder des Bebop-Jazz zu lösen. Wie Miles Davis es berühmt ausdrückte: "Spielen Sie nicht diesen Bebop-Scheiß!" Meine Güte, solche Gemeinheit! Aber das sind die Emotionen, die aus der Fusion entstanden sind.

Fusion versucht wie Free Jazz, ein Genre wiederzubeleben, das versteinert wurde und so etwas wie klassische Musik. Versteh mich nicht falsch, ich liebe Mainstream-Jazz. Ich bin mit Mainstream Jazz aufgewachsen. Ich liebe auch klassische Musik, aber ich habe das Gefühl, dass Monk, Bach und Strawinsky von der Starrheit, die Jazz und klassische Musik angenommen haben, entsetzt gewesen wären.

Fusion war ein Versuch, die schnell wachsenden Mauern zu durchbrechen, die den Jazz definierten. Wände, die Wynton Marsalis erfolgreich wieder aufgebaut und im Lincoln Center gewartet hat. Ich habe enormen Respekt vor Marsalis, aber ich bin der Meinung, dass sein Versuch, den Jazz in dem Stil zu fördern und zu fördern, in dem die klassische Musik erhöht und gefördert wurde, ein Fehler ist.

In gewisser Weise entstand der Fusion-Jazz aus Neid . Miles Davis war erstaunt darüber, wie viel weniger Musiker beim Rockspielen so viel Geld verdienen konnten, und er würde sich für dieselben Musiker zu so niedrigen Löhnen öffnen.

Aber es wurde größer als Neid, als einige große Künstler den Weg wiesen, andere Künstler bauten weiter auf der Arbeit auf, die gerade geleistet wurde. Es gibt viele Fusion-Gitarristen, die schrecklich sind. Es tut mir wirklich leid, dass Sie gezwungen wurden, ihnen zuzuhören. Aber hören Sie Leuten zu, die aus dem Fusion-Jazz hervorgegangen sind, wie John Scofield und Mike Stern und sogar Jim Hall und sein Schützling Bill Frisell, und sagen Sie mir, wenn Sie nicht glauben, dass Fusion im Laufe der Jahre zu erstaunlichen Dingen geführt hat / p>

#3
+1
Ian
2015-08-07 03:26:13 UTC
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Nun, es verwendet im Grunde das Prinzip der Verzierung mit Akkorden. Zum Beispiel hat die Verwendung eines Lydian über einem I-Akkord einen kleinen Unterschied in der Tonalität, aber ansonsten "meistens" die gleichen Noten. Diese geringfügige Änderung (die im Jazz / Fusion sehr verbreitet ist) hält aufgrund der anderen Konsonanten-Noten, die lydian und ionisch gemeinsam haben, zusammen. Wenn Sie jetzt über die Verwendung chromatischer Noten nachdenken, denken Sie daran, dass der Rhythmus EXTREM wichtig ist. Viele Leute, die das Fach unterrichten, machen es SEHR falsch. Sie müssen sich bewusst sein, welche Beats stark sind und welche nicht. Einige sagen, dass man am Ende einer Phrase "draußen" spielen kann, aber dieses Denken ist nicht immer richtig und spricht nicht wirklich den Kern dessen an, was tatsächlich passiert. Wichtig ist, ob Sie mit einer Konsonantennote auf einem starken Schlag landen oder nicht. Chromatik und "äußere" Noten sind normalerweise den schwächeren Beats vorbehalten, während die Konsonantennoten (vorzugsweise Akkordtöne, aber nicht unbedingt) auf den stärkeren Beats landen. Dies lässt Ihre Außenwiedergabe nicht nach beschissener Musik klingen und sendet die Auflösung tatsächlich richtig nach Hause. Denken Sie daran, dass die Tonalität nicht der einzige Ort ist, an dem die Auflösung wichtig ist, sondern auch der Takt, auf dem die Auflösung stattfindet, und der harmonische Rhythmus.

Ein guter Ausgangspunkt sind "Gehäuse". Dies ist die Theorie, dass die Noten eines Halbtons oben und unten um Akkordtöne herum gespielt werden können. Dies ist normalerweise der erste Startpunkt, und Sie können bereits ohne großen Aufwand ein großartiges Spiel erzielen. Diese Theorie allein kann erweitert werden und einige wirklich großartige Ergebnisse liefern, wenn Sie wissen, was jemand wie Paul Gilbert "Akkordskalen" nennt. Verwenden Sie einfach Arpeggios / Akkorde mit 4 oder 5 Tönen und fügen Sie dieses Konzept von Gehäusen hinzu. Sie spielen die meisten der 12 Noten, aber in einer bestimmten Reihenfolge, zusammen mit dem Rhythmus, der Ihr Spiel verrückt, aber gut klingen lässt. Dies ist auch sehr hilfreich für Legato, Tippen und Sequenzieren von Arpeggios (nicht r35 Sweeps = Brutto).

#4
  0
John Jacquard
2017-08-08 17:00:54 UTC
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Wenn man sich mit Jazz beschäftigt, erweitert sich die Musiktheorie ein wenig. "reguläre" westliche Musiktheorie größte Struktur ist der Schlüssel, aber in der Jazz-Theorie "Evolution der westlichen Musik" gibt es viel größere Strukturen als ein Schlüssel, mit anderen Worten, alles über Schlüssel und unten gilt immer noch, ABER Sie behandeln Schlüssel viel in der gleichen Weise wie Sie Noten oder Akkorde würden. Dies bedeutet, dass es eine größere Musikstruktur gibt. In dieser größeren Struktur ist die Tonart die Darstellung einer einzelnen Note, beispielsweise der Tonart C-Dur. Obwohl es sich um 7 Akkorde handelt, CEGB, DFAC, EGBD, FACE, GBDF, ACEG, BDFA, bei denen ein bestimmter Akkord tonisch oder dominant ist, ist alles, was Sie spielen, relativ zur Note C oder mit anderen Worten zu einer detaillierteren Version einer einzelnen Beachten Sie, dass Sie die ganze Zeit spielen. Also ... wie funktionieren diese größeren Strukturen? Sie basieren auf 2 Skalen, zuerst der erweiterten Skala und der verkleinerten Skala. Die Formen dieser 2 Skalen sind die Art und Weise, wie Sie die Schlüssel selbst verbinden. Beginnen wir zum Beispiel Mit der großen Struktur von C augmented oder CEG # nehmen wir den Hauptschlüssel jedes soC maj, E maj und G # majare, die alle durch die erweiterte Skala verbunden sind.

Hier ist eine Website, die detaillierter ist http://www.javierarau.com/augmented-scale-theory/

Wenn Sie zuerst Ihre grundlegende Musiktheorie auffrischen müssen, finden Sie hier einen kostenlosen Kurs auf yotube, der eine musiktheoretische Ausbildung in westlicher Musiktheorie abdeckt (Sie benötigen diese, bevor Sie sich mit der weiterentwickelten Jazz-Theorie befassen, die ALLES davon verwendet PLUS entwickelt sich weiter zu größeren Strukturen) https://www.youtube.com/watch?v=ICDPWP6HUbk&t=4s Sehen Sie sich alle Videos auf diesem Kanal an, um eine kostenlose Musikausbildung zu erhalten
#5
-1
rico
2016-01-19 23:41:21 UTC
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Um die Frage zu beantworten, lauten typische Skalen für e-Moll E-Dominant: Dorian, Mixolydian, Aolean, Phrygian, Locrian, Lydian, Pentatonischer Mix von mindestens 5 verschiedenen Moll-Skalen, beginnend an der Wurzel, 2., min. 3 .. , 4th, 5th, 6th, Melodic Minor und Harmonic Minor Mix sagen, beginnend mit dem Root-Moll Second-4th-5th-7th, Blues Scales, 1/2 Step Up Diminished Scale, Neapolitan Scales am 1. und 4., Whole Tone und viele andere. Diese haben Noten verändert und Töne in ihnen weitergegeben. Manchmal ist es nur eine Mischung aus Noten, die nicht zu einer Skala passen und eher ein Durcheinander sind.

Fusion-Sound ist eine Mischung aus allem. Moderne Musik und Fusion verwenden jeden Akkord für die nächsten Akkordwechsel und -muster. Diese klingen seltsam oder falsch oder wie eine Überraschung für das ungeübte Ohr. Selbst wenn die Musik in derselben Tonart bleibt, z. B. in e-Moll, können alle 12 Noten und viele Modi und chromatische Noten wie 3,4 und 5 in einer Reihe verwendet werden, um einen ungewöhnlicheren Klang zu erzielen. Zum größten Teil wird Jazz and Fusion fast ausschließlich in Moll erwähnt.



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